Um grande clássico das comédias inglesas, só para ser visto se você aprecia o estilo. Da minha parte está tudo bem, mas apesar do seu lado cult, Quatro Casamentos e Um Funeral continua mediano em vários aspectos. Obviamente, não é ao nível do elenco que isso é um problema, porque embora na época a maioria deles fossem pouco conhecidos, temos de admitir que Hugh Grant, Kristin Scott Thomas (O Paciente Inglês), Andie MacDowell (O Feitiço do Tempo), Rowan Atkinson (Mr. Bean) e outros estavam em repleta harmonia. Caso contrário, cada um tem o seu estilo, mas atuam bem, todos com a contenção inglesa, digamos, infelizmente isso estraga certos efeitos humorísticos aos meus olhos. Em termos de música também se tornou cult, mas nada de excepcional. O que está um pouco preso estaria mais ao nível da história e do enredo porque há muitas elipses, o que não é dito, o que é sugerido. Como se tornaram amigos? Por que eles são tão inseparáveis que são convidados para todos os casamentos? Como seus sentimentos românticos se desenvolvem? Por que não os vemos? Resumindo, muitas perguntas depois do fato, não essenciais, mas que podem ajudar a encontrar melhor o filme. Eu acrescentaria que certas durações são evitáveis, mais de 2 horas torna-se maçante. Sejamos objetivos: para uma comédia, seja ela inglesa ou não, não tem muita graça. Os efeitos cômicos são muito ingleses para mim? Eu não penso assim. No mesmo nível de romantismo só vejo alguns, casar para ser aceito pela sociedade não tenho certeza se é o que as pessoas estimativam... No final eu diria que você tem que ver se gosta de comédias inglesas porque continua muito representativo do estilo e da época, porém não se deve esperar muito, principalmente considerando o elenco, caso contrário corre o risco de se decepcionar. O final é previsível desde o início, mas felizmente escapamos ao pior. Muita coisa está errada, este ambiente cheio de burguesia é bastante chato, o funeral impõe uma quebra de tom brutal que não serve para nada e uma última cerimónia tão interminável como foi telegrafada. Algum peso também com Sir Mr. Bean sentindo falta de sua atuação clássica. Pode ser visto sem desagrado. Quatro Casamentos e Um Funeral pode ser considerado superestimado, mas assistível.
Quando questionamos se "Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes" deveria ser cantada para dissipar a sombra sobre os anos pré-quadrilogia dos "Jogos Vorazes", quase seríamos tentados a dizer sim, tendo em vista os ingredientes e certos flashes longe de serem desinteressante que percorre esta prequela do início ao fim. Primeiro, mesmo que tenha uma influência “starwarsiana” muito forte (em modo de pré-logia) em princípio, a ideia de revisitar parte da gênese deste universo através daquele que se tornará seu eminente antagonista não é das mais estúpidas. É oferecer a expectativa do que gerará uma inevitável mudança para o lado negro por parte de um personagem principal ainda em plena construção sobre a moralidade de suas ações. Nesta extensão, vê-lo evoluir e, portanto, crescer em um mundo onde os “Jogos Vorazes” ainda estão em seu estado mais primário e então, sob o manto das boas intenções (e sentimentos nascentes) de Snow para com seus protegidos, transformando-se em um verdadeiro espetáculo televisivo que não foge de qualquer manipulação cruel. Faz sentido e até dá um pouco de sal às críticas mais vivas ao desvio do mundo do espetáculo dos romances de Suzanne Collins. Entre o tratamento de homenagens reduzidas à categoria de animais, a ascensão do poder dos artifícios midiáticos (menção especial ao seu principal apresentador interpretado por Jason Schawrtzman, perfeito como antecessor de Stanley Tucci) e as idas e vindas do conforto dos bastidores com o poucos picos de intensidade dos acontecimentos violentos da arena, “Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes” está longe de carecer de bons momentos, bem apoiado por Tom Blyth e Rachel Zegler nos papéis principais de Snow e de uma neo-Katniss que gosta de cantar umas músicas. A bifurcação pela qual passa a última parte para estabelecer definitivamente o futuro sombrio abraçado pelo seu anti-herói é bastante atraente nas suas intenções e na mitologia que nos permite visitar de um ângulo diferente. Mas tudo isto, infelizmente, é demasiado mal organizado e luta para obter apoio durante a sua interminável duração. Mesmo que Donald Sutherland tenha lhe trazido uma bela frieza carismática ao longo dos quatro filmes anteriores, a versão cinematográfica do Presidente Snow está longe de ter tido um impacto tão enorme quanto a de Darth Vader na memória coletiva (sua versão jornada foi muito mais impiedosa) e adicionar um pano de fundo que imite o mesmo padrão de ambivalência só pode levar a fontes de destino frustrado já conhecidas em sua totalidade. Apesar de todos os esforços feitos para tentar afastar este sentimento, esta prequela apenas finge ter um caminho minimamente sólido por falta de desvios verdadeiramente originais para onde se virar. Além disso, sendo o filme um “Jogos Vorazes”, sente-se na obrigação de dar lugar de destaque aos Jogos Vorazes que retrata, estendendo a batalha até à exaustão com algumas aventuras eficazes, mas sempre ligadas a memórias de obras anteriores e mal filmado por Francis Lawrence, muito pouco inspirado (a primeira confusão realizada com os participantes foi uma ótima ideia para uma sequência e interrompida em poucos segundos). Certamente, estes Jogos Vorazes são um passo decisivo na jornada de Snow, mas aqui desempenham um papel central exagerado, tornando-se até mesmo o que pretendem denunciar: um espetáculo de passagem obrigatória, concebido para atender às expectativas de “battle royale” do público em relação um longa-metragem intitulado assim. Como se ele próprio tomasse consciência disso, o último ato do filme tem o mérito de tentar frustrar isso, mas, novamente, além de certos pontos de salvamento para finalizar a escuridão que se apodera de Snow, ele lutará para vencer por causa de uma execução que tende arrastar até que o tédio supere todo o resto. Não desprovido de qualidades reais que tornam a sua proposta digna de interesse, "Jogos Vorazes: A Balada da Serpente e do Pássaro Canoro" infelizmente perde-se ao longo de um período demasiado longo, beirando uma forma de alimentação forçada que só pode ir para o oposto significado de um filme chamado "Jogos Vorazes". Se houver uma sequência (deixamos Snow em um ponto que nos permite ver mais), por favor, tentem ser mais digerível.
Os filmes de zumbis geralmente começam com o mesmo mistério: de repente o mundo se vê invadido por monstros famintos, de aparência sinistra, com o olhar esvaziado de toda consciência humana, sem que saibamos realmente de onde se originou o vírus insano e contagioso. O pior é que os personagens sobreviventes não experimentam nenhuma surpresa real e correm para o combate imediato contra esta nova barbárie. É basicamente isso que acontece com Sam que, ao acordar do sono, percebe que as paredes estão cobertas de sangue, abre a janela e, sem surpresa aparente, descobre que o mundo agora foi conquistado por zumbis. O filme do gênero zumbi é antes uma prerrogativa do cinema americano. Oferecendo aos seus espectadores mundos horríveis que combinam humor, aventura e terror. O estilo do filme do realizador francês é significativamente diferente. Em primeiro lugar porque se passa num bairro de Paris e, sobretudo, num magnífico edifício Haussmann que dá carácter à capital francesa. O herói vagueia de apartamento em apartamento em busca de proteção e alimento, como um corretor de imóveis que interfere na vida de seus inquilinos. Esta incursão no que constituía o mundo interior dos habitantes, antes de sucumbirem à maldição, é particularmente interessante. Todo o filme elogia os adereços e decoradores que conseguiram transformar este magnífico edifício burguês num espaço concebido em memória da vida anterior dos seus habitantes, e num território digno do fim do mundo. Descobrimos com verdadeiro prazer como fora das câmeras constitui uma arte em si. O realizador narra, de fato, a existência de um médico, de uma família, sem que as personagens nunca ganhassem vida, tendo sido substituídas pelos objetos que constituíam o seu quotidiano. Em todo o caso, A Noite Devorou o Mundo é bastante surpreendente do ponto de vista dos cenários, na forma como os técnicos conseguiram transformar este pedaço de bairro parisiense num caos credível. Outro fato interesse do filme é a trilha sonora. Na verdade, o ator principal do filme, Anders Danielsen Lie, interpreta um jovem, apesar dos seus 39 anos na época, dotado de ritmo instrumentista. O filme convida regularmente a incursões musicais absolutamente insanas. O espectador então se vê atraído por uma espécie de clipe musical que, certamente é uma surpresa, mas causa um verdadeiro turbilhão de prazer. Além desses incisos musicais, como muitas obras do gênero fantasia, os sons espasmódicos acompanham a encenação para reforçar as ansiedades da situação. Às vezes lamentaremos algumas divagações no cenário, até mesmo algumas implausibilidades em um gênero que já abordou o assunto da questão dos zumbis. No entanto, A Noite Devorou o Mundo desenvolve uma verdadeira estética de solidão. Porque mais do que uma história sobre a fuga dos horríveis zumbis, o filme é uma delicada variação da loucura que assombra um personagem, certamente confrontado com o caos do mundo, mas sobretudo diante do seu próprio caos, diante do terrível anúncio de um perda total do amor e da humanidade.
Um filme de ficção científica, mas acima de tudo uma espécie de thriller psicológico, com um universo a portas fechadas bem controlado e construído. Apreciei bastante o tema, e da leitura que dele se faz, ou pelo menos que penso que é transcrita. O fato do acesso à propriedade fazer parte de um contrato social e do objetivo absoluto de atingir na vida familiar, incluindo a dívida para concretizar esse sonho, rodeado de uma denúncia de uma certa uniformidade dos pavilhões dos subúrbios, tudo parece igual, sem qualquer personalidade própria. "Vivarium" pinta um retrato de um mundo repleto de consumismo e do sistema capitalista. O cartão com a frase deixada pelo promotor é claro “Crie esta criança e você será livre.”, ao passo que é o contrário que impõe o sistema moderno, onde criar um filho requer tempo, energia e uma participação obrigatória e vital na sociedade de consumo, onde o tempo dedicado à educação de uma criança não é aquele dedicado à crítica de um sistema profundamente enraizado e que parece natural aos olhos de todos. A criança representa este sistema. O efeito do mimetismo, da duplicação, da raiva assim que deixamos de cuidar dele, e do seu pai, representaria então o Estado que controla este sistema, e que parece inacessível, por vezes invisível. O universo é, portanto, colocado de forma inteligente e, como um episódio de Black Mirror, através do prisma do que a sociedade espera de nós, é na realidade uma demonstração do absurdo da sociedade. O cenário de portas fechadas é bem pensado e extremamente visual, inspirado na obra “O Império das Luzes” de Magritte. E são também os efeitos especiais que criam a atmosfera indutora de ansiedade. Originalmente seriam construídas 12 casas em estúdio, mas o orçamento não permitiu, decidiram construir apenas 3, com 3 jardins e parte da estrada que percorrem, a obra consistiu então na duplicação digital dos diferentes elementos em Pintura 3D e 2D da forma de criar o ambiente de um verdadeiro conjunto habitacional sem saída. O elenco é muito bom e convincente, principalmente "Martin" que inspira verdadeira ansiedade só de vê-lo. E a dupla Jesse Eisenberg/Imogen Poots funciona muito bem. Fica quase impossível não se imergir nesse biotério para tentar descobrir o que se passa por lá. Ainda estou um pouco inseguro sobre o meu final, houve espaço para encontrar um desfecho mais impactante e original eu acho. Esperava uma conclusão que levasse a um mito e a uma explicação mais ampla e surpreendente. Mas continua sendo um filme intrigante, principalmente pela dupla leitura do assunto. Ao mesmo tempo, "Vivarium" irá, claro, brincar com o seu mistério e fazê-lo muito bem, expandindo constantemente a estranheza deste mundo através de reviravoltas muito bem distribuídas ao longo da sua duração. Se, tendo em conta o seu prólogo e alguns acontecimentos ao longo do caminho, o objetivo global desta história nestas linhas gerais não pode realmente criar uma surpresa (os últimos minutos serão bastante previsíveis neste sentido), é claramente no seu desenrolar que o o filme será o que mais impressionará, por nunca se repetir, por manusear a arte da elipse no momento certo para abrir novas portas e, acima de tudo, por conseguir sempre manter o olhar fascinado por este mundo e pelos seus fenómenos extraordinários. Em “Vivarium”, tudo parece poder acontecer a qualquer momento e esta é uma das suas maiores qualidades, até porque este “tudo” até vai acontecer com frequência. Em suma, o filme de Lorcan Finnegan consegue a proeza de manter a sua estranha premissa por mais de 1h30.
Fazer uma prequela de “O Enigma de Outro Mundo” é uma boa ideia para mim porque sempre me perguntei o que aconteceu na lendária estação norueguesa na Antártica. Isto também permite que os jovens se interessem pela obra original. A Coisa, versão 2011, é um filme que possui outras qualidades além do filme de Carpenter. Embora repita um pouco demais seus mecanismos e certas situações, uma lufada de ar fresco soprará sobre o mito e o final trará até seu toque de originalidade. Menos sangrento, porém mais rítmico, o conjunto permanece eficaz e o suspense é onipresente. Curiosamente, os efeitos especiais, demasiado digitais, terão dificuldade em sobreviver ao tempo aqui. Abordar uma prequela do filme cult de John Carpenter (1982), em si um remake do filme de Howard Hawks e Christian Nyby "A Ameaça" (1951), foi uma tarefa bastante arriscada, pois a obra-prima de Carpenter parece intransponível. O roteiro baseado no livro "Who Goes There?" de John W. Campbell deixou a iniciativa para esta prequela porque a expedição liderada por R.J. MacReady (Kurt Russell) tomou o lugar de uma equipe norueguesa dizimada pela coisa vinda do espaço. É portanto a história destes cientistas noruegueses que nos conta Matthjis Van Heijningen Jr, o realizador holandês. A partir dessa variante, Van Heijningen rapidamente segue os passos de Carpenter para abordar quais foram os dois grandes atrativos do filme: o alienígena e a paranóia que ele instila na equipe por meio de sua capacidade de assumir instantaneamente a aparência de suas vítimas. Deste ponto de vista, sem muita originalidade o filme consegue ser eficaz respeitando todos os preceitos do grande Carpenter, mas deste ângulo, o original continua naturalmente superior. Surge então a questão do interesse deste remake que não significa o seu nome. É claro que Kurt Russell não está mais lá, mas foi substituído pela jovem e charmosa Mary Elizabeth Winstead, que mostra aqui com razão que uma mulher pode perfeitamente assumir a liderança na luta contra um monstro solto. Aqui Van Heijningen presta homenagem a Sigourney Weaver, a heroína recorrente da saga Alien, muitas vezes comparada à obra-prima única de Carpenter. A Coisa é certamente feroz, mas muitas vezes se vê forçado a matar pela curiosidade doentia do homem, enquanto procura apenas reunir-se ao seu próprio povo. Os filmes de terror desde “King Kong” de 1933, nunca deixaram de denunciar esta loucura incontrolável que leva os cientistas a desafiar as leis da natureza, correndo o risco de colocar em risco a própria sobrevivência da humanidade. Um vasto debate que, se conseguiu fazer sorrir as pessoas nos anos 30 ou 50, começa a adquirir todo o seu significado no início do século XXI. Este filme despretensioso, mas sem qualquer sentido de humor, consegue cativar do início ao fim sem qualquer tédio ou paragem.
Você já viu um filme de ficção científica que é um OVNI? Isso pode parecer fácil, porém, diante das produções atuais, é inesperado e muito ousado. Este filme é uma joia única no extremo oposto dos sucessos de bilheteria do gênero. Aqui não há violência, nem efeitos especiais em cada cena e nem estupidez angustiante. Se o filme presta uma bela homenagem a Kubrick com combinações e um monólito próximos aos de 2001 - Uma Odisseia no Espaço, consegue sobretudo criar um universo visual único, oscilando entre um presente em cores geladas e flashbacks em cores quentes. A importância e a beleza da linguagem, base da comunicação oral, mas também escrita, é o ponto central do filme. Amy Adams, no papel de uma linguista, carrega soberbamente o filme nos ombros frágeis, porque aqui se trata de uma questão de delicadeza e humanidade. Longe de todos os clichês habituais, é de forma original que descobrimos a representação dos alienígenas bem como a forma de abordá-los. O filme é suave, poético e ainda assim contrastado por uma tensão palpável do início ao fim. O tempo é representado por inúmeras caixas temporais que se encaixam perfeitamente, o espectador nunca está realmente perdido, mas perde os seus pontos de referência habituais. Muitos elementos do filme são sugeridos, o que deixa espaço para a fantasia e reforça o lado místico do filme. Este filme é claramente muito psicológico porque brinca com os nossos pontos de referência através da visão de sua personagem principal. Também nós temos a impressão de vislumbrar uma concepção de mundo diferente, mas incompatível com aquela que conhecemos. Este filme nos faz fazer muitas perguntas! Porém, não me sinto frustrado por não ter tido essas respostas. A parte desconhecida do filme não é uma deficiência da história, mas faz parte de um todo. É preciso libertar-se de algumas regras para apreciar este filme, é preciso aceitar não poder saber tudo, não poder compreender tudo e aceitar a falta de realismo mesmo às vezes. Tantos símbolos, tanto poder, trazidos para a tela de forma simples e talentosa. Em última análise, o filme transmite mensagens importantes sobre o tempo (vamos aproveitar o momento presente), sobre as nossas relações com os outros, e sobre a forma como a nossa linguagem nos influencia, mas acima de tudo, o filme dá-nos um aviso que devemos realmente ouvir: são necessários infortúnios para finalmente unir os terráqueos que não têm uma língua comum.
Feito em 1972, lançado em 1974, Space Is the Place apresenta uma agenda alternativa para os negros americanos, sugerindo um futuro imaginativo de possibilidades de ficção científica, sem as restrições da rotina diária da agitação das ruas. O filme começa com uma nave espacial movendo-se lentamente pelo cosmos, enquanto a trilha sonora entoa repetidamente: "É depois do fim do mundo. Você ainda não sabe disso?" Vemos então o viajante no tempo Sun Ra vagando por uma densa floresta psicodélica de flora e fauna bizarras em um planeta novo e distante que, ele decide, é o lugar perfeito para a realocação da América negra. Vestido como um faraó de papel alumínio, como era seu costume, Rá é uma figura boba e benigna, o que é útil porque a mensagem do filme é que os negros não fizeram nenhum favor a si mesmos ao abraçar e fetichizar o gueto. Rejeite o estereótipo do cafetão, liberte sua mente, alcance as estrelas, ele as oferece como um prospecto alternativo. Dentro de Space is the Place, os negros são vítimas não apenas de estruturas de poder racistas brancas (consubstanciadas em dois agentes governamentais e no seu emprego de vigilância, coerção e violência), mas também da exploração negro-contra-negro, incorporada em uma espécie de super cafetão cósmico que dirige pelas ruas de Oakland em um Cadillac vermelho brilhante, fornecendo drogas, prostitutas e, o mais importante, falsa consciência. O filme se baseia teoricamente a partir da série de palestras de Ra em Berkeley (Califórnia) intitulada The Black Man in the Cosmos. Com a ficção científica e os brancos companheiros inevitáveis na época, as palestras de Ra sobre o lugar dos negros na modernidade pareciam missivas de uma realidade alternativa (na verdade, o futuro, descobriu-se). Uma fusão confusa e quase psicodélica de música, dança, vida nas ruas, ficção científica e história, Space Is the Place é muito parecido com o próprio Sun Ra, completamente único. Embora a libertação só possa advir da ruptura do tempo e da história brancos, é a música que funcionará como o principal meio através do qual a consciência será elevada. No entanto, este futuro utópico nunca será realizado na Terra. É do espaço onde Sun Ra chegou e é para o espaço que ele retornará trazendo aqueles que resgatou e que agora irão colonizar.
Cerca de trezentos anos se passaram desde a morte do Lendário César, o chimpanzé que liderou a insurreição dos macacos e a tomada da Terra, em detrimento dos humanos. A sua ideologia continua a influenciar positivamente alguns, mas não todos nos grupos de primatas. Neste contexto, acompanharemos o destino de Noa, um chimpanzé de uma tribo pacífica que cria e doma águias. Visualmente, o filme de Wes Ball mostra-se eficaz com o apoio de efeitos especiais que provavelmente nunca tornaram os protagonistas tão realistas e fizeram do seu antropomorfismo o veículo de uma paleta verdadeiramente bela de emoções ainda mais subtis através de cada um dos seus olhares. "O Reinado" consegue ser tão convincente em termos das cenas de ação inerentes às suas especificações, desde uma cena de abertura que defende o verticalismo de uma progressão de primatas até aos seus confrontos interespécies cada vez mais impiedosos ao longo da história, apenas nos seus momentos mais íntimos, tendo tempo para crie um verdadeiro apego na tempestade de acontecimentos trágicos. Bastante relevante também no seu discurso universal sobre a distorção dos mitos e sobre aqueles que se escondem atrás deles, monopolizando-os para satisfazer a sua própria sede de poder (nesse sentido, Proximus é um vilão de sucesso, muito bem modelado no seu intérprete), "O Reinado" irá obviamente nesta perspectiva reproduzir nestes conflitos entre símios as contrapartes mais louváveis ou menos glamorosas dos humanos, ao mesmo tempo que envolve diretamente os representantes de nós, outros bípedes, e esta questão sobre a possível ou não coexistência de nossas duas espécies. Podemos notar 1 ou 2 pequenas implausibilidades ao nível do clímax impressionante, mas o problema é que, em sua décima obra, a franquia não tem mais nada de original para nos oferecer. Temas de especismo, racismo, direitos dos animais e até ecologia e apocalipse nuclear perpassaram os episódios anteriores. Constituem aqui mais um pretexto do que um subtexto, como se os roteiristas tivessem desistido de qualquer ambição de usá-los de forma inteligente. Se as duas últimas obras assinadas por Reeves, O Confronto e A Guerra, não envelhecem, isso se deve principalmente às referências à História do que aos empréstimos de diferentes géneros como o western, o filme de guerra ou a tragédia. A delicadeza do roteiro oferece duas aventuras perfeitamente elaboradas com uma força evocativa imediata (e duradoura). Em comparação, Planeta dos Macacos: O Reinado serve como um ensaio ou primeiro rascunho, vários pontos dos quais carecem de substância. A introdução consegue nos acostumar com Noa e seu clã, mas quanto ao que acontece fora das câmeras, é um pouco nebuloso. Como as coisas funcionam, e os humanos, não podemos afirmar que a trama realmente aborda esses temas. No que diz respeito ao percurso do seu herói, é mais claro, o que não nos impede de achar este novo longa-metragem um pouco longo e sobretudo pouco inspirado. Wes Ball e sua equipe de roteiristas também fazem escolhas arriscadas de roteiro, estragando os personagens mais interessantes do filme, como Raka e Trevathan. Wes Ball não é Matt Reeves, as sequências mais espetaculares são um retrocesso em relação às alturas épicas alcançadas na trilogia anterior. Resta o tema da herança colocado de uma forma bastante sombria, O Reinado observando a devastação do tempo nas ações passadas, cujo significado é esquecido, se não distorcido. Também podemos apreciar o fato de a história manter o tom agridoce das partes anteriores e o pouco de humor que nunca atrapalha as questões mais dramáticas. Trata-se portanto de um espectáculo muito bonito do ponto de vista técnico mas que melhor funciona como um produto desprovido de alma, como atesta a cláusula comercial que anuncia uma continuação em dois ou três anos que não anseio para assistir.
Planeta dos Macacos: O Confronto de Matt Reeves teve a pesada tarefa de suceder o excelente reboot (A Origem) de Rupert Wyatt. Propondo uma história que segue os acontecimentos ocorridos após a revolta dos macacos liderada por César, O Confronto confronta-nos com dois mundos aos quais tudo parece oposto. Por um lado, os humanos que sobrevivem da melhor forma possível à devastação do vírus 113; por outro, macacos superdesenvolvidos que vivem em harmonia com a natureza. Descobrimos uma história que pretende ser mais comovente do que no passado (mesmo que não tenha a mesma carga emocional de A Origem). Reeves consegue respirar o fôlego épico dos filmes anteriores nesta sequência, oferecendo numerosos confrontos épicos onde as cores se misturam com gritos de combate. Certamente o ritmo é lento, mas essa lentidão deliberada permite-nos focar melhor na psicologia dos personagens, humanos ou macacos. Compreendemos realmente a mensagem de fundo: quer sejamos macacos ou humanos, todos temos uma família, expectativas, obrigações, sem esquecer que ninguém está a salvo da vingança e da traição. Os efeitos especiais são simplesmente surpreendentemente realistas. Com sequências de ação verdadeiramente inesquecíveis. As texturas, os ambientes, a direção fotográfica encantadora, tudo contribui, num contexto onde a guerra é inevitável, para aumentar a tensão a cada momento. O filme é muito mais sombrio e tenso que o anterior. A tensão está muito presente e aumenta à medida que o filme avança e dizemos a nós mesmos que pode explodir a qualquer momento entre as duas comunidades. Ficamos realmente em suspense graças a uma expectativa bem controlada e nos perguntamos quais personagens ou qual evento virá e mudará tudo. O elenco é bom com Jason Clarke perfeito no papel de Malcolm, esse sobrevivente humano que tentará trazer a paz entre os dois povos, os humanos e os macacos. Gary Oldman no papel de Dreyfus, o líder da comunidade humana, Sem esquecer Andy Serkis retorna pela segunda vez na pele do líder César, impressionando pela postura e pelas expressões faciais, Serkis mais uma vez mostra que é o mais hábil na interpretação do líder dos primatas. Contando com um uso incrível de proezas digitais possibilitadas graças ao trabalho do estúdio WETA e cenários surpreendentemente realistas, esta sequência literalmente nos mergulha em um conflito do qual não saímos ilesos com uma mensagem poderosa e eficaz.
Desde o lançamento do romance francês e do primeiro longa-metragem da franquia de mesmo nome em 1968, Planeta dos Macacos teve diversas vidas, mais ou menos bem-sucedidas, e após o fracasso da versão de Tim Burton, nos encontramos agora com uma saga que começa em as origens dos acontecimentos inicialmente contados. Assumindo a direção, Rupert Wyatt situa seu filme em nosso tempo onde acompanharemos a maneira como um macaco, com a ajuda de um cientista, se humanizará para acompanhar uma evolução que leva aos poucos à consciência. É também aqui que o filme tem sucesso, na forma como os macacos, através do prisma de César, vão gradualmente percebendo a animalidade do homem, bem como a sua própria humanização. Sem nunca ser verdadeiramente transcendente, a obra permanece totalmente controlada, com seu realizador sabendo conduzir a sua história ao ritmo da evolução dos macacos. Ele sabe aproveitar para destacar com clareza a convivência e depois as trocas entre os primatas, privilegiando os personagens em detrimento da ação, e essa aposta dá certo. O roteiro é de bastante qualidade e bastante inteligente, e ele consegue sublimá-la, sabendo criar ligações entre os protagonistas, para acabar por fazer emergir emoções diversas, sejam simpatia, ternura ou empatia. Não hesitando em homenagear, de forma mais ou menos sutil, a obra de Franklin Schaffner, Rupert Wyatt assina um início promissor para uma saga onde acompanharemos cronologicamente o advento dos macacos. Conta também com visuais de qualidade, seja nos efeitos especiais ou na obra, bem como com um elenco sólido, liderado por um excelente James Franco, John Lithgow, Tom Felton e David Olewoyo, mas acima de tudo o prêmio vai para o talentoso Andy Serkis que entrega uma atuação memorável e prodigiosa na pele do chimpanzé César, que é comovente e cativante como líder dos macacos, graças nomeadamente à captura de movimentos. Regressando às origens de Planeta dos Macacos, Rupert Wyatt cria uma obra agradável de acompanhar, encenada de forma inteligente e, com a sua pequena dose de emoção, os seus poucos momentos de tensão. Um reboot notável que é ao mesmo tempo deslumbrante, comovente, espetacular e inventivo que consegue renovar maravilhosamente a mitologia do Planeta dos Macacos.
Um little aqui, um little lá, um little hey, um little viva! Publicado em 1945, “Stuart Little” conta as aventuras de um ratinho branco adotado por uma família de humanos. E se um desenho animado fosse transmitido na televisão americana nos anos 60, nenhum live action teria sido considerado até que um homem chamado Greg Brooker fosse contratado para escrever o roteiro ao lado de M. Night Shyamalan, que já havia lançado uma comédia familiar no ano anterior Olhos Abertos (1998). O cargo de diretor coube ao cineasta norte americano, Rob Minkoff, já coautor de O Rei Leão e que aqui assina seu primeiro longa-metragem em live action... O resultado é um longa-metragem emocionante onde o ratinho branco vai se acostumar com sua nova família ou melhor, o contrário, porque se os pais Little estiverem muito confiantes, seu primeiro filho adotivo George e principalmente o gato Snowbell terão dificuldade em aceitar a chegada deste intruso de pernas curtas. Uma comédia familiar, o cenário vai brincar com a importância da família, da autoaceitação e não é o tamanho que conta através de uma história tortuosa onde felizmente você nunca fica entediados, apesar dos temas repetidos e das piadas fáceis, Stuart Little continua a ser uma longa-metragem de sucesso que agrada tanto às crianças como aos mais velhos. O cenário que permite a nós, adultos, não bocejarmos ao ver situações infantilizantes. Muito pelo contrário, o filme consegue manter-se constantemente dinâmico e manter imagens coloridas do mais belo efeito, seja nos ambientes acolhedores da Little house (infelizmente não utilizada o suficiente, embora teria transformado um imenso parque infantil para o pequeno Stuart) ou nos efeitos visuais incrivelmente bem-sucedidos, dando vida a esse camundongo lendário ou até mesmo aos gatos cujas bocas são animadas apenas digitalmente. É divertido assistir esse filme novamente quando percebo que ainda é um tanto excêntrico, pois é um mundo onde não me incomoda que um rato fale e possa ser adaptado... Mas, ele baseia isso na Disney, então por que não em outros filmes? E então, acho bonito e original que uma família, no caso os Littles, se veja emocionada com esse sorrisinho que vão adotar. É muito divertido e meigo ao mesmo tempo. Isso permite que o filme seja engraçado e comovente. Graças a personagens muito cativantes e divertidos de acompanhar. Na verdade, não existe família mais modelo e unida do que os Littles. A produção é muito boa, principalmente os efeitos visuais que são muito limpos. Stuart é muito bem animado e se adapta perfeitamente às pessoas ao seu redor. E quanto aos atores, temos direito a um casting de 5 estrelas com atores engraçados e comoventes. Somos presenteados com o famoso Hugh Laurie (Dr. House): é muito divertido vê-lo como um pai carinhoso e responsável e realmente, esse papel combina perfeitamente com ele. Geena Davis interpreta a mãe maravilhosamente. E o pequeno Jonathan Lipnicki completa muito bem o quadro de bons atores. E por fim, a música é muito agradável e combina perfeitamente com a atmosfera radiante do filme. Aí está, um filme de família muito harmonioso: engraçado, comovente e cativante.
“O tênis é como um relacionamento.” Um trabalho pop e bastante dinâmico, traçando um paralelo constante e óbvio entre o tênis e as relações humanas, entre a competição e os sentimentos. Ou como um trio amoroso de sedução-repulsa tóxica (2 homens e 1 mulher, todos especialistas em bola amarela), inicialmente unidos, acabará se fragmentando e dando origem a duas vertentes frente a frente, dentro e fora da quadra de tênis, incluindo uma dupla de amigos inseparáveis que se tornaram adversários ao longo do tempo. Filmando corpos (entrelaçados e/ou em pleno esforço) e desejos (sexuais e esportivos), este drama romântico-esportivo funciona principalmente por dois motivos: seu trio principal (Zendaya, Mike Faist e Josh O'Connor), extremamente carismáticos e manipuladores e em alquimia total; sua produção virtuosa durante as partida, e esse final que pode ser simbolizado como a fusão do fogo e do gelo. A história acaba por permanecer bastante clássica nos temas que aborda, mas o fato de brincar com as diferentes temporalidades permite-nos explorar este quadro conhecido de uma forma um pouco diferente e tornar tudo um pouco mais envolvente de acompanhar, mesmo que pudéssemos, criticá-lo por ser artificialmente esticado para o que tem a nos dizer (o que achei durante sua 2ª hora um pouco mais redundante). Filme com uma encenação muito estilizada, à qual nos podemos apegar ou não (a escolha de colocar música techno muito barulhentas em certas cenas bastante íntimas diminui o impacto destes momentos, não é adequado). “Rivais” fala-nos de amizade, amor, ciúme, estratégia, superação e metas, e nos mostra, em suas últimas imagens, que o que importa em última análise não é vencer, mas jogar. Do ponto de vista do enredo, prefiro recomendar outro filme onde também experimentamos a raquete e os sentimentos: “Match Point” de Woody Allen, mais cruel e realizado aos meus olhos. Em última análise, “Rivais” acaba por ser uma pequena surpresa agradável aos meus olhos, especialmente tendo em conta o seu trailer, que realmente me embalou moderadamente.
É o grande dia da Ellie! A jovem provinciana criada no casulo protetor e atemporal de sua avó mudou-se para a capital Londres para perseguir seus sonhos de design de moda. Mas, mal chegando lá, o idealismo ingênuo da jovem já se choca com o olhar libidinoso de um taxista fixado nela, como um primeiro alerta dos pesadelos que podem se esconder atrás das luzes inebriantes da cidade. Depois, há as palavras cruéis dos seus concidadãos, o barulho, as festas intermináveis... Ellie opta por fugir em busca de um novo casulo onde possa encontrar refúgio nas fantasias de perfeição dos anos 60 que mantém graças aos cuidados da sua avó. registros. Com a tranquilidade gelada de um quarto de empregada alugado a uma senhora idosa, ela consegue satisfazer o seu desejo de fugir de um mundo urbano demasiado duro para ela... mas na medida em que nunca suspeitaria quando, todas as noites, cai na Londres dos anos 60, partilhando literalmente a existência de uma jovem da época, Sandie, que espera iniciar uma carreira como cantora... O diretor sempre fez questão de oferecer muitas experiências revigorantes ao seu público. A música desempenha um papel fundamental em Wright. Mais do que uma ferramenta, é ela quem dá o andamento da trama. Não foi à toa que o mundo de Scott Pilgrim quebrou as fronteiras estilísticas entre cinema, quadrinhos e música para entregar uma carta de amor à cultura geek. Quanto ao Baby Driver, é bem simples, ele não era o motorista excepcional sem sua playlist nos ouvidos, fusão perfeita entre imagens e trilha sonora. Em Noite Passada em Soho, Ellie (a heroína) se sente mais sintonizada com os padrões dos anos 60 do que com os de sua época. Como muitos de nós, em suma. As melodias são pontos de partida onde se enxertam histórias lendárias e aí a imaginação toma conta. A partir daí coexistem dois passados: o real e o idealizado. Como a maioria dos personagens de Wright, Ellie é uma estranha assombrada pela falta, uma desajustada cuja sanidade depende apenas de algumas notas. Então, quando ela se vê nos anos sessenta que tanto adora, temos o direito de fazer perguntas. A sequência não provará que estamos errados. Ainda mais do que no passado, o diretor joga com as percepções que fará evoluir. A primeira hora é uma onda de sequências verdadeiramente impressionantes, de velocidade notável combinada com a precisão de um ourives. Tal como Ellie (excelente Thomasin McKenzie), saímos de nós mesmos, balançamos, levitamos no meio de um festival de movimentos e cores. De volta ao passado? Sim e não. O filme avança, assim como a excitação criativa, só que a viagem nostálgica se torna motivo de preocupação. Edgar Wright não está aqui para glorificar as fantasias associadas a uma época passada, mas sim para discutir a sua chamada grandeza. O quebra-cabeça é colocado de volta no lugar, a imagem que dele obtemos causa arrepios na espinha. Rastejaremos pelos cantos mais desagradáveis, nos braços de espectros monstruosos vestidos com esmero. Noite Passada em Soho então se transforma em um trem fantasma que vagueia entre esperanças afogadas em sangue. Se a mensagem não foi clara o suficiente no final do primeiro tempo, o extravagante grande final deixou claro o ponto. A festa estava a todo vapor? A ressaca será severa. Nesse meio tempo, o longa-metragem recua um pouco. A construção torna-se repetitiva e desde que prestemos atenção aos pequenos detalhes, desarmaremos diversas reviravoltas muito antes da trama decidir resolvê-las. Entretanto, vários elementos ficam para trás (a mãe, a investigação). É irritante porque tudo isso poderia ter dado origem a uma atitude mais desconfiada quanto ao final da história. De fato, há uma resolução que ocorre, mas por mais comovente que seja, seu epílogo um tanto fácil ameniza o sucesso. Mas só um pouco, porque Wright nos dá bastante retorno para nossos investimentos, olhos e ouvidos. Não é o melhor filme de Edgar Wright, mas é verdade que ele nos dá um filme a que não falta audácia.
É um grande prazer olhar para trás e poder dizer, com toda a certeza: “Sei mais agora do que antes”. Para mim, praticamente não há obstáculos em meu desenvolvimento como cinéfilo que marquem mais claramente esse processo do que minha mudança de relacionamento com a extravagância de ficção científica de 1997, O Quinto Elemento. Em primeiro lugar, algo que me surpreendeu visto que o realizador francês foi muitas vezes criticado por ter modelado a sua atmosfera na de “Blade Runner”, o mundo do filme é alegre. Obviamente, um filme de ficção científica obriga o filme manter um aspecto pessimista sobre o futuro, mas este não é o centro do filme e Luc Besson não tenta transmitir uma mensagem ecológica ou marxista. Ele obviamente transmite uma moral bastante simplista, mas acerta o alvo e é bastante otimista. Definitivamente, você não deveria esperar um filme violento. Não há uma única piada no filme que não tenha pelo menos me feito sorrir. Do início ao fim do filme, os momentos malucos se sucederão em um ritmo frenético, sem nunca exagerar. O que se segue, de qualquer forma, é uma aventura de ação às vezes incoerente que serve como um passeio pelas fantásticas paisagens de ficção científica da imaginação adolescente de Besson: um amontoado de arranha-céus imponentes e carros voadores com quilômetros de altura que ainda tem a sensibilidade básica de design de nossa moderna cidade de Nova York; um luxuoso transatlântico viajando para o planeta resort Fhloston Paradise, com influências polinésias, indianas e italianas vivendo alegremente em harmonia; e as formas metálicas curvilíneas que a cultura pop da década de 1960 previu que seria o futuro espacial. Os protagonistas são muito importantes, é claro: Oldman (que odeia o filme muito amigavelmente, ao ouvi-lo falar sobre isso anos mais tarde), em particular, é um componente absolutamente crítico do todo, com seu sotaque americano e tendência a ficar nervoso com sua linguagem corporal e uma série de contrações faciais. Milla Jovovich, em sua primeira grande aparição no cinema, abraça o material da maneira mais destemida e confiante. Também me dei conta, em grande estilo, do maníaco Ruby Rhod, de Chris Tucker, facilmente minha parte menos favorita do filme quando o vi em 1997; o personagem me pareceu cheio de piadas estridentes e barulhentas, insuportavelmente caricatural, mas comecei a pensar que seu personagem como o legítimo coração do filme. Afinal, o objetivo de Ruby é ser uma força de vontade sempre ativa, um artista que nos dará 1000% de sua energia 1000% do tempo, mesmo no meio de um cenário de ação com risco de vida. Dito isto, ajuda que o filme se ancora em um protagonista tão sólido e quadrado. Esse é Bruce Willis como Korben Dallas, soldado das forças especiais que virou motorista de táxi, homem comum que mergulha no turbilhão das fantasias de Besson e então tenta superar tudo. Ele é o mesmo tipo de protagonista que um filme de James Cameron ou Michael Bay poderia ter, mas intensificado: o visual do filme, o senso de humor e o estilo geral de atuação são todos identificavelmente europeus, o que faz com que a presença marcante de Willis como Homem Americano Quintessencial se destaque em todos os aspectos. mais. O filme precisa de uma figura central tão descontraída para ser algo diferente de puro colírio para os olhos, e Willis era mais adequado do que qualquer outro artista que eu pudesse nomear para incorporar essa figura. Concluindo, como diria Steven Spielberg, “O Quinto Elemento” é um “filme pipoca com uma mensagem no fundo do balde” perfeito. É realmente um longa-metragem que coloca um sorriso no rosto quando rolam os créditos finais e te deixa de bom humor por vários dias. Claramente, no gênero de filme de ficção científica ultradivertido, O Quinto Elemento é uma joia. Quase tudo está lá para garantir um show de alto nível. A única pequena desvantagem para mim vem de uma certa falta de fluidez sobrecarregada pelo peso de uma mensagem pacifista muito caricaturada que pesa um pouco no final.
O tempo de um fim de semana é também o momento de observar o monumento que é Al Pacino num papel como a sua carreira, forte e sólido ao mesmo tempo. O talento deste (mesmo que não seja mais para provar) explode aqui neste interpretação fenomenal, onde seu visual toca a genialidade. Ele interpreta Frank Slade, tenente-coronel aposentado dos Estados Unidos, vivendo uma segunda vida, plana, cinza e acima de tudo "escura", sombria porque privado do uso da visão é. Paralelamente um aluno muito talentoso, mas cuja posição social infelizmente não é igual à dos demais. Obrigado a trabalhar à margem dos estudos, aceita, portanto, "por um fim de semana" a responsabilidade de cuidar de uma pessoa incomum durante o Dia de Ação de Graças. O que era para ser apenas uma visita domiciliar se transforma em uma viagem para Nova York embarcada com um homem rude, bom apreciador de Jack Daniel's, peculiar desde o início do intercâmbio. O aluno não consegue administrar a situação que se torna bastante difícil para ele. Frank "Pacino" Slade é um homem amargurado pela vida cujos únicos sonhos se tornaram o ponto final de sua existência. Mas ele continua cativante, exalando muito charme e possuindo muitos talentos, incluindo o de descobrir o primeiro nome de uma mulher simplesmente pelo nome. A fragrância do seu perfume. Perfume de Mulher também traz novos elementos que indicam as qualidades do homem, tanto sutis quanto instintivas. É assim que o espectador percebe desde muito cedo que sua raiva é repleta de dor, suas palavras de angústia e sua vida de fissuras. Suas falhas estão presentes em cada um de seus gestos e palavras, mas este homem também exala uma confiança em si mesmo que é surpreendentemente verdadeira diante do diretor da escola vingativo, que oprime Charles (porque ele comparece perante um conselho disciplinar por ter notado um delito) e exige. sua exclusão, "o coronel" expressa-lhe em um apelo colorido o verdadeiro valor da integridade ".uma cena magistral" Frank Slade é, em última análise, o presente mais lindo que "Charles Simms" recebeu em sua vida modesta.."um substituto pai" porque na verdade o medo do primeiro para com o mais velho acabará se metamorfoseando em amor paterno ao longo da trama. Martin Brest dirige um filme muito clássico, mas brilhantemente apresentado, e permite que Al Pacino obtenha seu (finalmente) primeiro Oscar. A trilha sonora original de Thomas Newman indicado 14 vezes ao Oscar de melhor trilha sonora, (primo de Randy Newman) tem um sopro que se impõe por meio de sua inteligência e assim serve de guia ao cineasta. Lendário Al Pacino, provando com esse papel que pode interpretar qualquer coisa e que é um Grande Ator. O carisma de Pacino atinge o espectador ao longo do filme. Um cenário bem elaborado sobre a dureza da vida e o veneno do arrependimento. Uma palavra: Grandioso.
Caindo na subcategoria de "horror popular", onde dominam ritos de sacrifício e práticas satânicas sangrentas, como A Bruxa de Blair ou o brilhante Midsommar, O Ritual prometeu ser tão previsível quanto eficaz. Quatro amigos de longa data decidem fazer caminhadas no bosque sueco, para homenagear a memória de um quinto, que morreu repentinamente. Num cenário de luto, esta lufada de ar fresco irá rapidamente reavivar a culpa do passado e as dúvidas de todos. Surpreendentemente, os diálogos me pareceram sensatos e bem escritos na preparação para o pânico, longe das falas clichês e clichês do gênero. O que mais me atraiu foi a revisitação da mitologia nórdica, localizada no coração de uma gigantesca floresta ancestral. Há uma mudança de cenário, um folclore que faz a diferença. Certas cenas, embora sugestivas, são muito assustadoras e alimentam uma tensão cada vez mais sufocante. As tomadas dentro deste labirinto de árvores contribuem agradavelmente para esta atmosfera indutora de ansiedade. Certamente, como espectador, gosto de receber respostas e um final real, mas aqui os intrigantes caminhos até aquele ponto perdem um pouco do sabor. A angústia e o tormento desaparecem para dar lugar às revelações e à sobrevivência. Mais equilíbrio teria sido bem-vindo. "O Ritual" beneficia de ótimos ingredientes, um bom cenário, um bom contexto e personagens interessantes, por isso é um bom entretenimento em geral. Mas falta aquela pequena faísca que tornaria o filme tão brilhante. Com uma história centrada em temas de redenção, culpa e medo do desconhecido, este filme investiga os medos mais íntimos dos personagens. Se a história não for original, a base da história é boa, pois traz uma dimensão psicológica bastante interessante e que também é bem aproveitada ao longo do filme. Como em qualquer “sobrevivência” do gênero, é preciso se apegar ao clima e ainda mais a essa virada que o filme dá no final, caso contrário você ficará entediado. O filme é bem feito, o cenário é bem aproveitado e o clima não é ruim, mas não podemos dizer que seja realmente angustiante. Isso é um pouco o que falta, porque de resto é intrigante, até porque o diretor mistura bem esse aspecto psicológico com o que está acontecendo que pode mudar a nossa percepção das coisas. No geral, foi uma surpresa agradável com a sua dose de emoções e uma atmosfera diretamente dos contos nórdicos e do frio polar escandinavo. Era absolutamente necessário não cometer erros na encenação e na produção; o realizador, sem revolucionar o gênero, consegue com inteligência constituir uma produção tingida de mistério e de serenidade mística e perturbadora. O filme começa de forma estranha: a morte de uma pessoa de uma roda de amigos durante um assalto que dá errado. Depois, rapidamente, a natureza, selvagem, crua com alguns pedaços de civilização aqui e ali para nos lembrar que esta história pode acontecer na nossa realidade, mas rapidamente, depois de uma hora de exibição, o filme dá uma guinada. Não necessariamente decepcionante, mas tão inútil quanto o domínio do sentimento de amizade, ao mesmo tempo que prolongava a perda de orientação do grupo, foi eficaz. O Ritual acaba por ser uma boa alternativa que não revoluciona um género sólido, mas que parece difícil de renovar.
Planeta dos Macacos é certamente uma das reinicializações mais arriscadas que já existiram. E, no entanto, este filme foi muito aguardado pelos fãs do grande clássico de 1968 e até mesmo pelos espectadores em geral. O projeto era difícil de acreditar: Ousar refazer uma história sobre temas tão vastos e complexos como o de Planeta dos Macacos foi algo ambicioso. E o projeto tinha tudo para dar certo! Um diretor genial, um elenco de qualidade, um orçamento muito grande e um compositor muito renomado que é Danny Elfman. E foi completamente assassinado por críticos e fãs, mas ainda assim foi um sucesso de bilheteria. Ok, e o que eu achei disso como fã do filme original? Bem, é muito misturado. Vemos que houve trabalho nisso e honestidade, mas infelizmente isso não é suficiente para fazer do filme algo bom. Tim Burton, portanto, nos dá um remake totalmente confuso, deixando de lado as palavras e pensamentos sobre o homem para uma ação simples com efeitos especiais de baixa qualidade. Mas não é só isso, o filme sofre de inconsistências e é cercado pelo ridículo mais cafona possível. Onde o original buscava a simplicidade, aqui busca fazer toneladas de lutas de dois rounds tão pesadas quanto inúteis. Sentimos que o filme foi rodado em estúdio o que tira qualquer imersão. Os macacos são bem-feitos, é verdade, mas o comportamento deles é simplesmente insuportável, sempre gritando e pulando em todas as direções, eles não deveriam ser evoluídos? A reação de Mark Mark Wahlberg aos macacos falantes é simplesmente bizarro em alto nível, o personagem diz para si mesmo "como é possível que eu esteja aqui", 5 minutos depois ele não se importa como se tivesse as respostas para todas as suas perguntas. Ele simplesmente não parece envolvido no filme. Humanos que falam? Não, mas aí era um dos pontos fortes do filme original, rebaixar o homem ao simples status de um animal selvagem que não sabe falar, mas aqui os humanos falam, exceto que não são capazes de deixar de ser humilhados pelos macacos ou de se comunicar com eles. As inconsistências aumentam em idiotice a cada momento chave do filme como exemplo: Como funciona essa tempestade magnética que não tem lógica no espaço-tempo?! Como pode Oberon ainda funcionar depois de passar 600 anos na poeira e na ferrugem?! E ainda há muitas outras inconsistências neste filme que não especifiquei porque são tantas! Vamos adicionar a armadura do Senhor dos Anéis aos macacos para dar um lado ainda mais insano. E claro, o final é totalmente incompreensível, rebuscado, e a ironia disso tudo é que não há explicação possível! Provavelmente um dos piores finais que já vi na minha vida para um filme de grande orçamento. Os personagens são em sua maioria planos, os temas são inexistentes e as revelações difusas. Em última análise, Planeta dos Macacos não é ruim, mas não é bom. O principal problema é que Tim Burton não era o diretor certo para um blockbuster como este. Para ver uma vez por curiosidade. Felizmente, a franquia renasceu graças a Planeta dos Macacos: A Origem, 10 anos depois.
Eu tinha grandes dúvidas sobre a qualidade do novo filme de Snyder, principalmente porque nem Gorges Lucas nem a Disney queriam produzi-lo, e ele acabou na Netflix. São os filmes ruins que nos mostram todo o talento e descobertas dos diretores para ter sucesso em uma obra, onde vemos imediatamente os erros, as falhas, as armadilhas dos filmes ruins. Ou dito de outra forma, num filme ruim, o espectador se faz perguntas que jamais faria diante de um bom filme. Por que a heroína está procurando um punhado de mercenários para ajudá-la a defender sua aldeia? Não deveria, em vez disso, procurar adquirir armas antiaéreas para destruir naves inimigas e artilharia para eliminar a infantaria inimiga? Onde está a lógica militar nisso? Nada faz sentido ou a menor seriedade. Por que os heróis sempre tendem a querer se envolver em combate corpo a corpo com armas brancas, sabendo que todos os soldados inimigos possuem rifles laser? Talvez o pior desta primeira parte vem da pobreza do universo. Nós sabemos, Zack Snyder é diretor, não roteirista. Sentimos que o universo é uma cópia desajeitada de Star Wars, O Quinto Elemento, Senhor dos Anéis, Game of Thrones, Guardiões das Galáxias, dos filmes de ficção científica de Neill Blomkamp e até do canal Nexus VI no YouTube? Por que os rebeldes neste filme parecem um cruzamento entre os humanos sobreviventes de Matrix e os antagonistas de Mad Max? O que podemos dizer além de que Snyder plagiou dezenas de filmes, sendo cada cena uma cópia tirada de outro filme. Se Sofia Boutella dá tudo de si e faz o possível para segurar o filme nos ombros, o resto do elenco não pode dizer o mesmo. O vilão é interpretado por Ed Skrein, que é um brincalhão de morte, e faz bagunça em cada uma de suas cenas, chegamos ao nível de gente pilantra do tipo Dungeons and Dragons. Como dizem todos os grandes diretores, todo filme tem uma mensagem. Este filme de Snyder não tem nenhum. A luta entre o Bem e o Mal não é uma mensagem, mas um arquétipo, uma estrutura de um filme, não o seu propósito. É isso que torna o filme tão vazio, tão anônimo, tão déjà vu, digno de um blockbuster padrão assinado por algum simulador. Um dos erros monumentais do filme é exagerar nos efeitos especiais. Pergunte a Spielberg ou James Cameron, o princípio de um efeito especial é que ele é invisível para o espectador. Snyder faz o oposto, ele destaca os efeitos especiais, fazendo muitos deles a cada vez. A maior parte das imagens geradas por computador são medíocres, dignas de filmes do final da década de 2010. As empresas FX ainda não conseguiram reproduzir o feito técnico do primeiro Avatar (2009). Um dos paradoxos do filme é que ele poderia se passar nos dias atuais na Terra, sem qualquer elemento de ficção científica. E ao contar uma história mais próxima de nós, inspirada em acontecimentos reais, o filme nos tocaria muito mais. No geral, Rebel Moon é uma aventura de ficção científica mediana que agradará os fãs do gênero, mas pode deixar outros querendo mais.
Maior orçamento do estúdio A24, esta história distópica de 50 milhões onde a América se encontra fraturada em uma nova Guerra Civil é frustrante no aspecto tímido de seu universo. Um aspecto político geralmente nebuloso que também é um ponto forte, porque cria um espaço mental onde qualquer escalada de violência contra qualquer partido pode ser projetada. Sabemos que os EUA estão mergulhados no conflito entre grupos organizados dentro do mesmo estado-nação. Que várias facções se opõem. Que o presidente no poder está no terceiro mandato e cometeu um grave deslize. Dificilmente saberemos mais sobre as causas da guerra. O suficiente para frustrar alguns, mas é também o que dá ao filme um certo alcance universal. Acompanharemos um grupo de jornalistas viajando entre Nova York e Washington, na tentativa de entrevistar o presidente. Esta aventura picaresca retratará o caos ambiental, não muito diferente do que a mídia ocidental mostraria de uma guerra civil na África. E Alex Garland vai direto ao ponto, ao tratar principalmente de dois assuntos: o papel dos correspondentes de guerra e o que gira em torno deles (passividade relativa, relação com a imagem, cinismo...); e as profundas divisões dentro dos EUA. Tudo salpicado de reflexões sobre o absurdo das guerras em geral. A coisa toda é desenvolvida de forma inteligente, não nos deixamos levar pelas explicações exageradas. Aos poucos vamos descobrindo essa confusão, e algumas passagens são extremamente irritantes sobre os EUA. Além de alguns dispositivos de enredo, a história é dinâmica. Na verdade, fiquei surpreso com as sequências de ação. Mais numerosos do que eu esperava e relativamente espetaculares para tal produção. No final, Garland quer acima de tudo realizar uma viagem pós-apocalíptica ao nível dos olhos, onde um quarteto de repórteres evolui de forma quase picaresca para captar imagens fotográficas remotas da queda dos EUA. Um viés relevante, questionando a imparcialidade das imagens e seu impacto no indivíduo, ao longo dos diversos encontros. A estrutura narrativa é, em última análise, bastante simples, mas é entre vários parênteses que o longa-metragem atinge uma universalidade na futilidade da guerra (atiradores que se avaliam sem saber qual lado está do outro, Jessie Plemons que usa o conflito para satisfazer seus ideais políticos, etc.), e um olhar pessimista sobre a natureza cíclica e autodestrutiva de qualquer guerra. O elenco é bom, enquanto o cerne do filme está na transferência entre os personagens de Kirsten Dunst e Cailee Spaeny (de uma imitação de Lee Miller tendo trabalhado até uma novata que deseja aprender a profissão de fotógrafo de guerra). Wagner Moura interpreta um jornalista viciado em furos, profissional, descolado, tagarela, que se sente um peixe na água, apesar das situações tensas e Stephen McKinley Henderson como um velho jornalista que tranquiliza com a sua presença. Não podemos evitar alguns erros (incluindo um clímax de guerrilha sem implicações dramatúrgicas reais, ou algumas reações estereotipadas de personagens que leram o roteiro), mas se o filme que agarra as entranhas, que não romantiza o horror do seu tema, que nos convida a pensar no futuro do nosso país e no salto para o desconhecido que é a guerra civil.
Nos filmes espaciais, estávamos habituados ao lirismo da conquista, ou às imagens abafadas de um foguete deslizando suavemente em direção a espaços infinitos. E Damien Chazelle nos fala do canivete suíço, mostrando-nos máquinas obsoletas, feitas de pedaços de barbante e pedaços de madeira, com um barulho ensurdecedor. Mostra-nos uma América que também se pergunta se não haveria outras prioridades em terra firme. Paralelamente a este discurso universal, está a família Armstrong, os seus sonhos e as suas tragédias. Graças ao filme, tocamos na incerteza absoluta dessas missões e a fragilidade destes heróis. A cinebiografia sobre Neil Armstrong é cheia de eficiência, principalmente na encenação, onde a câmera subjetiva ocupa um lugar importante, o que às vezes torna o longa-metragem bastante envolvente. Ryan Gosling sai do sapateado de “La La Land”, para dar o famoso passo na Lua, esse famoso grande passo para a Humanidade e Damien Chazelle deixa assim o mundo da dança e da música, para um espetáculo completamente diferente talvez ainda mais grandioso, tão onírico e lírico com esta chegada a esta deslumbrante estrela lunar. E, no entanto, se o filme evoca esta aventura seguida por toda a Terra em 1969, é aqui mais a história do homem enquanto tal, do que a desta façanha em si. É, portanto, um bom filme biográfico centrado no homem, que o cineasta criou, o retrato de um marido e de um pai atormentado pela morte, destruído a ponto de não ver mais quem o rodeia, incluindo a sua família. Ryan Gosling é aqui a antítese do que encarnou neste mundo de brilho e luz, escorregando na pele de Neil Armstrong, um personagem frio, silencioso, exigente e intransigente. Como se o seu trabalho, ou mais ainda a sua missão, fosse uma fuga, uma verdadeira saída para continuar a sobreviver. Damien Chazelle, ao centrar-se nesta personalidade bastante excepcional no seu funcionamento e na sua determinação implacável, conseguiu revelar todo o lado oculto da Lua, mas ainda mais aquele de quem nela pôs os pés pela primeira vez. Toda a psicologia da personagem é colocada ao microscópio assim como o quotidiano deste casal e cujos momentos magníficos nos tocam enormemente ao mesmo tempo que dá lugar de destaque a Claire Foy, muito justa e comovente. É especialmente através desta atriz, com sensibilidade e dom de observação incomparáveis, que este filme nos irá finalmente impulsionar para a sua história, e também pela força das circunstâncias e inevitavelmente para o espaço. Isto é tudo o que faltava em outras produções sobre o mesmo tema, como “Gravidade” de Alfonso Cuarón, magnífica em imagens mas muito pobre em termos de mensagem. Por causa da conquista do espaço, claro que também é uma questão e a este nível também estamos sempre bem servidos de realismo e seriedade. Passamos dos ajustes empíricos e instáveis do início dos anos 60, até esse famoso vôo à Lua, acompanhando passo a passo todos os avanços nesses quase 10 anos de pesquisas. Todas as questões, todos os problemas, todos os perigos e medos, são extremamente bem apresentados, levantando uma enxurrada de questões quer sejamos colocados atrás ou em frente do ecrã, como os mencionados noutros lugares e ligados a todo este enorme orçamento dedicado à "Corrida Espacial'. E, no entanto, de vez em quando, esta compreensão parece esticar-se e desaparecer, um pouco como o seu herói e as suas ausências. Um pequeno inconveniente que ocorre sem avisar, como uma pausa ou um suspiro nesta sede de superar-se, de superar os concorrentes para ser sempre o primeiro e o melhor.. Entretanto continua a ser esta belíssima aposta no palco, elegante, elegante sob todos os pontos de vista, que já combina com Damien Chazelle, e um ator decididamente engenhoso que Ryan Gosling aperfeiçoa até o fim, mesmo atrás do vidro de seu capacete de cosmonauta, como uma barreira que o protege daqueles que o rodeiam. Um filme sensível, extremamente realizado e emocionante, sobre a história de um homem extraordinário.
Koji Yakusho é a alma viva deste filme-tributo aos doces sonhadores da vida cotidiana, àqueles que gostam de olhar para os raios do sol que penetram lindamente através do farfalhar da folhagem, àqueles que aproveitam o tempo em vez de suportá-lo, aos aqueles que encontram um equilíbrio fora do modelo idealista de família com casa grande, filhos, um cachorro e belo carro. Este personagem não é, portanto, comum. É até extraordinário. Um homem simples prospera com base em hábitos e é cauteloso com o novo; ou ele prospera com o novo e é cauteloso com os hábitos. Mas deveríamos ver um modelo, uma moralidade, um estilo de vida, uma receita para a felicidade? Nada é menos certo. Esse personagem tem disposição para tudo isso. E o mesmo acontece com o espectador: ou ele prospera com o hábito (e desconfia do novo), ou é o contrário (e vice-versa): o espectador sendo de um ou outro mundo, ele está pronto para aplaudir o filme, ou não aplaudir (principalmente aquele que nasceu no hiperconsumo e com um smartphone nas mãos), aliás, neste último ponto, podemos afirmar que o filme contém uma clara ferocidade em relação ao mundo de hoje. Ao contrário do que afirmam alguns críticos, Dias Perfeitos não é realmente um elogio aos humildes. O cineasta alemão, Wim Wenders, mostra muito bem que seu protagonista é antes uma pessoa caída e favorecida ou que optou por recusar a vida "boa" (a razão é pouco mencionada). Mas se beneficia de uma vida modesta porque pode assumir um olhar intelectual, estético, filosófico, porque escolhe a sua situação que o leva em uma intensa aventura interior através da leitura, da contemplação da natureza, da fotografia, do jogo da velha, música, compaixão pelos humanos, tanto nos seus pequenos defeitos como nos seus lados bons... Nisso, este personagem é antes uma ilustração das respostas propostas por Schopenhauer à questão primordial: como escapar do egoísmo? Hirayama impõe a si mesmo uma vida ascética, um afastamento do mundo, não para fugir da realidade, mas para fugir dos impulsos egoístas, da realização individual oferecida no mundo moderno: sucesso social e profissional, lucro, autoestima, o prazer do corpo, competição do ethos através da fala... Esse afastamento do funcionamento do mundo e dos privilégios aos quais teve acesso não ocorre sem sofrimento, sem o recrudescimento do egoísmo reprimido, sem solidão, sem desconforto. Mas o personagem também deriva uma aura de martírio, herói de recusa impossível, figura quase cristã de auto-sacrifício pelos outros. Embora viva numa espécie de autossuficiência solística, nunca recusa o outro, dando-se à custa de si mesmo. São antes estes outros que, apanhados na sua corrida louca contra si mesmos, são completamente incapazes de enriquecer esta vida que suportam. Eles apenas sentem, ao conhecer Hirayama, essa profundidade de vida que buscam desesperada e desajeitadamente, nos códigos habituais de sucesso (dinheiro além da moralidade, imagem, conquistas românticas...). Eles param por um tempo, na virada de uma colisão em suas vidas (doença, fuga, dificuldade financeira) e ficam maravilhados com sua capacidade de elevar o absurdo de uma vida repetitiva de Sísifo a uma arte de viver. Depois deste encontro brilhante, seguirão este exemplo nadando contra a maré? Ou o homem sábio permanecerá sozinho e incompreendido, e o homem prisioneiro das suas paixões? E Hirayama não é um alienígena. Este filme é a história de um homem “assim”. Além disso, ele tem seus pontos fracos. E isso nos traz de volta à terra. Mas não é por acaso que o filme é rodado no Japão (embora uma língua diria que os banheiros lá brilham como novos e provavelmente não precisam ser limpos). Dias Perfeitos é uma curiosa mistura de drama social realista e conto filosófico humorístico sobre a arte de ser feliz apesar de tudo.
“A Profecia", começou quando Robert Thorn, substituiu o bebê morto de sua esposa pelo filho literal do diabo. Mas você já se perguntou como aquele bebê nasceu? Os produtores de “A Primeira Profecia” esperam que a resposta seja sim e que seus padrões não sejam elevados. Visualmente, A Primeira Profecia impressiona pela forma como capta a época e a atmosfera gótica. Não são apenas a iluminação suave e os tons sépios que evocam o cenário do início dos anos 70, mas os ricos detalhes da designer de produção e do figurino. É também a maneira como a realizadora embala a produção; esta visão de Roma pitoresca, viva e movimentada, como deveria ser. Tudo isso dá uma sensação de escala, deixando a dócil Margaret em uma cidade grande com poucos aliados. O roteiro tem muito cuidado ao lidar com suas ligações com o filme original. Existem retornos óbvios e detalhes relevantes da trama, desde o próprio convento até o padre Brennan. No entanto, o realizador encontra maneiras inspiradas de expandir além de quaisquer limitações impostas por A Profecia. Por exemplo, a trilha sonora penetrante, com seus vocais de coro assustadores e a inclusão de “Ave Satani". Mas a diretora garante que é ainda mais perturbador aqui na forma como a partitura se torna um som diegético, seus vocais assustadores interagindo e atormentando Margaret em algumas partes. Por outro lado, os filmes “A Profecia” nunca tiveram muito a dizer, exceto que o apocalipse provavelmente seria ruim e deveria ser evitado. Esses filmes historicamente usaram a religião e o fanatismo como pano de fundo para mortes chocantes, que se dane a profundidade temática. O filme de Stevenson investe muito mais em sangue do que em seus personagens e história, e quando o filme se torna grotesco, é, pelo menos, memorável. É fácil imaginar este filme encontrando um público cult, mesmo que apenas por suas imagens bizarras e violentas e uma cena em particular, onde Nell Tiger Free fica completamente perturbada emocional e fisicamente. Mas, apesar de algumas aberturas superficiais e reviravoltas desajeitadas, que são praticamente pré-ordenadas, dadas as poucas opções narrativas da prequela, ela tem pouco a oferecer além desse caos extremo, e mesmo isso é principalmente adiado no terceiro ato. Se você está procurando coisas sobre gravidez demoníaca de freira, parece ter muitas opções ultimamente. “A Primeira Profecia” é um deles. É uma entrada cansativa em uma franquia que está cansada há cerca de 40 anos, mas a jovem atriz, Nell Tiger Free faz bem seu trabalho peculiar e Arkasha Stevenson prova que pode transformar a brutalidade em arte e, com uma história mais interessante, provavelmente em arte fascinante. “A Primeira Profecia”, apesar de todas as suas muitas falhas, poderia acabar sendo um prelúdio eficaz para as carreiras de Free e Stevenson, mas é um prelúdio desanimador para “A Profecia”.
Uma reformulação habilidosa dos códigos do cinema noir clássico, "Ajuste Final" é considerado por muitos um dos melhores de Cohen, junto com Fargo e Onde os Fracos Não Têm Vez. Ocorrendo durante a Grande Depressão do final da década de 1920, o enredo é uma verdadeira lição de roteiro, todos os elementos da história são habilmente equilibrados para um clímax no final. O humor negro e a violência também estão presentes, e nos divertimos assistindo todos esses personagens tentando enganar uns aos outros. Talvez até hoje um dos sucessos mais convincentes dos dois irmãos, nos dá uma fascinante e brilhante galeria de personagens onde vale tudo. A história é bastante complexa mas segue sem muita dificuldade, o suspense se mantém do início ao fim e as reviravoltas costumam ser bem pensadas. A sua encenação é impecável e inventiva, tal como a atmosfera que dá a "Ajuste Final", um tom sombrio, por vezes cativante e burlesco, onde o fumo do cigarro, a proibição, as armas preferidas pelos gângsters, onde as femme fatales são uma legião e onde as contas regulatórias já não assustam muita gente. A reconstrução é bem feita, seja em termos de cenários ou fantasias, tecnicamente estão em boa forma e usam contrastes e cores de uma forma impecável. Em termos de interpretação, Gabriel Byrne entrega uma de suas melhores atuações até hoje, carismático e sabendo se impor na tela. Os demais atores são impecáveis e em especial John Turturro e Steve Buscemi, gostei do lado glamoroso da Marcia Gay Harden, bem como as participações especiais de Sam Raimi e Frances McDormand. Manipuladores, frios e incansavelmente calculistas, descobrimos personagens interessantes e em tudo isto um cenário brilhantemente construído e muito atinado. Saudemos uma edição dinâmica que embora demore a estabelecer os enredos e personagens, ainda consegue manter a clareza e manter a atenção do espectador através da sua mestria. A trilha sonora também faz muito sucesso. Mas mais uma vez o ponto mais marcante continua sendo os diálogos e o tom do filme que oscila entre momentos sérios e outros mais leves ou mesmo francamente excêntricos. Um incompreensível fracasso de bilheteria de sua época, Ajuste Final, no entanto, continua sendo uma das melhores joias da dupla famosa e um impressionante filme de gangster que não envelheceu nem um pouco.
Na maioria das vezes a plataforma com o N vermelho une forças com parceiros como a Sony ou estruturas menores para produzir uma animação. Ainda não ao nível da Pixar (especialmente da antiga Pixar) ou da Illumination, fomos presenteados com algumas joias como “A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas” ou “Pinóquio” de Guillermo del Toro. Aqui, para “Orion e o Escuro”, a Netflix está se unindo à Dreamworks. Um estúdio que tendemos a esquecer apesar de ter sido o concorrente mais sério da Pixar no início dos anos 2000 com sagas como “Shrek” ou “Como Treinar o Seu Dragão”. E, mais surpreendentemente, encontramos por trás da caneta deste filme de animação Charlie Kaufman o autor dos roteiros de “Quero Ser John Malkovich” e “Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças”. Uma chuva de inventividade que desenha uma constelação maravilhosa e terrivelmente agradável de se olhar. Órion, 11 anos, tem pavor de tudo. Ele tem medo de abelhas, do oceano, do valentão da escola e principalmente do escuro. Isso é bom, porque "Escuro", a entidade suprema das trevas, fará de tudo para que todas as suas horríveis noites de ansiedade não passem de uma lembrança ruim. O estilo gráfico é inovador e cheio de contraste. Comparado com algumas produções de grande orçamento, é noite e dia, mesmo que a técnica não seja perfeita. Ideias inovadoras e super originais fazem deste filme uma explosão de cores e maravilhas a cada momento. É tudo uma questão de sutileza e a jornada de Orion pela noite nos transporta para esse mundo onírico com personagens cada vez mais malucos e únicos, com personalidades terrivelmente cativantes. O tipo de filme que os pais poderiam apresentar para tranquilizar seus filhos assustados na hora de dormir. Uma ode à noite que nos deixava nostálgicos todos os dias ao amanhecer.
Quatro Casamentos e Um Funeral
3.3 256 Assista AgoraUm grande clássico das comédias inglesas, só para ser visto se você aprecia o estilo. Da minha parte está tudo bem, mas apesar do seu lado cult, Quatro Casamentos e Um Funeral continua mediano em vários aspectos.
Obviamente, não é ao nível do elenco que isso é um problema, porque embora na época a maioria deles fossem pouco conhecidos, temos de admitir que Hugh Grant, Kristin Scott Thomas (O Paciente Inglês), Andie MacDowell (O Feitiço do Tempo), Rowan Atkinson (Mr. Bean) e outros estavam em repleta harmonia. Caso contrário, cada um tem o seu estilo, mas atuam bem, todos com a contenção inglesa, digamos, infelizmente isso estraga certos efeitos humorísticos aos meus olhos. Em termos de música também se tornou cult, mas nada de excepcional.
O que está um pouco preso estaria mais ao nível da história e do enredo porque há muitas elipses, o que não é dito, o que é sugerido. Como se tornaram amigos? Por que eles são tão inseparáveis que são convidados para todos os casamentos? Como seus sentimentos românticos se desenvolvem? Por que não os vemos? Resumindo, muitas perguntas depois do fato, não essenciais, mas que podem ajudar a encontrar melhor o filme. Eu acrescentaria que certas durações são evitáveis, mais de 2 horas torna-se maçante.
Sejamos objetivos: para uma comédia, seja ela inglesa ou não, não tem muita graça.
Os efeitos cômicos são muito ingleses para mim? Eu não penso assim. No mesmo nível de romantismo só vejo alguns, casar para ser aceito pela sociedade não tenho certeza se é o que as pessoas estimativam... No final eu diria que você tem que ver se gosta de comédias inglesas porque continua muito representativo do estilo e da época, porém não se deve esperar muito, principalmente considerando o elenco, caso contrário corre o risco de se decepcionar.
O final é previsível desde o início, mas felizmente escapamos ao pior. Muita coisa está errada, este ambiente cheio de burguesia é bastante chato, o funeral impõe uma quebra de tom brutal que não serve para nada e uma última cerimónia tão interminável como foi telegrafada. Algum peso também com Sir Mr. Bean sentindo falta de sua atuação clássica. Pode ser visto sem desagrado. Quatro Casamentos e Um Funeral pode ser considerado superestimado, mas assistível.
Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes
3.6 367 Assista AgoraQuando questionamos se "Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes" deveria ser cantada para dissipar a sombra sobre os anos pré-quadrilogia dos "Jogos Vorazes", quase seríamos tentados a dizer sim, tendo em vista os ingredientes e certos flashes longe de serem desinteressante que percorre esta prequela do início ao fim.
Primeiro, mesmo que tenha uma influência “starwarsiana” muito forte (em modo de pré-logia) em princípio, a ideia de revisitar parte da gênese deste universo através daquele que se tornará seu eminente antagonista não é das mais estúpidas. É oferecer a expectativa do que gerará uma inevitável mudança para o lado negro por parte de um personagem principal ainda em plena construção sobre a moralidade de suas ações.
Nesta extensão, vê-lo evoluir e, portanto, crescer em um mundo onde os “Jogos Vorazes” ainda estão em seu estado mais primário e então, sob o manto das boas intenções (e sentimentos nascentes) de Snow para com seus protegidos, transformando-se em um verdadeiro espetáculo televisivo que não foge de qualquer manipulação cruel. Faz sentido e até dá um pouco de sal às críticas mais vivas ao desvio do mundo do espetáculo dos romances de Suzanne Collins.
Entre o tratamento de homenagens reduzidas à categoria de animais, a ascensão do poder dos artifícios midiáticos (menção especial ao seu principal apresentador interpretado por Jason Schawrtzman, perfeito como antecessor de Stanley Tucci) e as idas e vindas do conforto dos bastidores com o poucos picos de intensidade dos acontecimentos violentos da arena, “Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes” está longe de carecer de bons momentos, bem apoiado por Tom Blyth e Rachel Zegler nos papéis principais de Snow e de uma neo-Katniss que gosta de cantar umas músicas.
A bifurcação pela qual passa a última parte para estabelecer definitivamente o futuro sombrio abraçado pelo seu anti-herói é bastante atraente nas suas intenções e na mitologia que nos permite visitar de um ângulo diferente. Mas tudo isto, infelizmente, é demasiado mal organizado e luta para obter apoio durante a sua interminável duração.
Mesmo que Donald Sutherland tenha lhe trazido uma bela frieza carismática ao longo dos quatro filmes anteriores, a versão cinematográfica do Presidente Snow está longe de ter tido um impacto tão enorme quanto a de Darth Vader na memória coletiva (sua versão jornada foi muito mais impiedosa) e adicionar um pano de fundo que imite o mesmo padrão de ambivalência só pode levar a fontes de destino frustrado já conhecidas em sua totalidade. Apesar de todos os esforços feitos para tentar afastar este sentimento, esta prequela apenas finge ter um caminho minimamente sólido por falta de desvios verdadeiramente originais para onde se virar.
Além disso, sendo o filme um “Jogos Vorazes”, sente-se na obrigação de dar lugar de destaque aos Jogos Vorazes que retrata, estendendo a batalha até à exaustão com algumas aventuras eficazes, mas sempre ligadas a memórias de obras anteriores e mal filmado por Francis Lawrence, muito pouco inspirado (a primeira confusão realizada com os participantes foi uma ótima ideia para uma sequência e interrompida em poucos segundos). Certamente, estes Jogos Vorazes são um passo decisivo na jornada de Snow, mas aqui desempenham um papel central exagerado, tornando-se até mesmo o que pretendem denunciar: um espetáculo de passagem obrigatória, concebido para atender às expectativas de “battle royale” do público em relação um longa-metragem intitulado assim.
Como se ele próprio tomasse consciência disso, o último ato do filme tem o mérito de tentar frustrar isso, mas, novamente, além de certos pontos de salvamento para finalizar a escuridão que se apodera de Snow, ele lutará para vencer por causa de uma execução que tende arrastar até que o tédio supere todo o resto.
Não desprovido de qualidades reais que tornam a sua proposta digna de interesse, "Jogos Vorazes: A Balada da Serpente e do Pássaro Canoro" infelizmente perde-se ao longo de um período demasiado longo, beirando uma forma de alimentação forçada que só pode ir para o oposto significado de um filme chamado "Jogos Vorazes". Se houver uma sequência (deixamos Snow em um ponto que nos permite ver mais), por favor, tentem ser mais digerível.
A Noite Devorou o Mundo
3.2 363 Assista AgoraOs filmes de zumbis geralmente começam com o mesmo mistério: de repente o mundo se vê invadido por monstros famintos, de aparência sinistra, com o olhar esvaziado de toda consciência humana, sem que saibamos realmente de onde se originou o vírus insano e contagioso. O pior é que os personagens sobreviventes não experimentam nenhuma surpresa real e correm para o combate imediato contra esta nova barbárie. É basicamente isso que acontece com Sam que, ao acordar do sono, percebe que as paredes estão cobertas de sangue, abre a janela e, sem surpresa aparente, descobre que o mundo agora foi conquistado por zumbis.
O filme do gênero zumbi é antes uma prerrogativa do cinema americano. Oferecendo aos seus espectadores mundos horríveis que combinam humor, aventura e terror. O estilo do filme do realizador francês é significativamente diferente. Em primeiro lugar porque se passa num bairro de Paris e, sobretudo, num magnífico edifício Haussmann que dá carácter à capital francesa. O herói vagueia de apartamento em apartamento em busca de proteção e alimento, como um corretor de imóveis que interfere na vida de seus inquilinos.
Esta incursão no que constituía o mundo interior dos habitantes, antes de sucumbirem à maldição, é particularmente interessante.
Todo o filme elogia os adereços e decoradores que conseguiram transformar este magnífico edifício burguês num espaço concebido em memória da vida anterior dos seus habitantes, e num território digno do fim do mundo.
Descobrimos com verdadeiro prazer como fora das câmeras constitui uma arte em si. O realizador narra, de fato, a existência de um médico, de uma família, sem que as personagens nunca ganhassem vida, tendo sido substituídas pelos objetos que constituíam o seu quotidiano. Em todo o caso, A Noite Devorou o Mundo é bastante surpreendente do ponto de vista dos cenários, na forma como os técnicos conseguiram transformar este pedaço de bairro parisiense num caos credível.
Outro fato interesse do filme é a trilha sonora. Na verdade, o ator principal do filme, Anders Danielsen Lie, interpreta um jovem, apesar dos seus 39 anos na época, dotado de ritmo instrumentista. O filme convida regularmente a incursões musicais absolutamente insanas. O espectador então se vê atraído por uma espécie de clipe musical que, certamente é uma surpresa, mas causa um verdadeiro turbilhão de prazer. Além desses incisos musicais, como muitas obras do gênero fantasia, os sons espasmódicos acompanham a encenação para reforçar as ansiedades da situação.
Às vezes lamentaremos algumas divagações no cenário, até mesmo algumas implausibilidades em um gênero que já abordou o assunto da questão dos zumbis. No entanto, A Noite Devorou o Mundo desenvolve uma verdadeira estética de solidão. Porque mais do que uma história sobre a fuga dos horríveis zumbis, o filme é uma delicada variação da loucura que assombra um personagem, certamente confrontado com o caos do mundo, mas sobretudo diante do seu próprio caos, diante do terrível anúncio de um perda total do amor e da humanidade.
Viveiro
3.2 766 Assista AgoraUm filme de ficção científica, mas acima de tudo uma espécie de thriller psicológico, com um universo a portas fechadas bem controlado e construído. Apreciei bastante o tema, e da leitura que dele se faz, ou pelo menos que penso que é transcrita. O fato do acesso à propriedade fazer parte de um contrato social e do objetivo absoluto de atingir na vida familiar, incluindo a dívida para concretizar esse sonho, rodeado de uma denúncia de uma certa uniformidade dos pavilhões dos subúrbios, tudo parece igual, sem qualquer personalidade própria.
"Vivarium" pinta um retrato de um mundo repleto de consumismo e do sistema capitalista. O cartão com a frase deixada pelo promotor é claro “Crie esta criança e você será livre.”, ao passo que é o contrário que impõe o sistema moderno, onde criar um filho requer tempo, energia e uma participação obrigatória e vital na sociedade de consumo, onde o tempo dedicado à educação de uma criança não é aquele dedicado à crítica de um sistema profundamente enraizado e que parece natural aos olhos de todos. A criança representa este sistema. O efeito do mimetismo, da duplicação, da raiva assim que deixamos de cuidar dele, e do seu pai, representaria então o Estado que controla este sistema, e que parece inacessível, por vezes invisível.
O universo é, portanto, colocado de forma inteligente e, como um episódio de Black Mirror, através do prisma do que a sociedade espera de nós, é na realidade uma demonstração do absurdo da sociedade.
O cenário de portas fechadas é bem pensado e extremamente visual, inspirado na obra “O Império das Luzes” de Magritte.
E são também os efeitos especiais que criam a atmosfera indutora de ansiedade. Originalmente seriam construídas 12 casas em estúdio, mas o orçamento não permitiu, decidiram construir apenas 3, com 3 jardins e parte da estrada que percorrem, a obra consistiu então na duplicação digital dos diferentes elementos em Pintura 3D e 2D da forma de criar o ambiente de um verdadeiro conjunto habitacional sem saída.
O elenco é muito bom e convincente, principalmente "Martin" que inspira verdadeira ansiedade só de vê-lo. E a dupla Jesse Eisenberg/Imogen Poots funciona muito bem. Fica quase impossível não se imergir nesse biotério para tentar descobrir o que se passa por lá.
Ainda estou um pouco inseguro sobre o meu final, houve espaço para encontrar um desfecho mais impactante e original eu acho. Esperava uma conclusão que levasse a um mito e a uma explicação mais ampla e surpreendente. Mas continua sendo um filme intrigante, principalmente pela dupla leitura do assunto.
Ao mesmo tempo, "Vivarium" irá, claro, brincar com o seu mistério e fazê-lo muito bem, expandindo constantemente a estranheza deste mundo através de reviravoltas muito bem distribuídas ao longo da sua duração. Se, tendo em conta o seu prólogo e alguns acontecimentos ao longo do caminho, o objetivo global desta história nestas linhas gerais não pode realmente criar uma surpresa (os últimos minutos serão bastante previsíveis neste sentido), é claramente no seu desenrolar que o o filme será o que mais impressionará, por nunca se repetir, por manusear a arte da elipse no momento certo para abrir novas portas e, acima de tudo, por conseguir sempre manter o olhar fascinado por este mundo e pelos seus fenómenos extraordinários. Em “Vivarium”, tudo parece poder acontecer a qualquer momento e esta é uma das suas maiores qualidades, até porque este “tudo” até vai acontecer com frequência.
Em suma, o filme de Lorcan Finnegan consegue a proeza de manter a sua estranha premissa por mais de 1h30.
A Coisa
3.2 815 Assista AgoraFazer uma prequela de “O Enigma de Outro Mundo” é uma boa ideia para mim porque sempre me perguntei o que aconteceu na lendária estação norueguesa na Antártica. Isto também permite que os jovens se interessem pela obra original.
A Coisa, versão 2011, é um filme que possui outras qualidades além do filme de Carpenter. Embora repita um pouco demais seus mecanismos e certas situações, uma lufada de ar fresco soprará sobre o mito e o final trará até seu toque de originalidade. Menos sangrento, porém mais rítmico, o conjunto permanece eficaz e o suspense é onipresente. Curiosamente, os efeitos especiais, demasiado digitais, terão dificuldade em sobreviver ao tempo aqui.
Abordar uma prequela do filme cult de John Carpenter (1982), em si um remake do filme de Howard Hawks e Christian Nyby "A Ameaça" (1951), foi uma tarefa bastante arriscada, pois a obra-prima de Carpenter parece intransponível. O roteiro baseado no livro "Who Goes There?" de John W. Campbell deixou a iniciativa para esta prequela porque a expedição liderada por R.J. MacReady (Kurt Russell) tomou o lugar de uma equipe norueguesa dizimada pela coisa vinda do espaço.
É portanto a história destes cientistas noruegueses que nos conta Matthjis Van Heijningen Jr, o realizador holandês. A partir dessa variante, Van Heijningen rapidamente segue os passos de Carpenter para abordar quais foram os dois grandes atrativos do filme: o alienígena e a paranóia que ele instila na equipe por meio de sua capacidade de assumir instantaneamente a aparência de suas vítimas. Deste ponto de vista, sem muita originalidade o filme consegue ser eficaz respeitando todos os preceitos do grande Carpenter, mas deste ângulo, o original continua naturalmente superior. Surge então a questão do interesse deste remake que não significa o seu nome. É claro que Kurt Russell não está mais lá, mas foi substituído pela jovem e charmosa Mary Elizabeth Winstead, que mostra aqui com razão que uma mulher pode perfeitamente assumir a liderança na luta contra um monstro solto. Aqui Van Heijningen presta homenagem a Sigourney Weaver, a heroína recorrente da saga Alien, muitas vezes comparada à obra-prima única de Carpenter. A Coisa é certamente feroz, mas muitas vezes se vê forçado a matar pela curiosidade doentia do homem, enquanto procura apenas reunir-se ao seu próprio povo. Os filmes de terror desde “King Kong” de 1933, nunca deixaram de denunciar esta loucura incontrolável que leva os cientistas a desafiar as leis da natureza, correndo o risco de colocar em risco a própria sobrevivência da humanidade. Um vasto debate que, se conseguiu fazer sorrir as pessoas nos anos 30 ou 50, começa a adquirir todo o seu significado no início do século XXI.
Este filme despretensioso, mas sem qualquer sentido de humor, consegue cativar do início ao fim sem qualquer tédio ou paragem.
A Chegada
4.2 3,4K Assista AgoraVocê já viu um filme de ficção científica que é um OVNI? Isso pode parecer fácil, porém, diante das produções atuais, é inesperado e muito ousado.
Este filme é uma joia única no extremo oposto dos sucessos de bilheteria do gênero. Aqui não há violência, nem efeitos especiais em cada cena e nem estupidez angustiante.
Se o filme presta uma bela homenagem a Kubrick com combinações e um monólito próximos aos de 2001 - Uma Odisseia no Espaço, consegue sobretudo criar um universo visual único, oscilando entre um presente em cores geladas e flashbacks em cores quentes.
A importância e a beleza da linguagem, base da comunicação oral, mas também escrita, é o ponto central do filme. Amy Adams, no papel de uma linguista, carrega soberbamente o filme nos ombros frágeis, porque aqui se trata de uma questão de delicadeza e humanidade.
Longe de todos os clichês habituais, é de forma original que descobrimos a representação dos alienígenas bem como a forma de abordá-los. O filme é suave, poético e ainda assim contrastado por uma tensão palpável do início ao fim.
O tempo é representado por inúmeras caixas temporais que se encaixam perfeitamente, o espectador nunca está realmente perdido, mas perde os seus pontos de referência habituais.
Muitos elementos do filme são sugeridos, o que deixa espaço para a fantasia e reforça o lado místico do filme. Este filme é claramente muito psicológico porque brinca com os nossos pontos de referência através da visão de sua personagem principal. Também nós temos a impressão de vislumbrar uma concepção de mundo diferente, mas incompatível com aquela que conhecemos.
Este filme nos faz fazer muitas perguntas! Porém, não me sinto frustrado por não ter tido essas respostas. A parte desconhecida do filme não é uma deficiência da história, mas faz parte de um todo. É preciso libertar-se de algumas regras para apreciar este filme, é preciso aceitar não poder saber tudo, não poder compreender tudo e aceitar a falta de realismo mesmo às vezes.
Tantos símbolos, tanto poder, trazidos para a tela de forma simples e talentosa.
Em última análise, o filme transmite mensagens importantes sobre o tempo (vamos aproveitar o momento presente), sobre as nossas relações com os outros, e sobre a forma como a nossa linguagem nos influencia, mas acima de tudo, o filme dá-nos um aviso que devemos realmente ouvir: são necessários infortúnios para finalmente unir os terráqueos que não têm uma língua comum.
Space Is the Place
4.1 11Feito em 1972, lançado em 1974, Space Is the Place apresenta uma agenda alternativa para os negros americanos, sugerindo um futuro imaginativo de possibilidades de ficção científica, sem as restrições da rotina diária da agitação das ruas.
O filme começa com uma nave espacial movendo-se lentamente pelo cosmos, enquanto a trilha sonora entoa repetidamente: "É depois do fim do mundo. Você ainda não sabe disso?" Vemos então o viajante no tempo Sun Ra vagando por uma densa floresta psicodélica de flora e fauna bizarras em um planeta novo e distante que, ele decide, é o lugar perfeito para a realocação da América negra. Vestido como um faraó de papel alumínio, como era seu costume, Rá é uma figura boba e benigna, o que é útil porque a mensagem do filme é que os negros não fizeram nenhum favor a si mesmos ao abraçar e fetichizar o gueto. Rejeite o estereótipo do cafetão, liberte sua mente, alcance as estrelas, ele as oferece como um prospecto alternativo.
Dentro de Space is the Place, os negros são vítimas não apenas de estruturas de poder racistas brancas (consubstanciadas em dois agentes governamentais e no seu emprego de vigilância, coerção e violência), mas também da exploração negro-contra-negro, incorporada em uma espécie de super cafetão cósmico que dirige pelas ruas de Oakland em um Cadillac vermelho brilhante, fornecendo drogas, prostitutas e, o mais importante, falsa consciência.
O filme se baseia teoricamente a partir da série de palestras de Ra em Berkeley (Califórnia) intitulada The Black Man in the Cosmos. Com a ficção científica e os brancos companheiros inevitáveis na época, as palestras de Ra sobre o lugar dos negros na modernidade pareciam missivas de uma realidade alternativa (na verdade, o futuro, descobriu-se).
Uma fusão confusa e quase psicodélica de música, dança, vida nas ruas, ficção científica e história, Space Is the Place é muito parecido com o próprio Sun Ra, completamente único. Embora a libertação só possa advir da ruptura do tempo e da história brancos, é a música que funcionará como o principal meio através do qual a consciência será elevada. No entanto, este futuro utópico nunca será realizado na Terra. É do espaço onde Sun Ra chegou e é para o espaço que ele retornará trazendo aqueles que resgatou e que agora irão colonizar.
Planeta dos Macacos: O Reinado
3.7 119Cerca de trezentos anos se passaram desde a morte do Lendário César, o chimpanzé que liderou a insurreição dos macacos e a tomada da Terra, em detrimento dos humanos. A sua ideologia continua a influenciar positivamente alguns, mas não todos nos grupos de primatas. Neste contexto, acompanharemos o destino de Noa, um chimpanzé de uma tribo pacífica que cria e doma águias.
Visualmente, o filme de Wes Ball mostra-se eficaz com o apoio de efeitos especiais que provavelmente nunca tornaram os protagonistas tão realistas e fizeram do seu antropomorfismo o veículo de uma paleta verdadeiramente bela de emoções ainda mais subtis através de cada um dos seus olhares.
"O Reinado" consegue ser tão convincente em termos das cenas de ação inerentes às suas especificações, desde uma cena de abertura que defende o verticalismo de uma progressão de primatas até aos seus confrontos interespécies cada vez mais impiedosos ao longo da história, apenas nos seus momentos mais íntimos, tendo tempo para crie um verdadeiro apego na tempestade de acontecimentos trágicos.
Bastante relevante também no seu discurso universal sobre a distorção dos mitos e sobre aqueles que se escondem atrás deles, monopolizando-os para satisfazer a sua própria sede de poder (nesse sentido, Proximus é um vilão de sucesso, muito bem modelado no seu intérprete), "O Reinado" irá obviamente nesta perspectiva reproduzir nestes conflitos entre símios as contrapartes mais louváveis ou menos glamorosas dos humanos, ao mesmo tempo que envolve diretamente os representantes de nós, outros bípedes, e esta questão sobre a possível ou não coexistência de nossas duas espécies.
Podemos notar 1 ou 2 pequenas implausibilidades ao nível do clímax impressionante, mas o problema é que, em sua décima obra, a franquia não tem mais nada de original para nos oferecer. Temas de especismo, racismo, direitos dos animais e até ecologia e apocalipse nuclear perpassaram os episódios anteriores. Constituem aqui mais um pretexto do que um subtexto, como se os roteiristas tivessem desistido de qualquer ambição de usá-los de forma inteligente.
Se as duas últimas obras assinadas por Reeves, O Confronto e A Guerra, não envelhecem, isso se deve principalmente às referências à História do que aos empréstimos de diferentes géneros como o western, o filme de guerra ou a tragédia. A delicadeza do roteiro oferece duas aventuras perfeitamente elaboradas com uma força evocativa imediata (e duradoura). Em comparação, Planeta dos Macacos: O Reinado serve como um ensaio ou primeiro rascunho, vários pontos dos quais carecem de substância. A introdução consegue nos acostumar com Noa e seu clã, mas quanto ao que acontece fora das câmeras, é um pouco nebuloso. Como as coisas funcionam, e os humanos, não podemos afirmar que a trama realmente aborda esses temas. No que diz respeito ao percurso do seu herói, é mais claro, o que não nos impede de achar este novo longa-metragem um pouco longo e sobretudo pouco inspirado.
Wes Ball e sua equipe de roteiristas também fazem escolhas arriscadas de roteiro, estragando os personagens mais interessantes do filme, como Raka e Trevathan. Wes Ball não é Matt Reeves, as sequências mais espetaculares são um retrocesso em relação às alturas épicas alcançadas na trilogia anterior.
Resta o tema da herança colocado de uma forma bastante sombria, O Reinado observando a devastação do tempo nas ações passadas, cujo significado é esquecido, se não distorcido. Também podemos apreciar o fato de a história manter o tom agridoce das partes anteriores e o pouco de humor que nunca atrapalha as questões mais dramáticas.
Trata-se portanto de um espectáculo muito bonito do ponto de vista técnico mas que melhor funciona como um produto desprovido de alma, como atesta a cláusula comercial que anuncia uma continuação em dois ou três anos que não anseio para assistir.
Planeta dos Macacos: O Confronto
3.9 1,8K Assista AgoraPlaneta dos Macacos: O Confronto de Matt Reeves teve a pesada tarefa de suceder o excelente reboot (A Origem) de Rupert Wyatt. Propondo uma história que segue os acontecimentos ocorridos após a revolta dos macacos liderada por César, O Confronto confronta-nos com dois mundos aos quais tudo parece oposto.
Por um lado, os humanos que sobrevivem da melhor forma possível à devastação do vírus 113; por outro, macacos superdesenvolvidos que vivem em harmonia com a natureza. Descobrimos uma história que pretende ser mais comovente do que no passado (mesmo que não tenha a mesma carga emocional de A Origem). Reeves consegue respirar o fôlego épico dos filmes anteriores nesta sequência, oferecendo numerosos confrontos épicos onde as cores se misturam com gritos de combate.
Certamente o ritmo é lento, mas essa lentidão deliberada permite-nos focar melhor na psicologia dos personagens, humanos ou macacos. Compreendemos realmente a mensagem de fundo: quer sejamos macacos ou humanos, todos temos uma família, expectativas, obrigações, sem esquecer que ninguém está a salvo da vingança e da traição.
Os efeitos especiais são simplesmente surpreendentemente realistas. Com sequências de ação verdadeiramente inesquecíveis. As texturas, os ambientes, a direção fotográfica encantadora, tudo contribui, num contexto onde a guerra é inevitável, para aumentar a tensão a cada momento.
O filme é muito mais sombrio e tenso que o anterior. A tensão está muito presente e aumenta à medida que o filme avança e dizemos a nós mesmos que pode explodir a qualquer momento entre as duas comunidades. Ficamos realmente em suspense graças a uma expectativa bem controlada e nos perguntamos quais personagens ou qual evento virá e mudará tudo.
O elenco é bom com Jason Clarke perfeito no papel de Malcolm, esse sobrevivente humano que tentará trazer a paz entre os dois povos, os humanos e os macacos. Gary Oldman no papel de Dreyfus, o líder da comunidade humana,
Sem esquecer Andy Serkis retorna pela segunda vez na pele do líder César, impressionando pela postura e pelas expressões faciais, Serkis mais uma vez mostra que é o mais hábil na interpretação do líder dos primatas. Contando com um uso incrível de proezas digitais possibilitadas graças ao trabalho do estúdio WETA e cenários surpreendentemente realistas, esta sequência literalmente nos mergulha em um conflito do qual não saímos ilesos com uma mensagem poderosa e eficaz.
Planeta dos Macacos: A Origem
3.8 3,2K Assista AgoraDesde o lançamento do romance francês e do primeiro longa-metragem da franquia de mesmo nome em 1968, Planeta dos Macacos teve diversas vidas, mais ou menos bem-sucedidas, e após o fracasso da versão de Tim Burton, nos encontramos agora com uma saga que começa em as origens dos acontecimentos inicialmente contados.
Assumindo a direção, Rupert Wyatt situa seu filme em nosso tempo onde acompanharemos a maneira como um macaco, com a ajuda de um cientista, se humanizará para acompanhar uma evolução que leva aos poucos à consciência. É também aqui que o filme tem sucesso, na forma como os macacos, através do prisma de César, vão gradualmente percebendo a animalidade do homem, bem como a sua própria humanização.
Sem nunca ser verdadeiramente transcendente, a obra permanece totalmente controlada, com seu realizador sabendo conduzir a sua história ao ritmo da evolução dos macacos. Ele sabe aproveitar para destacar com clareza a convivência e depois as trocas entre os primatas, privilegiando os personagens em detrimento da ação, e essa aposta dá certo. O roteiro é de bastante qualidade e bastante inteligente, e ele consegue sublimá-la, sabendo criar ligações entre os protagonistas, para acabar por fazer emergir emoções diversas, sejam simpatia, ternura ou empatia.
Não hesitando em homenagear, de forma mais ou menos sutil, a obra de Franklin Schaffner, Rupert Wyatt assina um início promissor para uma saga onde acompanharemos cronologicamente o advento dos macacos. Conta também com visuais de qualidade, seja nos efeitos especiais ou na obra, bem como com um elenco sólido, liderado por um excelente James Franco, John Lithgow, Tom Felton e David Olewoyo, mas acima de tudo o prêmio vai para o talentoso Andy Serkis que entrega uma atuação memorável e prodigiosa na pele do chimpanzé César, que é comovente e cativante como líder dos macacos, graças nomeadamente à captura de movimentos.
Regressando às origens de Planeta dos Macacos, Rupert Wyatt cria uma obra agradável de acompanhar, encenada de forma inteligente e, com a sua pequena dose de emoção, os seus poucos momentos de tensão. Um reboot notável que é ao mesmo tempo deslumbrante, comovente, espetacular e inventivo que consegue renovar maravilhosamente a mitologia do Planeta dos Macacos.
O Pequeno Stuart Little
3.0 560 Assista AgoraUm little aqui, um little lá, um little hey, um little viva!
Publicado em 1945, “Stuart Little” conta as aventuras de um ratinho branco adotado por uma família de humanos. E se um desenho animado fosse transmitido na televisão americana nos anos 60, nenhum live action teria sido considerado até que um homem chamado Greg Brooker fosse contratado para escrever o roteiro ao lado de M. Night Shyamalan, que já havia lançado uma comédia familiar no ano anterior Olhos Abertos (1998). O cargo de diretor coube ao cineasta norte americano, Rob Minkoff, já coautor de O Rei Leão e que aqui assina seu primeiro longa-metragem em live action... O resultado é um longa-metragem emocionante onde o ratinho branco vai se acostumar com sua nova família ou melhor, o contrário, porque se os pais Little estiverem muito confiantes, seu primeiro filho adotivo George e principalmente o gato Snowbell terão dificuldade em aceitar a chegada deste intruso de pernas curtas.
Uma comédia familiar, o cenário vai brincar com a importância da família, da autoaceitação e não é o tamanho que conta através de uma história tortuosa onde felizmente você nunca fica entediados, apesar dos temas repetidos e das piadas fáceis, Stuart Little continua a ser uma longa-metragem de sucesso que agrada tanto às crianças como aos mais velhos. O cenário que permite a nós, adultos, não bocejarmos ao ver situações infantilizantes. Muito pelo contrário, o filme consegue manter-se constantemente dinâmico e manter imagens coloridas do mais belo efeito, seja nos ambientes acolhedores da Little house (infelizmente não utilizada o suficiente, embora teria transformado um imenso parque infantil para o pequeno Stuart) ou nos efeitos visuais incrivelmente bem-sucedidos, dando vida a esse camundongo lendário ou até mesmo aos gatos cujas bocas são animadas apenas digitalmente.
É divertido assistir esse filme novamente quando percebo que ainda é um tanto excêntrico, pois é um mundo onde não me incomoda que um rato fale e possa ser adaptado... Mas, ele baseia isso na Disney, então por que não em outros filmes? E então, acho bonito e original que uma família, no caso os Littles, se veja emocionada com esse sorrisinho que vão adotar. É muito divertido e meigo ao mesmo tempo. Isso permite que o filme seja engraçado e comovente. Graças a personagens muito cativantes e divertidos de acompanhar. Na verdade, não existe família mais modelo e unida do que os Littles.
A produção é muito boa, principalmente os efeitos visuais que são muito limpos. Stuart é muito bem animado e se adapta perfeitamente às pessoas ao seu redor. E quanto aos atores, temos direito a um casting de 5 estrelas com atores engraçados e comoventes. Somos presenteados com o famoso Hugh Laurie (Dr. House): é muito divertido vê-lo como um pai carinhoso e responsável e realmente, esse papel combina perfeitamente com ele. Geena Davis interpreta a mãe maravilhosamente. E o pequeno Jonathan Lipnicki completa muito bem o quadro de bons atores. E por fim, a música é muito agradável e combina perfeitamente com a atmosfera radiante do filme.
Aí está, um filme de família muito harmonioso: engraçado, comovente e cativante.
Rivais
3.8 269“O tênis é como um relacionamento.”
Um trabalho pop e bastante dinâmico, traçando um paralelo constante e óbvio entre o tênis e as relações humanas, entre a competição e os sentimentos.
Ou como um trio amoroso de sedução-repulsa tóxica (2 homens e 1 mulher, todos especialistas em bola amarela), inicialmente unidos, acabará se fragmentando e dando origem a duas vertentes frente a frente, dentro e fora da quadra de tênis, incluindo uma dupla de amigos inseparáveis que se tornaram adversários ao longo do tempo.
Filmando corpos (entrelaçados e/ou em pleno esforço) e desejos (sexuais e esportivos), este drama romântico-esportivo funciona principalmente por dois motivos: seu trio principal (Zendaya, Mike Faist e Josh O'Connor), extremamente carismáticos e manipuladores e em alquimia total; sua produção virtuosa durante as partida, e esse final que pode ser simbolizado como a fusão do fogo e do gelo.
A história acaba por permanecer bastante clássica nos temas que aborda, mas o fato de brincar com as diferentes temporalidades permite-nos explorar este quadro conhecido de uma forma um pouco diferente e tornar tudo um pouco mais envolvente de acompanhar, mesmo que pudéssemos, criticá-lo por ser artificialmente esticado para o que tem a nos dizer (o que achei durante sua 2ª hora um pouco mais redundante).
Filme com uma encenação muito estilizada, à qual nos podemos apegar ou não (a escolha de colocar música techno muito barulhentas em certas cenas bastante íntimas diminui o impacto destes momentos, não é adequado). “Rivais” fala-nos de amizade, amor, ciúme, estratégia, superação e metas, e nos mostra, em suas últimas imagens, que o que importa em última análise não é vencer, mas jogar. Do ponto de vista do enredo, prefiro recomendar outro filme onde também experimentamos a raquete e os sentimentos: “Match Point” de Woody Allen, mais cruel e realizado aos meus olhos.
Em última análise, “Rivais” acaba por ser uma pequena surpresa agradável aos meus olhos, especialmente tendo em conta o seu trailer, que realmente me embalou moderadamente.
Noite Passada em Soho
3.5 745 Assista AgoraÉ o grande dia da Ellie! A jovem provinciana criada no casulo protetor e atemporal de sua avó mudou-se para a capital Londres para perseguir seus sonhos de design de moda. Mas, mal chegando lá, o idealismo ingênuo da jovem já se choca com o olhar libidinoso de um taxista fixado nela, como um primeiro alerta dos pesadelos que podem se esconder atrás das luzes inebriantes da cidade. Depois, há as palavras cruéis dos seus concidadãos, o barulho, as festas intermináveis... Ellie opta por fugir em busca de um novo casulo onde possa encontrar refúgio nas fantasias de perfeição dos anos 60 que mantém graças aos cuidados da sua avó. registros. Com a tranquilidade gelada de um quarto de empregada alugado a uma senhora idosa, ela consegue satisfazer o seu desejo de fugir de um mundo urbano demasiado duro para ela... mas na medida em que nunca suspeitaria quando, todas as noites, cai na Londres dos anos 60, partilhando literalmente a existência de uma jovem da época, Sandie, que espera iniciar uma carreira como cantora...
O diretor sempre fez questão de oferecer muitas experiências revigorantes ao seu público.
A música desempenha um papel fundamental em Wright. Mais do que uma ferramenta, é ela quem dá o andamento da trama. Não foi à toa que o mundo de Scott Pilgrim quebrou as fronteiras estilísticas entre cinema, quadrinhos e música para entregar uma carta de amor à cultura geek. Quanto ao Baby Driver, é bem simples, ele não era o motorista excepcional sem sua playlist nos ouvidos, fusão perfeita entre imagens e trilha sonora. Em Noite Passada em Soho, Ellie (a heroína) se sente mais sintonizada com os padrões dos anos 60 do que com os de sua época. Como muitos de nós, em suma. As melodias são pontos de partida onde se enxertam histórias lendárias e aí a imaginação toma conta. A partir daí coexistem dois passados: o real e o idealizado. Como a maioria dos personagens de Wright, Ellie é uma estranha assombrada pela falta, uma desajustada cuja sanidade depende apenas de algumas notas. Então, quando ela se vê nos anos sessenta que tanto adora, temos o direito de fazer perguntas. A sequência não provará que estamos errados.
Ainda mais do que no passado, o diretor joga com as percepções que fará evoluir. A primeira hora é uma onda de sequências verdadeiramente impressionantes, de velocidade notável combinada com a precisão de um ourives. Tal como Ellie (excelente
Thomasin McKenzie), saímos de nós mesmos, balançamos, levitamos no meio de um festival de movimentos e cores. De volta ao passado? Sim e não. O filme avança, assim como a excitação criativa, só que a viagem nostálgica se torna motivo de preocupação.
Edgar Wright não está aqui para glorificar as fantasias associadas a uma época passada, mas sim para discutir a sua chamada grandeza. O quebra-cabeça é colocado de volta no lugar, a imagem que dele obtemos causa arrepios na espinha. Rastejaremos pelos cantos mais desagradáveis, nos braços de espectros monstruosos vestidos com esmero. Noite Passada em Soho então se transforma em um trem fantasma que vagueia entre esperanças afogadas em sangue. Se a mensagem não foi clara o suficiente no final do primeiro tempo, o extravagante grande final deixou claro o ponto.
A festa estava a todo vapor? A ressaca será severa.
Nesse meio tempo, o longa-metragem recua um pouco. A construção torna-se repetitiva e desde que prestemos atenção aos pequenos detalhes, desarmaremos diversas reviravoltas muito antes da trama decidir resolvê-las. Entretanto, vários elementos ficam para trás (a mãe, a investigação). É irritante porque tudo isso poderia ter dado origem a uma atitude mais desconfiada quanto ao final da história. De fato, há uma resolução que ocorre, mas por mais comovente que seja, seu epílogo um tanto fácil ameniza o sucesso. Mas só um pouco, porque Wright nos dá bastante retorno para nossos investimentos, olhos e ouvidos.
Não é o melhor filme de Edgar Wright, mas é verdade que ele nos dá um filme a que não falta audácia.
O Quinto Elemento
3.7 816É um grande prazer olhar para trás e poder dizer, com toda a certeza: “Sei mais agora do que antes”. Para mim, praticamente não há obstáculos em meu desenvolvimento como cinéfilo que marquem mais claramente esse processo do que minha mudança de relacionamento com a extravagância de ficção científica de 1997, O Quinto Elemento.
Em primeiro lugar, algo que me surpreendeu visto que o realizador francês foi muitas vezes criticado por ter modelado a sua atmosfera na de “Blade Runner”, o mundo do filme é alegre. Obviamente, um filme de ficção científica obriga o filme manter um aspecto pessimista sobre o futuro, mas este não é o centro do filme e Luc Besson não tenta transmitir uma mensagem ecológica ou marxista. Ele obviamente transmite uma moral bastante simplista, mas acerta o alvo e é bastante otimista. Definitivamente, você não deveria esperar um filme violento.
Não há uma única piada no filme que não tenha pelo menos me feito sorrir. Do início ao fim do filme, os momentos malucos se sucederão em um ritmo frenético, sem nunca exagerar.
O que se segue, de qualquer forma, é uma aventura de ação às vezes incoerente que serve como um passeio pelas fantásticas paisagens de ficção científica da imaginação adolescente de Besson: um amontoado de arranha-céus imponentes e carros voadores com quilômetros de altura que ainda tem a sensibilidade básica de design de nossa moderna cidade de Nova York; um luxuoso transatlântico viajando para o planeta resort Fhloston Paradise, com influências polinésias, indianas e italianas vivendo alegremente em harmonia; e as formas metálicas curvilíneas que a cultura pop da década de 1960 previu que seria o futuro espacial.
Os protagonistas são muito importantes, é claro: Oldman (que odeia o filme muito amigavelmente, ao ouvi-lo falar sobre isso anos mais tarde), em particular, é um componente absolutamente crítico do todo, com seu sotaque americano e tendência a ficar nervoso com sua linguagem corporal e uma série de contrações faciais. Milla Jovovich, em sua primeira grande aparição no cinema, abraça o material da maneira mais destemida e confiante. Também me dei conta, em grande estilo, do maníaco Ruby Rhod, de Chris Tucker, facilmente minha parte menos favorita do filme quando o vi em 1997; o personagem me pareceu cheio de piadas estridentes e barulhentas, insuportavelmente caricatural, mas comecei a pensar que seu personagem como o legítimo coração do filme. Afinal, o objetivo de Ruby é ser uma força de vontade sempre ativa, um artista que nos dará 1000% de sua energia 1000% do tempo, mesmo no meio de um cenário de ação com risco de vida.
Dito isto, ajuda que o filme se ancora em um protagonista tão sólido e quadrado. Esse é Bruce Willis como Korben Dallas, soldado das forças especiais que virou motorista de táxi, homem comum que mergulha no turbilhão das fantasias de Besson e então tenta superar tudo. Ele é o mesmo tipo de protagonista que um filme de James Cameron ou Michael Bay poderia ter, mas intensificado: o visual do filme, o senso de humor e o estilo geral de atuação são todos identificavelmente europeus, o que faz com que a presença marcante de Willis como Homem Americano Quintessencial se destaque em todos os aspectos. mais. O filme precisa de uma figura central tão descontraída para ser algo diferente de puro colírio para os olhos, e Willis era mais adequado do que qualquer outro artista que eu pudesse nomear para incorporar essa figura.
Concluindo, como diria Steven Spielberg, “O Quinto Elemento” é um “filme pipoca com uma mensagem no fundo do balde” perfeito. É realmente um longa-metragem que coloca um sorriso no rosto quando rolam os créditos finais e te deixa de bom humor por vários dias.
Claramente, no gênero de filme de ficção científica ultradivertido, O Quinto Elemento é uma joia. Quase tudo está lá para garantir um show de alto nível. A única pequena desvantagem para mim vem de uma certa falta de fluidez sobrecarregada pelo peso de uma mensagem pacifista muito caricaturada que pesa um pouco no final.
Perfume de Mulher
4.3 1,3K Assista AgoraO tempo de um fim de semana é também o momento de observar o monumento que é Al Pacino num papel como a sua carreira, forte e sólido ao mesmo tempo. O talento deste (mesmo que não seja mais para provar) explode aqui neste interpretação fenomenal, onde seu visual toca a genialidade. Ele interpreta Frank Slade, tenente-coronel aposentado dos Estados Unidos, vivendo uma segunda vida, plana, cinza e acima de tudo "escura", sombria porque privado do uso da visão é. Paralelamente um aluno muito talentoso, mas cuja posição social infelizmente não é igual à dos demais. Obrigado a trabalhar à margem dos estudos, aceita, portanto, "por um fim de semana" a responsabilidade de cuidar de uma pessoa incomum durante o Dia de Ação de Graças. O que era para ser apenas uma visita domiciliar se transforma em uma viagem para Nova York embarcada com um homem rude, bom apreciador de Jack Daniel's, peculiar desde o início do intercâmbio. O aluno não consegue administrar a situação que se torna bastante difícil para ele.
Frank "Pacino" Slade é um homem amargurado pela vida cujos únicos sonhos se tornaram o ponto final de sua existência. Mas ele continua cativante, exalando muito charme e possuindo muitos talentos, incluindo o de descobrir o primeiro nome de uma mulher simplesmente pelo nome. A fragrância do seu perfume.
Perfume de Mulher também traz novos elementos que indicam as qualidades do homem, tanto sutis quanto instintivas. É assim que o espectador percebe desde muito cedo que sua raiva é repleta de dor, suas palavras de angústia e sua vida de fissuras. Suas falhas estão presentes em cada um de seus gestos e palavras, mas este homem também exala uma confiança em si mesmo que é surpreendentemente verdadeira diante do diretor da escola vingativo, que oprime Charles (porque ele comparece perante um conselho disciplinar por ter notado um delito) e exige. sua exclusão, "o coronel" expressa-lhe em um apelo colorido o verdadeiro valor da integridade ".uma cena magistral" Frank Slade é, em última análise, o presente mais lindo que "Charles Simms" recebeu em sua vida modesta.."um substituto pai" porque na verdade o medo do primeiro para com o mais velho acabará se metamorfoseando em amor paterno ao longo da trama.
Martin Brest dirige um filme muito clássico, mas brilhantemente apresentado, e permite que Al Pacino obtenha seu (finalmente) primeiro Oscar. A trilha sonora original de Thomas Newman indicado 14 vezes ao Oscar de melhor trilha sonora, (primo de Randy Newman) tem um sopro que se impõe por meio de sua inteligência e assim serve de guia ao cineasta.
Lendário Al Pacino, provando com esse papel que pode interpretar qualquer coisa e que é um Grande Ator. O carisma de Pacino atinge o espectador ao longo do filme. Um cenário bem elaborado sobre a dureza da vida e o veneno do arrependimento. Uma palavra: Grandioso.
O Ritual
3.2 476 Assista AgoraCaindo na subcategoria de "horror popular", onde dominam ritos de sacrifício e práticas satânicas sangrentas, como A Bruxa de Blair ou o brilhante Midsommar, O Ritual prometeu ser tão previsível quanto eficaz. Quatro amigos de longa data decidem fazer caminhadas no bosque sueco, para homenagear a memória de um quinto, que morreu repentinamente. Num cenário de luto, esta lufada de ar fresco irá rapidamente reavivar a culpa do passado e as dúvidas de todos. Surpreendentemente, os diálogos me pareceram sensatos e bem escritos na preparação para o pânico, longe das falas clichês e clichês do gênero.
O que mais me atraiu foi a revisitação da mitologia nórdica, localizada no coração de uma gigantesca floresta ancestral. Há uma mudança de cenário, um folclore que faz a diferença. Certas cenas, embora sugestivas, são muito assustadoras e alimentam uma tensão cada vez mais sufocante. As tomadas dentro deste labirinto de árvores contribuem agradavelmente para esta atmosfera indutora de ansiedade.
Certamente, como espectador, gosto de receber respostas e um final real, mas aqui os intrigantes caminhos até aquele ponto perdem um pouco do sabor. A angústia e o tormento desaparecem para dar lugar às revelações e à sobrevivência. Mais equilíbrio teria sido bem-vindo. "O Ritual" beneficia de ótimos ingredientes, um bom cenário, um bom contexto e personagens interessantes, por isso é um bom entretenimento em geral. Mas falta aquela pequena faísca que tornaria o filme tão brilhante.
Com uma história centrada em temas de redenção, culpa e medo do desconhecido, este filme investiga os medos mais íntimos dos personagens. Se a história não for original, a base da história é boa, pois traz uma dimensão psicológica bastante interessante e que também é bem aproveitada ao longo do filme. Como em qualquer “sobrevivência” do gênero, é preciso se apegar ao clima e ainda mais a essa virada que o filme dá no final, caso contrário você ficará entediado.
O filme é bem feito, o cenário é bem aproveitado e o clima não é ruim, mas não podemos dizer que seja realmente angustiante. Isso é um pouco o que falta, porque de resto é intrigante, até porque o diretor mistura bem esse aspecto psicológico com o que está acontecendo que pode mudar a nossa percepção das coisas.
No geral, foi uma surpresa agradável com a sua dose de emoções e uma atmosfera diretamente dos contos nórdicos e do frio polar escandinavo. Era absolutamente necessário não cometer erros na encenação e na produção; o realizador, sem revolucionar o gênero, consegue com inteligência constituir uma produção tingida de mistério e de serenidade mística e perturbadora. O filme começa de forma estranha: a morte de uma pessoa de uma roda de amigos durante um assalto que dá errado. Depois, rapidamente, a natureza, selvagem, crua com alguns pedaços de civilização aqui e ali para nos lembrar que esta história pode acontecer na nossa realidade, mas rapidamente, depois de uma hora de exibição, o filme dá uma guinada.
Não necessariamente decepcionante, mas tão inútil quanto o domínio do sentimento de amizade, ao mesmo tempo que prolongava a perda de orientação do grupo, foi eficaz. O Ritual acaba por ser uma boa alternativa que não revoluciona um género sólido, mas que parece difícil de renovar.
Planeta dos Macacos
3.0 627 Assista AgoraPlaneta dos Macacos é certamente uma das reinicializações mais arriscadas que já existiram. E, no entanto, este filme foi muito aguardado pelos fãs do grande clássico de 1968 e até mesmo pelos espectadores em geral. O projeto era difícil de acreditar: Ousar refazer uma história sobre temas tão vastos e complexos como o de Planeta dos Macacos foi algo ambicioso. E o projeto tinha tudo para dar certo! Um diretor genial, um elenco de qualidade, um orçamento muito grande e um compositor muito renomado que é Danny Elfman.
E foi completamente assassinado por críticos e fãs, mas ainda assim foi um sucesso de bilheteria. Ok, e o que eu achei disso como fã do filme original? Bem, é muito misturado. Vemos que houve trabalho nisso e honestidade, mas infelizmente isso não é suficiente para fazer do filme algo bom.
Tim Burton, portanto, nos dá um remake totalmente confuso, deixando de lado as palavras e pensamentos sobre o homem para uma ação simples com efeitos especiais de baixa qualidade.
Mas não é só isso, o filme sofre de inconsistências e é cercado pelo ridículo mais cafona possível. Onde o original buscava a simplicidade, aqui busca fazer toneladas de lutas de dois rounds tão pesadas quanto inúteis. Sentimos que o filme foi rodado em estúdio o que tira qualquer imersão.
Os macacos são bem-feitos, é verdade, mas o comportamento deles é simplesmente insuportável, sempre gritando e pulando em todas as direções, eles não deveriam ser evoluídos?
A reação de Mark Mark Wahlberg aos macacos falantes é simplesmente bizarro em alto nível, o personagem diz para si mesmo "como é possível que eu esteja aqui", 5 minutos depois ele não se importa como se tivesse as respostas para todas as suas perguntas. Ele simplesmente não parece envolvido no filme.
Humanos que falam? Não, mas aí era um dos pontos fortes do filme original, rebaixar o homem ao simples status de um animal selvagem que não sabe falar, mas aqui os humanos falam, exceto que não são capazes de deixar de ser humilhados pelos macacos ou de se comunicar com eles. As inconsistências aumentam em idiotice a cada momento chave do filme como exemplo: Como funciona essa tempestade magnética que não tem lógica no espaço-tempo?! Como pode Oberon ainda funcionar depois de passar 600 anos na poeira e na ferrugem?!
E ainda há muitas outras inconsistências neste filme que não especifiquei porque são tantas! Vamos adicionar a armadura do Senhor dos Anéis aos macacos para dar um lado ainda mais insano. E claro, o final é totalmente incompreensível, rebuscado, e a ironia disso tudo é que não há explicação possível! Provavelmente um dos piores finais que já vi na minha vida para um filme de grande orçamento. Os personagens são em sua maioria planos, os temas são inexistentes e as revelações difusas.
Em última análise, Planeta dos Macacos não é ruim, mas não é bom. O principal problema é que Tim Burton não era o diretor certo para um blockbuster como este. Para ver uma vez por curiosidade. Felizmente, a franquia renasceu graças a Planeta dos Macacos: A Origem, 10 anos depois.
Rebel Moon - Parte 1: A Menina do Fogo
2.6 307 Assista AgoraEu tinha grandes dúvidas sobre a qualidade do novo filme de Snyder, principalmente porque nem Gorges Lucas nem a Disney queriam produzi-lo, e ele acabou na Netflix.
São os filmes ruins que nos mostram todo o talento e descobertas dos diretores para ter sucesso em uma obra, onde vemos imediatamente os erros, as falhas, as armadilhas dos filmes ruins. Ou dito de outra forma, num filme ruim, o espectador se faz perguntas que jamais faria diante de um bom filme.
Por que a heroína está procurando um punhado de mercenários para ajudá-la a defender sua aldeia? Não deveria, em vez disso, procurar adquirir armas antiaéreas para destruir naves inimigas e artilharia para eliminar a infantaria inimiga? Onde está a lógica militar nisso? Nada faz sentido ou a menor seriedade.
Por que os heróis sempre tendem a querer se envolver em combate corpo a corpo com armas brancas, sabendo que todos os soldados inimigos possuem rifles laser?
Talvez o pior desta primeira parte vem da pobreza do universo. Nós sabemos, Zack Snyder é diretor, não roteirista.
Sentimos que o universo é uma cópia desajeitada de Star Wars, O Quinto Elemento, Senhor dos Anéis, Game of Thrones, Guardiões das Galáxias, dos filmes de ficção científica de Neill Blomkamp e até do canal Nexus VI no YouTube? Por que os rebeldes neste filme parecem um cruzamento entre os humanos sobreviventes de Matrix e os antagonistas de Mad Max?
O que podemos dizer além de que Snyder plagiou dezenas de filmes, sendo cada cena uma cópia tirada de outro filme.
Se Sofia Boutella dá tudo de si e faz o possível para segurar o filme nos ombros, o resto do elenco não pode dizer o mesmo.
O vilão é interpretado por Ed Skrein, que é um brincalhão de morte, e faz bagunça em cada uma de suas cenas, chegamos ao nível de gente pilantra do tipo Dungeons and Dragons.
Como dizem todos os grandes diretores, todo filme tem uma mensagem. Este filme de Snyder não tem nenhum.
A luta entre o Bem e o Mal não é uma mensagem, mas um arquétipo, uma estrutura de um filme, não o seu propósito. É isso que torna o filme tão vazio, tão anônimo, tão déjà vu, digno de um blockbuster padrão assinado por algum simulador.
Um dos erros monumentais do filme é exagerar nos efeitos especiais. Pergunte a Spielberg ou James Cameron, o princípio de um efeito especial é que ele é invisível para o espectador.
Snyder faz o oposto, ele destaca os efeitos especiais, fazendo muitos deles a cada vez.
A maior parte das imagens geradas por computador são medíocres, dignas de filmes do final da década de 2010. As empresas FX ainda não conseguiram reproduzir o feito técnico do primeiro Avatar (2009).
Um dos paradoxos do filme é que ele poderia se passar nos dias atuais na Terra, sem qualquer elemento de ficção científica. E ao contar uma história mais próxima de nós, inspirada em acontecimentos reais, o filme nos tocaria muito mais.
No geral, Rebel Moon é uma aventura de ficção científica mediana que agradará os fãs do gênero, mas pode deixar outros querendo mais.
Guerra Civil
3.7 312Maior orçamento do estúdio A24, esta história distópica de 50 milhões onde a América se encontra fraturada em uma nova Guerra Civil é frustrante no aspecto tímido de seu universo. Um aspecto político geralmente nebuloso que também é um ponto forte, porque cria um espaço mental onde qualquer escalada de violência contra qualquer partido pode ser projetada. Sabemos que os EUA estão mergulhados no conflito entre grupos organizados dentro do mesmo estado-nação. Que várias facções se opõem. Que o presidente no poder está no terceiro mandato e cometeu um grave deslize. Dificilmente saberemos mais sobre as causas da guerra.
O suficiente para frustrar alguns, mas é também o que dá ao filme um certo alcance universal. Acompanharemos um grupo de jornalistas viajando entre Nova York e Washington, na tentativa de entrevistar o presidente. Esta aventura picaresca retratará o caos ambiental, não muito diferente do que a mídia ocidental mostraria de uma guerra civil na África.
E Alex Garland vai direto ao ponto, ao tratar principalmente de dois assuntos: o papel dos correspondentes de guerra e o que gira em torno deles (passividade relativa, relação com a imagem, cinismo...); e as profundas divisões dentro dos EUA. Tudo salpicado de reflexões sobre o absurdo das guerras em geral.
A coisa toda é desenvolvida de forma inteligente, não nos deixamos levar pelas explicações exageradas. Aos poucos vamos descobrindo essa confusão, e algumas passagens são extremamente irritantes sobre os EUA.
Além de alguns dispositivos de enredo, a história é dinâmica. Na verdade, fiquei surpreso com as sequências de ação. Mais numerosos do que eu esperava e relativamente espetaculares para tal produção.
No final, Garland quer acima de tudo realizar uma viagem pós-apocalíptica ao nível dos olhos, onde um quarteto de repórteres evolui de forma quase picaresca para captar imagens fotográficas remotas da queda dos EUA. Um viés relevante, questionando a imparcialidade das imagens e seu impacto no indivíduo, ao longo dos diversos encontros.
A estrutura narrativa é, em última análise, bastante simples, mas é entre vários parênteses que o longa-metragem atinge uma universalidade na futilidade da guerra (atiradores que se avaliam sem saber qual lado está do outro, Jessie Plemons que usa o conflito para satisfazer seus ideais políticos, etc.), e um olhar pessimista sobre a natureza cíclica e autodestrutiva de qualquer guerra.
O elenco é bom, enquanto o cerne do filme está na transferência entre os personagens de Kirsten Dunst e Cailee Spaeny (de uma imitação de Lee Miller tendo trabalhado até uma novata que deseja aprender a profissão de fotógrafo de guerra). Wagner Moura interpreta um jornalista viciado em furos, profissional, descolado, tagarela, que se sente um peixe na água, apesar das situações tensas e Stephen McKinley Henderson como um velho jornalista que tranquiliza com a sua presença.
Não podemos evitar alguns erros (incluindo um clímax de guerrilha sem implicações dramatúrgicas reais, ou algumas reações estereotipadas de personagens que leram o roteiro), mas se o filme que agarra as entranhas, que não romantiza o horror do seu tema, que nos convida a pensar no futuro do nosso país e no salto para o desconhecido que é a guerra civil.
O Primeiro Homem
3.6 649 Assista AgoraNos filmes espaciais, estávamos habituados ao lirismo da conquista, ou às imagens abafadas de um foguete deslizando suavemente em direção a espaços infinitos.
E Damien Chazelle nos fala do canivete suíço, mostrando-nos máquinas obsoletas, feitas de pedaços de barbante e pedaços de madeira, com um barulho ensurdecedor.
Mostra-nos uma América que também se pergunta se não haveria outras prioridades em terra firme.
Paralelamente a este discurso universal, está a família Armstrong, os seus sonhos e as suas tragédias. Graças ao filme, tocamos na incerteza absoluta dessas missões e a fragilidade destes heróis.
A cinebiografia sobre Neil Armstrong é cheia de eficiência, principalmente na encenação, onde a câmera subjetiva ocupa um lugar importante, o que às vezes torna o longa-metragem bastante envolvente.
Ryan Gosling sai do sapateado de “La La Land”, para dar o famoso passo na Lua, esse famoso grande passo para a Humanidade e Damien Chazelle deixa assim o mundo da dança e da música, para um espetáculo completamente diferente talvez ainda mais grandioso, tão onírico e lírico com esta chegada a esta deslumbrante estrela lunar.
E, no entanto, se o filme evoca esta aventura seguida por toda a Terra em 1969, é aqui mais a história do homem enquanto tal, do que a desta façanha em si.
É, portanto, um bom filme biográfico centrado no homem, que o cineasta criou, o retrato de um marido e de um pai atormentado pela morte, destruído a ponto de não ver mais quem o rodeia, incluindo a sua família. Ryan Gosling é aqui a antítese do que encarnou neste mundo de brilho e luz, escorregando na pele de Neil Armstrong, um personagem frio, silencioso, exigente e intransigente. Como se o seu trabalho, ou mais ainda a sua missão, fosse uma fuga, uma verdadeira saída para continuar a sobreviver.
Damien Chazelle, ao centrar-se nesta personalidade bastante excepcional no seu funcionamento e na sua determinação implacável, conseguiu revelar todo o lado oculto da Lua, mas ainda mais aquele de quem nela pôs os pés pela primeira vez.
Toda a psicologia da personagem é colocada ao microscópio assim como o quotidiano deste casal e cujos momentos magníficos nos tocam enormemente ao mesmo tempo que dá lugar de destaque a Claire Foy, muito justa e comovente. É especialmente através desta atriz, com sensibilidade e dom de observação incomparáveis, que este filme nos irá finalmente impulsionar para a sua história, e também pela força das circunstâncias e inevitavelmente para o espaço.
Isto é tudo o que faltava em outras produções sobre o mesmo tema, como “Gravidade” de Alfonso Cuarón, magnífica em imagens mas muito pobre em termos de mensagem.
Por causa da conquista do espaço, claro que também é uma questão e a este nível também estamos sempre bem servidos de realismo e seriedade.
Passamos dos ajustes empíricos e instáveis do início dos anos 60, até esse famoso vôo à Lua, acompanhando passo a passo todos os avanços nesses quase 10 anos de pesquisas.
Todas as questões, todos os problemas, todos os perigos e medos, são extremamente bem apresentados, levantando uma enxurrada de questões quer sejamos colocados atrás ou em frente do ecrã, como os mencionados noutros lugares e ligados a todo este enorme orçamento dedicado à "Corrida Espacial'.
E, no entanto, de vez em quando, esta compreensão parece esticar-se e desaparecer, um pouco como o seu herói e as suas ausências.
Um pequeno inconveniente que ocorre sem avisar, como uma pausa ou um suspiro nesta sede de superar-se, de superar os concorrentes para ser sempre o primeiro e o melhor..
Entretanto continua a ser esta belíssima aposta no palco, elegante, elegante sob todos os pontos de vista, que já combina com Damien Chazelle, e um ator decididamente engenhoso que Ryan Gosling aperfeiçoa até o fim, mesmo atrás do vidro de seu capacete de cosmonauta, como uma barreira que o protege daqueles que o rodeiam.
Um filme sensível, extremamente realizado e emocionante, sobre a história de um homem extraordinário.
Dias Perfeitos
4.2 296 Assista AgoraKoji Yakusho é a alma viva deste filme-tributo aos doces sonhadores da vida cotidiana, àqueles que gostam de olhar para os raios do sol que penetram lindamente através do farfalhar da folhagem, àqueles que aproveitam o tempo em vez de suportá-lo, aos aqueles que encontram um equilíbrio fora do modelo idealista de família com casa grande, filhos, um cachorro e belo carro.
Este personagem não é, portanto, comum. É até extraordinário. Um homem simples prospera com base em hábitos e é cauteloso com o novo; ou ele prospera com o novo e é cauteloso com os hábitos. Mas deveríamos ver um modelo, uma moralidade, um estilo de vida, uma receita para a felicidade?
Nada é menos certo. Esse personagem tem disposição para tudo isso. E o mesmo acontece com o espectador: ou ele prospera com o hábito (e desconfia do novo), ou é o contrário (e vice-versa): o espectador sendo de um ou outro mundo, ele está pronto para aplaudir o filme, ou não aplaudir (principalmente aquele que nasceu no hiperconsumo e com um smartphone nas mãos), aliás, neste último ponto, podemos afirmar que o filme contém uma clara ferocidade em relação ao mundo de hoje.
Ao contrário do que afirmam alguns críticos, Dias Perfeitos não é realmente um elogio aos humildes. O cineasta alemão, Wim Wenders, mostra muito bem que seu protagonista é antes uma pessoa caída e favorecida ou que optou por recusar a vida "boa" (a razão é pouco mencionada). Mas se beneficia de uma vida modesta porque pode assumir um olhar intelectual, estético, filosófico, porque escolhe a sua situação que o leva em uma intensa aventura interior através da leitura, da contemplação da natureza, da fotografia, do jogo da velha, música, compaixão pelos humanos, tanto nos seus pequenos defeitos como nos seus lados bons...
Nisso, este personagem é antes uma ilustração das respostas propostas por Schopenhauer à questão primordial: como escapar do egoísmo? Hirayama impõe a si mesmo uma vida ascética, um afastamento do mundo, não para fugir da realidade, mas para fugir dos impulsos egoístas, da realização individual oferecida no mundo moderno: sucesso social e profissional, lucro, autoestima, o prazer do corpo, competição do ethos através da fala... Esse afastamento do funcionamento do mundo e dos privilégios aos quais teve acesso não ocorre sem sofrimento, sem o recrudescimento do egoísmo reprimido, sem solidão, sem desconforto. Mas o personagem também deriva uma aura de martírio, herói de recusa impossível, figura quase cristã de auto-sacrifício pelos outros. Embora viva numa espécie de autossuficiência solística, nunca recusa o outro, dando-se à custa de si mesmo. São antes estes outros que, apanhados na sua corrida louca contra si mesmos, são completamente incapazes de enriquecer esta vida que suportam. Eles apenas sentem, ao conhecer Hirayama, essa profundidade de vida que buscam desesperada e desajeitadamente, nos códigos habituais de sucesso (dinheiro além da moralidade, imagem, conquistas românticas...). Eles param por um tempo, na virada de uma colisão em suas vidas (doença, fuga, dificuldade financeira) e ficam maravilhados com sua capacidade de elevar o absurdo de uma vida repetitiva de Sísifo a uma arte de viver. Depois deste encontro brilhante, seguirão este exemplo nadando contra a maré? Ou o homem sábio permanecerá sozinho e incompreendido, e o homem prisioneiro das suas paixões?
E Hirayama não é um alienígena. Este filme é a história de um homem “assim”. Além disso, ele tem seus pontos fracos. E isso nos traz de volta à terra. Mas não é por acaso que o filme é rodado no Japão (embora uma língua diria que os banheiros lá brilham como novos e provavelmente não precisam ser limpos).
Dias Perfeitos é uma curiosa mistura de drama social realista e conto filosófico humorístico sobre a arte de ser feliz apesar de tudo.
A Primeira Profecia
3.5 149“A Profecia", começou quando Robert Thorn, substituiu o bebê morto de sua esposa pelo filho literal do diabo. Mas você já se perguntou como aquele bebê nasceu? Os produtores de “A Primeira Profecia” esperam que a resposta seja sim e que seus padrões não sejam elevados.
Visualmente, A Primeira Profecia impressiona pela forma como capta a época e a atmosfera gótica. Não são apenas a iluminação suave e os tons sépios que evocam o cenário do início dos anos 70, mas os ricos detalhes da designer de produção e do figurino. É também a maneira como a realizadora embala a produção; esta visão de Roma pitoresca, viva e movimentada, como deveria ser. Tudo isso dá uma sensação de escala, deixando a dócil Margaret em uma cidade grande com poucos aliados.
O roteiro tem muito cuidado ao lidar com suas ligações com o filme original. Existem retornos óbvios e detalhes relevantes da trama, desde o próprio convento até o padre Brennan. No entanto, o realizador encontra maneiras inspiradas de expandir além de quaisquer limitações impostas por A Profecia. Por exemplo, a trilha sonora penetrante, com seus vocais de coro assustadores e a inclusão de “Ave Satani". Mas a diretora garante que é ainda mais perturbador aqui na forma como a partitura se torna um som diegético, seus vocais assustadores interagindo e atormentando Margaret em algumas partes.
Por outro lado, os filmes “A Profecia” nunca tiveram muito a dizer, exceto que o apocalipse provavelmente seria ruim e deveria ser evitado. Esses filmes historicamente usaram a religião e o fanatismo como pano de fundo para mortes chocantes, que se dane a profundidade temática. O filme de Stevenson investe muito mais em sangue do que em seus personagens e história, e quando o filme se torna grotesco, é, pelo menos, memorável.
É fácil imaginar este filme encontrando um público cult, mesmo que apenas por suas imagens bizarras e violentas e uma cena em particular, onde Nell Tiger Free fica completamente perturbada emocional e fisicamente. Mas, apesar de algumas aberturas superficiais e reviravoltas desajeitadas, que são praticamente pré-ordenadas, dadas as poucas opções narrativas da prequela, ela tem pouco a oferecer além desse caos extremo, e mesmo isso é principalmente adiado no terceiro ato.
Se você está procurando coisas sobre gravidez demoníaca de freira, parece ter muitas opções ultimamente. “A Primeira Profecia” é um deles. É uma entrada cansativa em uma franquia que está cansada há cerca de 40 anos, mas a jovem atriz, Nell Tiger Free faz bem seu trabalho peculiar e Arkasha Stevenson prova que pode transformar a brutalidade em arte e, com uma história mais interessante, provavelmente em arte fascinante.
“A Primeira Profecia”, apesar de todas as suas muitas falhas, poderia acabar sendo um prelúdio eficaz para as carreiras de Free e Stevenson, mas é um prelúdio desanimador para “A Profecia”.
Ajuste Final
3.9 116 Assista AgoraUma reformulação habilidosa dos códigos do cinema noir clássico, "Ajuste Final" é considerado por muitos um dos melhores de Cohen, junto com Fargo e Onde os Fracos Não Têm Vez. Ocorrendo durante a Grande Depressão do final da década de 1920, o enredo é uma verdadeira lição de roteiro, todos os elementos da história são habilmente equilibrados para um clímax no final. O humor negro e a violência também estão presentes, e nos divertimos assistindo todos esses personagens tentando enganar uns aos outros.
Talvez até hoje um dos sucessos mais convincentes dos dois irmãos, nos dá uma fascinante e brilhante galeria de personagens onde vale tudo. A história é bastante complexa mas segue sem muita dificuldade, o suspense se mantém do início ao fim e as reviravoltas costumam ser bem pensadas. A sua encenação é impecável e inventiva, tal como a atmosfera que dá a "Ajuste Final", um tom sombrio, por vezes cativante e burlesco, onde o fumo do cigarro, a proibição, as armas preferidas pelos gângsters, onde as femme fatales são uma legião e onde as contas regulatórias já não assustam muita gente. A reconstrução é bem feita, seja em termos de cenários ou fantasias, tecnicamente estão em boa forma e usam contrastes e cores de uma forma impecável. Em termos de interpretação, Gabriel Byrne entrega uma de suas melhores atuações até hoje, carismático e sabendo se impor na tela. Os demais atores são impecáveis e em especial John Turturro e Steve Buscemi, gostei do lado glamoroso da Marcia Gay Harden, bem como as participações especiais de Sam Raimi e Frances McDormand. Manipuladores, frios e incansavelmente calculistas, descobrimos personagens interessantes e em tudo isto um cenário brilhantemente construído e muito atinado.
Saudemos uma edição dinâmica que embora demore a estabelecer os enredos e personagens, ainda consegue manter a clareza e manter a atenção do espectador através da sua mestria. A trilha sonora também faz muito sucesso. Mas mais uma vez o ponto mais marcante continua sendo os diálogos e o tom do filme que oscila entre momentos sérios e outros mais leves ou mesmo francamente excêntricos.
Um incompreensível fracasso de bilheteria de sua época, Ajuste Final, no entanto, continua sendo uma das melhores joias da dupla famosa e um impressionante filme de gangster que não envelheceu nem um pouco.
Orion e o Escuro
3.3 72 Assista AgoraNa maioria das vezes a plataforma com o N vermelho une forças com parceiros como a Sony ou estruturas menores para produzir uma animação. Ainda não ao nível da Pixar (especialmente da antiga Pixar) ou da Illumination, fomos presenteados com algumas joias como “A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas” ou “Pinóquio” de Guillermo del Toro. Aqui, para “Orion e o Escuro”, a Netflix está se unindo à Dreamworks. Um estúdio que tendemos a esquecer apesar de ter sido o concorrente mais sério da Pixar no início dos anos 2000 com sagas como “Shrek” ou “Como Treinar o Seu Dragão”. E, mais surpreendentemente, encontramos por trás da caneta deste filme de animação Charlie Kaufman o autor dos roteiros de “Quero Ser John Malkovich” e “Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças”.
Uma chuva de inventividade que desenha uma constelação maravilhosa e terrivelmente agradável de se olhar. Órion, 11 anos, tem pavor de tudo. Ele tem medo de abelhas, do oceano, do valentão da escola e principalmente do escuro.
Isso é bom, porque "Escuro", a entidade suprema das trevas, fará de tudo para que todas as suas horríveis noites de ansiedade não passem de uma lembrança ruim.
O estilo gráfico é inovador e cheio de contraste. Comparado com algumas produções de grande orçamento, é noite e dia, mesmo que a técnica não seja perfeita.
Ideias inovadoras e super originais fazem deste filme uma explosão de cores e maravilhas a cada momento. É tudo uma questão de sutileza e a jornada de Orion pela noite nos transporta para esse mundo onírico com personagens cada vez mais malucos e únicos, com personalidades terrivelmente cativantes.
O tipo de filme que os pais poderiam apresentar para tranquilizar seus filhos assustados na hora de dormir. Uma ode à noite que nos deixava nostálgicos todos os dias ao amanhecer.