Mais uma cinebiografia de John Lee Hancock (Walt nos Bastidores de Mary Poppins e Um Sonho Possível) que foca no homem responsável pela incrível expansão da marca McDonald's que se tornou um verdadeiro império. Ele acreditou neste conceito inovador e não abriu mão de nada para torná-lo um negócio muito lucrativo, o que não era o objetivo principal dos seus criadores, que queriam simplesmente fazer deste negócio familiar um restaurante barato e prático. Este retrato de Ray Kroc não é lisonjeiro a nível humano, porque o vemos como um homem pronto a fazer qualquer coisa por dinheiro, mesmo que isso signifique negar os seus princípios e esmagar aqueles que se encontram no seu caminho. Por outro lado, a nível profissional, isso é outra coisa, porque os defeitos mencionados tornam-se qualidades e fazem dele um empresário formidável que administrou seu negócio com perfeição, aproveitando as oportunidades certas e contando com as pessoas certas. De qualquer forma, o bom é que é informativo. Esta história é edificante e inteiramente sintomática do indivíduo ou de pessoas do mesmo tipo. Basta pensar bem em como proteger suas próprias ideias ou invenções, antes de vê-las tomadas por pessoas vorazes do mesmo tipo, dispostas a tudo para fazer fortuna a ponto de esmagar logo de início os pobres e entusiastas ardentes. O longa nos leva a refletir sobre o que significa ter sucesso no conceito "American Dream". Não é apenas uma simples ilustração de um dos maiores sucessos do empreendedorismo moderno, é também uma oportunidade de estudar o perfil psicológico que está na origem de tal façanha: desenvolver uma franquia em torno deste conceito único e estendê-lo primeiro para o regional, depois para o nacional e global. É difícil, pelo menos para mim, considerar Kroc como outra coisa senão um pilantra oportunista e sujo, mas como o cenário mantém a neutralidade perfeita, imagino que seja tão possível vê-lo como um líder eficaz, que sabe tomar a decisão certa, sem ressentimentos, para o bem maior da empresa. Fome de Poder pode ser considerado clássico com uma história linear, mas o conjunto é bastante agradável de acompanhar e especialmente interessante se você não conhece os fatos detalhadamente.
No início do século XX, uma tribo indígena do Kansas, transferida pelo governo americano para uma reserva em Oklahoma onde comprou as terras, tornou-se extremamente rica devido à descoberta do "ouro negro". O eminente representante da autoridade administrativa procura apoderar-se da sua fortuna e todos os meios, mesmo os mais sórdidos. Baseado em um acontecimento real ocorrido na década de 1920, “Assassinos da Lua das Flores" segue com grande interesse. A reflexão sobre o pouco caso dedicado à causa indígena nos EUA, sobre o poder por vezes deletério do dinheiro (a melhoria das condições de vida anda aqui de mãos dadas com a chegada de uma comitiva interessada, hipócrita e manipuladora), a reflexão de Scorcese é um grande sucesso formal (fotografia, enquadramento, direção de atores e interpretação). A mecânica de ascensão e queda ao “estilo Scorsese” parecerá bastante conhecida (Os Bons Companheiros, Cassino, O Lobo de Wall Street), com algumas notas de humor muito bem transmitidas, mas realçadas pelo contexto geral e pela história contada. Uma forma de classicismo narrativo e formal em que o veneno inoculado se espalha aos poucos por todos os cantos do filme, até parecer imparável. Em termos de produção é impecável e é um prazer imenso admirar um filme de época ampla com uma reconstrução real. A fotografia é soberba, com flashes reais como a descoberta da fonte na introdução, um tiro de fogo visto através de uma janela, e muitos outros. Cada tomada é como uma pintura e me senti atraído por cada cena como se fizesse parte dela. E apesar das 3h30, é impossível ficar entediado ou encontrar barrigas. Scorsese impõe um ritmo calmo e assombroso a todo o seu filme, e isto através de uma encenação ainda tão precisa como sempre. Uma obra anti-espetacular onde o que mais se destaca não é a violência visual, mas sim essas tradições nativas americanas, tão raramente apresentadas. E sobretudo estas discussões, estes encontros presenciais que mostram os nossos protagonistas em toda a sua ambiguidade, a sua monstruosidade, a sua verdade. Scorsese tem até a soberba ideia de um epílogo que também questiona a forma de contar histórias no início do século passado. O respeito de Scorsese pela tribo Osage me faz respeitar ainda mais o homem. É uma história que ele realmente queria contar, e você pode realmente sentir o quão dedicado ele é em transmitir mensagens e temas fortes e em contar essa história importante. Contudo, não partilho da opinião de muitos críticos mais entusiasmados, pelo seguinte motivo: Em geral, achei que os personagens não foram desenhadas com muita subtileza e sobretudo não evoluíram ao longo do filme, o que leva a longos períodos de estagnação narrativa. Ernest, por exemplo, interpretado por DiCaprio, é um simplório sob influência que comete as piores atrocidades sem nenhum escrúpulo aparente: admito que tive dificuldade em entrar no jogo dele, marcado por um beicinho um pouco demonstrativo demais para o meu gosto. Poderia multiplicar os exemplos relativos às outras personagens, mas é sobretudo a representação que o filme faz da comunidade indígena que mais me perturba: passiva, quase cúmplice do seu próprio desaparecimento (como a personagem sacrificada de Mollie que parece perdoar o marido por o assassinato de suas irmãs) e monolítico. Eu teria gostado de uma fibra emocional mais marcante. Mas não importa, se Assassinos da Lua das Flores não é uma obra-prima ou mesmo um dos maiores de Scorsese, continua a ser uma excelente obra. Cinema de verdade.
Sinto necessidade de mencionar que Onyx, o Fortuito e do Talismã das Almas definitivamente não será para todos. Uma das descrições oficiais é bastante precisa: “passeio selvagem de magia e diversão com a mistura certa de adoração satânica e amizade”. O que se segue é uma espécie de episódio de Scooby-Doo, se Scooby e sua gangue fossem ocultistas ativos em busca de aliança com Satanás. Você tem que achar engraçado o personagem “Onyx, o Fortuito”. Ou pelo menos divertido e possivelmente até cativante à sua maneira bizarra. A melhor maneira de descrever Onyx e seu padrão de fala específico é compará-lo como uma espécie de Jack Black cruzado com Napoleon Dynamite e Eugene de The Walking Dead. Possuindo uma aparência física que se destaca, mas é quando ele fala, que você realmente descobre suas peculiaridades. Onyx é mais insano (por falta de um termo melhor) e fala rápido e com enfâse em praticamente cada final de frase, o que pode irritar, em vez de entreter. Convidado a participar de um ritual na mansão do luminar satânico Bartok, o Grande. Um dos cinco em todo o mundo com tal convite. É literalmente a melhor coisa que já aconteceu com Marcus Trillbury. Ônix. Ônix, o Fortuito. Se todos pudessem chamá-lo de Onyx, o Afortunado. É muito divertido, mas sua diversão depende 100% de quanto tempo você consegue achar o personagem de Andrew Bowser engraçado. Se os primeiros minutos não lhe agradam, não assista mais. Na verdade, mesmo que você ria alto cedo e com frequência, provavelmente as piadas longas e sinuosas testarão sua paciência. Ainda assim,o filme mantem um ritmo peculiar no padrão de fala e uma lógica que às vezes sai dos trilhos. Ainda assim, Onyx não se desculpa em muitos aspectos, o que eu gostei. Você verá vários monstros neste filme, e fico feliz em informar que os efeitos práticos também prevalecem. É exatamente certo para uma comédia de terror onde o tosco e o estranho são usados em momentos sombrios e demoníacos. No geral, este filme é realmente uma celebração de bizarrices de todo e qualquer tipo. Você precisa gostar do humor peculiar e exagerado para aproveitar esse filme. Bem, na maior parte, pelo menos. Como fã desse tipo de produção, posso definitivamente apoiar.
Uma espécie de testemunho múltiplo de uma veracidade quase perturbadora. Cento e vinte e oito minutos de autenticidade e pureza, durante os quais se conta uma história que poderia ser a de todos nós. A história do destino. A história de uma vida que vira de cabeça para baixo, atrapalhando a vida de diversas outras pessoas. O cenário tem todos os ingredientes de uma tragédia grega. Na verdade, o filme fala sobre luto, culpa, perdão e resiliência, mas também, sobre vício. Assuntos pesados que “Uma Boa Pessoa” consegue tornar bonitos e comoventes sem serem muito emotivos ou pesados. Quase estaríamos num filme alegre se o cenário não fosse tão dramático, mas a mensagem de esperança e as boas novas estão muito presentes e significativas. Ficamos profundamente emocionados graças a várias sequências mas o toque final, sem cair num mau final feliz, é talvez o de maior sucesso. Se o assunto é difícil, nunca cai no pathos ou no choro excessivo e é isso que lhe confere toda a sua beleza e valor: a emoção surge naturalmente, mesmo que às vezes seja através de alguns momentos, passagens obrigatórias. Além disso, o filme ataca os laboratórios farmacêuticos e fala implicitamente sobre a crise de opioides da qual eles são culpados. O que torna este filme ainda mais relevante e divertido. A produção é simples, mas eficaz. Temos uma bela fotografia com um ambiente agradável. Mas uma das maiores qualidades do longa-metragem do realizador é, sem dúvida, sua atriz principal. Tem muito a ver com a imersão que ocorre para o espectador neste drama onde pairam a morte, a ausência e a falta. Ela personifica a difícil reconstrução de si mesmo após uma tragédia pela qual se sente extremamente culpada. Através de suas escolhas, surge uma atriz com um pedigree cada vez mais impressionante. A menor palavra que colocamos em sua boca e o menor gesto que pedimos que ela execute, ela se transforma em um momento de graça e nos hipnotiza. Ao lado dele, os papéis coadjuvantes são igualmente bem escritos e permitem-nos destacar, incluindo Morgan Freeman, que há muito tempo não víamos tão bem. O Sr. Freeman, que acompanho há anos, ainda é excelente, e certamente veremos a atriz Florence Pugh novamente em um grande filme com o seu nível de atuação em franca ascensão. De longe. “Uma Boa Pessoa” é certamente um melodrama puro, mas um melodrama com a maioria dos pontos fortes e qualidades essenciais que este tipo de filme pode conter. E, acima de tudo, é claramente uma bela obra que não te deixa indiferente.
Nicolas Cage regressa à vanguarda e não com mais uma série B assistível com acidez, mas sim numa produção A24, sinónimo de qualidade para muitos. O realizador nos leva a uma jornada fascinante e às vezes desconcertante com “O Homem dos Sonhos”, um filme que mistura sutilmente o realismo mágico com uma sátira comovente da sociedade midiática contemporânea. Com um elenco sólido que inclui Nicolas Cage, Julianne Nicholson e Michael Cera, o diretor nos mergulha no mundo de Paul Matthews, um professor comum cuja vida dá uma guinada extraordinária quando ele se torna protagonista dos sonhos de milhões de pessoas. Nicolas Cage desempenha brilhantemente o papel complexo de Paul Matthews, trazendo profundidade emocional a um personagem que passa de uma existência comum a uma celebridade sobrenatural. O espectador é convidado a explorar as nuances da psique de Paul enquanto ele faz malabarismos com as implicações de sua fama recente. O roteiro engenhoso brinca com os limites da realidade e da imaginação, oferecendo momentos ora cômicos, ora profundamente reflexivos. A narrativa explora habilmente as consequências da fama instantânea, ao mesmo tempo que levanta questões sobre a natureza da realidade e dos sonhos. O diretor consegue manter um delicado equilíbrio entre o absurdo e o comovente, oferecendo uma experiência cinematográfica rica em emoção. Apoiado por uma excelente Julianne Nicholson como parceira de Paul e Michael Cera em um papel enigmático adiciona camadas adicionais à trama. Suas performances ajudam a reforçar a credibilidade de uma narrativa que poderia facilmente se transformar em extravagante. A direção de arte e a fotografia criam um mundo visualmente cativante, oscilando entre a normalidade e o surrealismo. As cenas de sonho são particularmente impressionantes, transportando o público para um espaço onde a linha entre a realidade e a ilusão se torna confusa. No entanto, “O Homem dos Sonhos” às vezes pode deixar o espectador com mais perguntas do que respostas. A natureza enigmática do filme pode ser ambíguo, mas é também o que o torna memorável. A conclusão, embora surpreendente, pode não satisfazer todos os gostos, mas convida à reflexão muito depois de a tela escurecer. “O Homem dos Sonhos” é uma obra ousada e original que transcende os gêneros convencionais. Impulsionado por atuações convincentes, um enredo inteligente e uma direção artística impressionante, o filme oferece uma experiência cinematográfica única. Borgli consegue capturar a essência da fama e da realidade de maneiras inesperadas, convidando o público a questionar a própria natureza dos seus próprios sonhos. Uma obra intrigante que merece ser explorada pelos fãs de filmes ousados e provocativos.
Sem concessões, a quarta colaboração entre Leonardo Di Caprio e Martin Scorsese é um estudo meticuloso e impressionante da moral atrevida no mundo das finanças, desde a época em que todos os excessos eram permitidos aos poderosos comerciantes de Wall Street. A história, misturando ritmo e densidade, flutua em um oceano de dinheiro e nos mostra a vida dos altos traders de Nova York entre o afresco da bolsa e o humor negro. Quer você ame ou odeie Scorsese, seus filmes são sempre grande marcos e aqui o resultado surpreende pelo seu virtuosismo e insolência. Não é apenas um filme sobre Wall Street, nem é um filme sobre uma instituição financeira, é sobre a atitude das pessoas neste ambiente, sobre a natureza mais sombria da humanidade, sobre esta necessidade que temos de consumir e adquirir tanto quanto possível sem se preocupar com as pessoas ao redor. Como de costume, Scorsese não descuida de nenhum personagem durante as 3 horas de exibição. Com um personagem sem limites como Belfort, Dicaprio sempre magistral, transmite de forma brilhante essa decadência, através de uma gama fenomenal de emoções. Seu personagem totalmente insano é, até hoje, uma de suas performance mais surpreendente. Destacamos notavelmente um ótimo Jonah Hill como principal associado de Belfort, a excelente Margot Robbie no papel de sua esposa. Jonh Bernthal (Shane em “The Walking Dead”) no papel de Brad Bodnick, amigo de confiança do Jordan Belfort. O bom senso de Scorsese passar o papel de um banqueiro suíço para o premiado Jean Dujardin, um francês, e não um americano, o que proporciona algumas cenas bastante engraçadas que brincam com a "discrepância" e a barreira linguística. Ou mesmo o impressionante Matthew McConaughey que agracia o filme com uma aparição sensacional. Em suma, O Lobo de Wall Street é uma obra-prima como poucas, é sublime ver um diretor que se diverte e se vangloria das situações mais incríveis e que não hesita em apontar o lado trash do mundo Hollywood e Wall Street. Leonardo DiCaprio no auge de sua arte e inegavelmente extraordinário como um perfeito satírico de si mesmo, que multiplica as citações travessas e ações que são, no mínimo, burlescas. Se você valoriza a moralidade, siga seu caminho porque este filme é deliciosamente impuro e agradavelmente excessivo.
Última colocada no ranking da FIFA, e com o doloroso histórico de ter sofrido a pior derrota da história do futebol internacional (31 a 0 em 2001 contra a Austrália), a pequena seleção da Samoa Americana, recebeu reforço em 2011 do técnico Thomas Rongen (um ex-jogador holandês), caindo de pára-quedas nesta ilha após maus resultados nos Estados Unidos, mas também devido ao seu carácter rude, ranzinza e raivoso. Depois deste recorde mundial, relegada ao último lugar entre as seleções de futebol das nações e ainda à espera de marcar um gol nas competições internacionais, a equipe foi designada pela primeira vez a um treinador europeu, para voltar aos trilhos e, porque não, finalmente vencer uma partida. Essa história já foi tema de um documentário que inspirou o realizador neozelandês Taika Waititi para seu novo filme de ficção. Com o seu humor bem atípico, Quem Fizer Ganha não é apenas um longa-metragem desportivo, bastante bem filmada, mas um mergulho na cultura de um território do Pacífico, com uma filosofia de vida bastante distante da dos países ocidentais. O filme pretende ser entretenimento e consegue perfeitamente o seu objetivo, com alguns personagens bastante pitorescos formando esta equipe inusitada. Para além do bom humor geral, o filme mostra também, sem insistir, outros lados menos róseos da Samoa Americana, como a fuga constante da sua população mais jovem que não consegue encontrar oportunidades para o seu futuro. Desde o início, os personagens que compõem esta equipe de futebol totalmente desajeitada, bem como os locais que os rodeiam, surpreendem-nos com a sua originalidade, as suas boas vibrações e os seus costumes aloha. Eles são literalmente adoráveis. A maior parte do humor vem da lacuna cultural, até mesmo do choque, entre os habitantes desta ilha no fim do mundo e este treinador alcoólatra furioso e ferido pela vida. Um personagem interpretado por Michael Fassbender feliz por estar ali e por tocar uma trilha mais leve que o normal. Muitas das piadas funcionam e pelo menos nos fazem sorrir sem cair na zombaria mas, ao contrário, com muita empatia e um olhar profundamente respeitoso e amoroso. É um humor engraçado que nos faz sentir bem e que nos reserva alguns momentos muito cômicos. Um momento cinematográfico muito bom, comovente, pitoresco, divertido, refrescante e exótico, tudo embalado num pequeno cenário paradisíaco perdido no meio do Pacífico Sul, que não estraga nada visualmente, muito pelo contrário. “Quem Fizer Ganha é o filme perfeito para lembrar como Taika Waititi pode ser um craque ideal quando joga em casa, em seu campo preferido. Ele próprio de origem Maori, apresenta uma brilhante viagem à cultura polinésia e esta capacidade de combinar o absurdo com a emoção numa osmose permanente. Humor e bons sentimentos em abundância. Que bela aventura humana para ser ser conhecida pelo público. Mais do que o suficiente para ter um bom momento de distração.
Mistérios de assassinato geralmente são divertidos. Mesmo que o enredo pareça subdesenvolvido ou os personagens pareçam um pouco fracos, permanece o impulso para descobrir a verdade. Quando se revela que os assassinatos são obra de um serial killer, essa fome de conhecimento se torna ainda mais intensa. O filme simplesmente flutua letargicamente de um ponto da trama muito familiar para outro, com o realizador lutando para gerar arrepios com um material que já foi feito antes, e com muito mais sucesso. Os personagens também não são particularmente envolventes e têm pouca ou nenhuma história de fundo para nos ajudar a nos preocupar com eles ou com o que está acontecendo com eles. Malkovich está absolutamente fantástico como o papel de um serial killer que brinca com a polícia. Sua atuação é muito intensa e o personagem que ele transmite ao espectador é um dos destaques do filme. Com isso dito, eu não estava me sentindo Martin Lawrence e Melissa Roxburgh. Ambos apresentam performances decentes, mas seus personagens são dolorosamente genéricos e esquecíveis. Sinceramente, gostaria que alguém com um pouco de intensidade fosse escalado para um desses papéis para levar o filme um pouco mais longe do que foi. E embora o filme tente animar o processo com toques de magia negra, o que ele realmente precisava era de um enredo menos derivativo. Todo o projeto é feito de forma tão amadora que é difícil acreditar que tenha sido concluído. Claro, há alguma diversão aqui, mas não acho que seja exatamente da maneira que os cineastas pretendiam. A dependência de tantos tropos familiares não seria um grande problema se o filme fosse bom, mas o ritmo do filme é tão estranho que é difícil esquecer o fato de que você já viu e ouviu muito disso antes. Toda a intriga assustadora em torno da maneira como o assassino lida com suas vítimas se perde no fato de que o roteiro parece não conseguir descobrir quais informações são importantes para contar e quais não são. Em última análise, a maior queda do Gaiola Mental é que ele se esforça demais para fazer um filme sobre imitadores, copiando os grandes filmes que já percorreram esse terreno antes. Os mistérios geralmente são emocionantes, mas este decididamente não é.
Do título bem satírico, você tem o tom do filme. Corajoso, irônico e resiliente, somos apresentados à trágica história de um designer que ficou incapacitado após um acidente de carro devido ao alcoolismo. Longe de ser moralista, o personagem de Joaquin Phoenix (retirado da história real do referido cartunista) é um exemplo de luta para assumir o controle da própria vida apesar dos obstáculos muitas vezes terríveis espalhados por toda parte. O realizador permite um espaço para a trama existir e transmitir sua própria mensagem. John Callahan é um cartunista americano provocador e irreverente. Um artista sem limites com desenhos satíricos, engraçados e ácidos. Para homenagear este homem falecido em 2010, Gus Van Sant (Milk: A Voz da Igualdade e Gênio Indomável) fez um filme à sua imagem. Não se trata de uma cinebiografia que lamenta o destino do personagem que fica paralisado após um acidente de carro, mas sim uma sátira de humor negro que aborda diversos temas, incluindo deficiência e principalmente alcoolismo. Dois assuntos relacionados, porque se ele se encontra nessa situação é por causa do problema com o álcool, mesmo que não estivesse ao volante do carro. Este homem viveu uma vida muito rica, então há muita coisa acontecendo. O diretor pinta um retrato cheio de ternura e sensibilidade, mas não posso dizer que me emocionei em um único momento. O casting claramente salva tudo, pois caso contrário, é a trágica história de um alcoólatra que aos poucos recupera o gosto pela vida. Joaquin Phoenix representa plenamente suas habilidades, brilhando com credibilidade e imediatamente nos apegamos ao seu personagem, por mais mal-humorado que seja. Um retrato de John Callahan, construído aos poucos, com suas incessantes viagens ao passado, aparece primeiro como um rascunho antes de revelar sua verdadeira natureza, o esboço de uma redenção após uma longa jornada através de um inferno alcoólico. Rooney Mara é filmada de uma forma muito bonita, ela passa pelo filme como uma miragem, esse talvez seja o objetivo, por outro lado Jonah Hill naturalmente tem um perfil cômico, seu desempenho contra a corrente é ótimo. No início não foi fácil vê-lo como uma espécie de guru, mas no final acertou em cheio. Jack Black e também em seu perfil cômico combina maravilhosamente com o papel de festeiro que lhe é atribuído, mesmo que mais tarde ele acrescente sutileza à sua atuação. Em suma, o filme está longe de ser desagradável. A jornada que John encara nos convida a fazer dentro de nós mesmos. Que percebamos que O essencial está profundamente enterrado em nós e que devemos reservar um tempo para ouvi-lo. Mesmo que não produza nenhum som.
Folhas de Outono retrata a história de duas almas angustiadas, esmagadas pelo nosso mundo, pela solidão, pelo capitalismo e que de forma modesta, se unirão. Formalmente, é um filme magnífico, não pela sua história bastante clássica em si mas pela profundidade dos personagens que conseguem encontrar-se num silêncio magnífico e digno. Embora a ação ocorra nos dias atuais ou mesmo em um futuro próximo, parece que estamos voltando à década de 1950 porque o cenário está muito desatualizado. Excelentes cenas que lembram pinturas realistas da solidão na contemporaneidade e capturam perfeitamente a melancolia latente que habita os personagens. O enredo é simples, tendendo à pureza mesmo que haja passagens particularmente divertidas. A história de amor emergente é comovente apesar de uma certa frieza que corresponde a uma estética muito nórdica. Embora o filme permaneça talvez demasiado clássico na sua narração, com uma declaração bastante esperada sobre o alcoolismo, ainda assim permanece imbuído de uma poesia inegável. Kaurismaki é um cineasta finlandês e um autor de outra época que consegue falar do mundo contemporâneo filmando um passado fantasiado. Talvez seja um pouco educado demais e, finalmente, espera-se que convença totalmente, mas ainda assim permanece particularmente agradável. Em última análise, Folhas de Outono é um conto de extraordinária delicadeza. Se não é possível escapar para além das fronteiras de Helsinque, devemos admitir que o grande sucesso da obra reside na sua fuga simbólica e sensorial. Kaurismäki prova assim que é capaz de “oferecer um futuro à humanidade” com uma história de amor que só faz sentido quando se renuncia ao seu próprio isolamento. As cores são sempre muito bonitas e algumas cenas verdadeiramente comoventes nos ligam aos dois protagonistas. Para completar, a mensagem é útil e dá esperança apesar da aparente tristeza retratada. É de alto nível cinema, inenarrável em uma palavra.
Com o imenso sucesso das duas primeiras obras, os produtores acharam por bem reiterar as desventuras da delirante família Ubriacco. Mas os jovens atores mirins cresceram e por isso devem ser substituídos. Então, em vez de fazê-los voltar a falar mentalmente (uma marca registrada da saga), é a vez de seus novos animais de estimação pensarem e falarem como adultos. Tendo como pano de fundo a época do Natal, o filme infelizmente é o de menor sucesso: menos inventivo, desta vez com piadas mais lentas, por um lado, mas ainda temos Kristie Alley e John Travolta que estão cada vez mais atolados em seus personagens, mas cuja alquimia ainda funciona tão bem e depois nas vozes dos cachorros, temos Danny DeVitto e Diane Keaton com todo humor, ternura e suspense com o bônus adicional da simpática música do astro infantil francês da época, Jordy, onde canta It's Christmas, C'est Noel (escrita por seu pai) e é ele quem entra pela chaminé quando o Papai Noel não consegue passar pelos canos. O tipo de comédia feita para as comemorações de fim de ano, que pode conter atrativos tanto para os mais velhos quanto para o público jovem. Eu aprecio muito o filme porque contém os bons ingredientes de uma comédia romântica do final dos anos 80/meados dos anos 90, é leve, descontraído, nunca se leva a sério e faz muitas coisas que hoje seriam considerariados "envelhecidos". Olha Quem Está Falando Agora é cheio de cenas malucas e surpreendentes. Porém, mesmo com meu olhar adulto descubro que ainda reflete a classe média da América daquela época, sem muita caricatura, e traz um toque mais autêntico do que alguns outros sucessos do tempo. Não existem caricaturas psicológicas grosseiras, por exemplo nas personagens dos pais, ou nas relações que mantêm com os filhos, apenas para fazer rir o público-alvo e também dar origem a algumas situações bem cômicas. Em suma, uma comédia familiar agradável que completa uma bela trilogia homogênea
Nas profundezas da floresta em Oregon, nos EUA, um pai (ex-veterano de guerra) e sua filha adolescente formam uma comunidade autônoma, com regras e filosofia próprias. Thomasin é um adolescente doce e inteligente. Além da arte de sobreviver, seu pai lhe transmitiu sólidos conhecimentos. Ambos vivem ilegalmente em um parque nacional próximo à cidade de Portland. Mas um dia eles são expulsos do acampamento. Os serviços sociais oferecem-lhes então um teto sobre as suas cabeças, uma vida "normal". Este amor filial e esta vida na natureza são captados pela realizadora com rara delicadeza e ela consegue dar substância aos demonios do pai: acreditar que ele está a fugir seus pares, o "O ex-soldado quer acima de tudo escapar de seus pesadelos." Thomasin, por outro lado, não busca escapar. Ela desfruta da liberdade de sua existência evasiva e floresce tanto na proximidade da natureza quanto em contato com outros. Adaptado de um romance baseado em uma história real, este belo filme destaca a América das "margens", povoada por aqueles que ficaram para trás ou voluntariamente esquecidos, seguidores do decrescimento. Seres que, como Thomasin e seu pai, prefirem não deixar rastros. A realizadora americana centra-se no retrato de pessoas marginalizadas, um pai e uma filha, ligados por uma relação estreita. Debra Granik dá apenas o mínimo de informações sobre o passado de seus protagonistas. É frustrante, mas racional, dado o desejo de ambos os personagens de se excluirem da civilização. O filme não julga, é benevolente, seja para esses eremitas voluntários, seja para as pessoas “normais” e conformistas que os encontram quando saem da floresta. A pressão social é forte, mas é um fato, como se houvesse uma vontade geral de mostrar que só há um caminho a seguir, que passa pela aquisição de uma casa, de um carro ou de um telefone. "Sem Rastros" não clama por a recusa do consumo e não se transforma em defesa ecológica, pelo menos não explicitamente, mas simplesmente mostra que escolher a própria vida e ter liberdade de pensamento não é tão fácil quanto parece. O filme não pretende demonstrar nada, contenta-se em mostrar um pai e sua filha, um pouco diferentes do mundo que os rodeia, através de uma ficção que não recusa o romântico, mesmo num modo minimalista. E só podemos ser cativados pela interpretação luminosa do jovem neozelandês Thomasin Harcourt McKenzie, ao lado de um muito sóbrio Ben Foster. A grande qualidade deste filme é a ausência de “pathos”: são poucos os diálogos entre o pai e a filha e tudo se passa através de olhares, gestos, expressões faciais com um ar muito sóbrio. Observe duas belas imagens metafóricas: a da aranha e sua teia, e a da colmeia com abelhas potenciais perigosas para os humanos. Um filme muito nobre, todo na contenção, na delicadeza, isolado do mundo ou no meio de “marginais” benevolentes e cativantes.
Amores Canibais é um filme atmosférico, o tipo de produção que você se adapta de acordo com sua personalidade, seu humor e sua mente aberta cinematográfica. O que não podemos tirar disso é uma atmosfera única que consegue se destacar da generalidade de filmes B genéricos de contexto pós-apocalíptico. Na verdade, é agradável à vista e artisticamente, e somos brindados com algumas sequências de rara beleza, embaladas numa trilha sonora de melhor efeito entre sucessos dos anos 80 e 90 (a cena da festa no deserto é admirável neste aspecto). E esta obra também consegue não ser pretensiosa ou enfadonha no seu lado mais autoral, aspecto que acaba por se enquadrar bem nas restantes, formando assim um todo bastante coerente, embora imperfeito. Uma curiosidade agradável e surpreendente que nos premia além de dois convidados de luxo em papéis totalmente ilustres: Jim Carrey e Keanu Reeves. Amores Canibais poderia ser considerado incrível, ou até mesmo marcado a sua época, mas que deixará um gostinho de decepção. O que lhe torna significativo é sua premissa básica e o universo que ele consegue criar. Num mundo distópico, os “indesejáveis” são enviados para o exílio no deserto, deixados à própria sorte. Formam-se então comunidades, com regras e éticas diferentes que perseguem o mesmo objetivo: sobreviver. A reflexão que isso pode gerar nas relações humanas, na moralidade, na construção de uma civilização é infinita. E, infelizmente, o filme atrapalha tudo isso com um enredo quase inexistente. Não é incoerente, nem mal escrito, mas verdadeiramente ausente. A gama de personagens, cada um mais interessante que o outro, é subexplorada por um filme em que absolutamente nada acontece. No entanto, se devemos reconhecer na realizadora um verdadeiro sentido de imagem e um talento de realização que explora maravilhosamente os silêncios e pensamentos de seus personagens, faltava-me algo a que realmente me agarrar nestas múltiplas travessias do deserto. A intriga, uma história de amor emergente não é suficiente para nos fisgar. Pena porque associado ao ritmo contemplativo do todo, às vezes flertamos com o soporífero. Talvez eu não seja “experiente” o suficiente para apreciar isso, também é possível. Amores Canibais não agradará a todos, isso é certo, mas se você encontrar as chaves para a grande viagem que ele oferece, a experiência pode valer o esforço.
No local onde cresceu, Thelonious Ellison, mais conhecido como Monk, viu a sua vida privada e profissional colidir apesar de ter saído deste local para se concentrar na sua profissão, mas também para se proteger desta difícil realidade familiar que não queremos enfrentar diariamente. Ele é deparado com um dilema moral, pois deve escolher entre se enquadrar nos moldes, ganhando o dinheiro que precisa graças a um produto que odeia, ou manter sua integridade e todos os seus problemas. Modesta e terna tragicomédia americana, admiravelmente fazendo jus ao seu nome: os estigmas e os tiques recorrentes das relações raciais na sociedade americana são descritos com delicadeza, com os afro-americanos reproduzindo os reflexos racistas dos quais eles próprios são vítimas. A acusação é executada com maestria por um ator que muitas vezes é subutilizado e aqui está no seu melhor: Jeffrey Wright. “Ficção Americana” parece ser a proposta mais moderna e engenhosa de como as dinâmicas raciais evoluem ao longo do tempo e no que resultaram hoje. Uma obra claramente na época e que se permite visar o establishment e a forma como a questão racial é explorada na indústria literária ou cinematográfica. Também uma comédia mordaz, um formidável e complexo questionamento da literatura e do dilema do escritor intelectual e condescendente. Permite-nos assim abordar com mais profundidade a personalidade do herói e o papel da escrita, da ironia feroz e do travestimento como válvula de escape. Teremos entendido também dá questão de identidade, múltipla. Se a produção não inventa nada, permanece limpa em sua narração clássica, acompanhada de boas músicas. Existem também algumas extensões, embora as subtramas relativas ao personagem principal e sua vida amorosa ou familiar sejam muito bem-sucedidas entre a emoção e a introspecção pessoal. A encenação é certamente também um pouco clássica e nada surpreendente, mas é no seu tema principal subjacente que esta “Ficção Americana” nos apanha e nos surpreende. Sem dúvida, a lufada de ar fresco nestes Oscars.
Uma fábula poética espacial cujo tema está menos na pesquisa científico-existencial do que nos grandes mistérios da vida de um casal e da beleza humana através desta criatura que tenta compreender as nossas emoções e as do personagem principal. O Astronauta tem uma bela produção e navega constantemente entre o drama introspectivo e a pura ficção científica. Se há mensagens bonitas entregues, por outro lado é necessário manter o ritmo muito lento das filmagens, quando é realizado o momento é agradável, principalmente quando a aparição engraçada de um "Ser" faz sua entrada entre o espanto e o humor. Para quem está se perguntando se deveria assistir “O Astronauta” porque está procurando um filme de ação no espaço, a resposta é não. Na realidade é um filme intimista com um grande orçamento e que pode desestabilizar mais de uma pessoa. Sou daqueles que se perguntam se esta mistura de genialidade e ideias baratas (filosofia simplista?) é completamente voluntária por parte do realizador. Também me pergunto se a filosofia deve necessariamente ser complexa para ser relevante. Se o entrelaçamento de questões de solidão, perda, nossa finitude e também a do universo ainda funciona. Por mais que tente decidir, não consigo, porque penso que não é objetivo deste filme tentar fornecer uma lição empírica que nos permita responder a estas questões. Já vimos melhores, isso é certo, mas gostei muito da atmosfera particular deste filme, e é sempre bom ter a confirmação de que Adam Sandler sabe interpretar perfeitamente algo diferente do idiota atípico, além da frequência de voz do Paul Dano que é muito legal atrás da criatura. Muitas perguntas ficarão sem resposta, algumas exercitarão o cérebro e a imaginação do espectador, outras parecerão um pouco triviais apenas para confundir a mente. Mas se nada funciona do ponto de vista científico não nos importamos porque o objetivo não é popularizar nada, e no final das contas é possível dizer a nós mesmos que um filme que é tão gentil com o espectador, bem, é muito, muito bem-vindo e apreciável. Apesar da falta delicadeza para fazer um grande filme, tudo é original o suficiente para merecer ser visto por quem quer uma pequena viagem introspectiva para relembrar o essencial. No final, podemos encontrar o que procuramos mesmo que falte muita coisa para fazer do O Astronauta um clássico.
No mundo implacavelmente competitivo das bailarinas, Darren Aronofsky assina um thriller de fantasia diabolicamente opressivo, com conotações horríveis e um simbolismo pesado. O realizador eleva outra arte corporal ao posto de sofrimento máximo, sempre em uma busca absoluta pela perfeição."Cisne Negro", sem dúvida, uma das obra-primas do ano de 2010. Natalie Portman desempenha o papel de sua vida, que a levou para o caminho de um ao Oscar Indiscutível. O de uma dançarina sempre sob seu controle mãe possessiva, pronta a fazer qualquer sacrifício, para obter o papel principal do Lago dos Cisnes ao som da famosa música clássica de Tchaikovsky. É cinema sensorial, onde o som e imagens fundem-se numa apoteose artística de primeira ordem. Aronofsky e a sua encenação giratória transportam-nos para os abismos de uma alma obsessiva, vítima de paranóia aguda, cujo lento declínio mental encontra o seu clímax no confronto da sua catarse. Natalie Portman, febril, sensual, aterrorizante, frágil, dolorosa, oprimida, revela toda a gama de emoções reprimidas. A extraordinária atriz Mila Kunis representa seu lado negro, por vezes agradável, ameaçador ou fantasiado. Vincent Cassel se encaixa muito bem como um mestre de balé assustadoramente exigente. Darren Aronofsky dirige um filme sombrio, violento, duro e totalmente eficaz, a encenação, direção, cenários, figurinos e principalmente a música estão perfeita sintonia. Algumas passagens são absolutamente assustadoras e angustiantes, até mesmo Aronofsky consegue fazer-nos sentir esta opressão permanente seja através do uso da sua câmara giratória, através de metamorfoses ou mesmo do uso frequente e repetitivo da clássica música. Nina é escolhida para interpretar não só o cisne branco, mas também o cisne negro do famoso balé. Surge então a questão de saber interpretar 2 papéis opostos e contrários e sobretudo como interpretá-los perfeitamente. O domínio do corpo levará à perda da mente. É, portanto, esta dupla interpretação combinada com o desejo de perfeição de Nina que sela definitivamente o seu futuro esquizofrênico. A presença de uma rival, idealizada por Nina, será apenas um catalisador, um acelerador. Um filme que não agradará a todos, pelo seu ambiente particular, mas que irá agradar aos fãs do autor. .Um grande tapa cinematográfico na cara.
Um faroeste crepuscular que narra de forma muito poética os últimos dias da lenda do velho oeste americano, Jesse James. O título do filme não é tão longo por acaso, pois em vez de ser uma simples cinebiografia, o realizador busca imortalizar seus personagens em cada cena. O filme centra-se na relação ambígua com Robert Ford. A admiração que este tinha por Jesse James quando era mais jovem se transformará em puro fanatismo que acabará obcecando-o a ponto de querer absolutamente se tornar um novo Jesse James. Rico nesta complexidade, o longa-metragem se apresenta com uma melancolia homogénea que lhe confere toda a sua coerência. O cineasta neozelandês captura toda sua genialidade, iconizando Jesse James em um piscar de olhos, capturando o fluxo do tempo de uma forma quase perturbadora, tornando-se orgânico e estelar alternadamente. Se por vezes foi criticado por ser um pouco obtuso, pouco sincero, é sem dúvida por esquecer que filmava uma mentira, uma ilusão. A sua imagem, muito trabalhada por lentes grande-angulares para capturar imensas e belíssimas paisagens naturais, admite para si a falsificação que se produz quando contamos uma história, sem anular a força de uma história que se sabe imprecisa mas que a utiliza para traçar recantos de dúvida, mistério e humanidade reprimida. Desta história de fascínio que se transforma em ódio e de necessidade de matar o próprio modelo para existir, o diretor extrai as melhores questões, lembrando que é sobretudo a história dos homens que enfrentam o seu destino. Lamentamos que ele se demore em passagens desnecessárias destacando protagonistas que não são úteis à trama, momentos esses que pesam no todo e atrapalham o ritmo. Porém, diante da excelente interpretação de Brad Pitt e da atuação fascinante e cheia de nuances do então, prodígio, Casey Affleck, só podemos nos curvar. Em suma, O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford é mais um drama romântico do que um faroeste, O ritmo do filme de Andrew Dominik é meditativo, contemplativo mas lento, nunca, porque o tédio está totalmente ausente, pois cada cena exala poder, beleza e faz sentir o seu carácter essencial. O suspense não tem lugar aqui, é uma verdadeira tragédia no sentido de que conduz os personagens a um fim conhecido por todos, a um destino inevitável. O filme atinge uma espécie de abstração no momento indefinível em que os personagens, por mais fascinantes que sejam, parecem dominados por uma ressonância superior, por aberturas metafísicas universais. Uma verdadeira meditação sobre a morte e a imortalidade está surgindo diante dos nossos olhos. A rigor, não há heróis neste filme, apenas personagens mais ou menos podres por dentro que, mais cedo ou mais tarde, acabarão pagando o preço. Além do enredo complexo e claro, o filme é impecavelmente dominado por seu diretor (esplêndida imagem e sentido do enquadramento trabalhado), a trilha sonora puramente fascinante, fundindo-se na imagem como nunca antes, suspendendo o curso do tempo como se o mundo fosse tocado na sua matriz. O ritmo da história depende desta partitura variada mas muito coerente, quase tanto como da narração e dos enquadramentos contemplativos de uma natureza que continua incansavelmente o seu ciclo. Comovente, com uma originalidade transbordante, O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford é um magnífico filme de grande riqueza com qualidades cinematográficas inegáveis que o transporta por quase 2 horas e 40 minutos para uma verdadeira faceta de idolatria e paixão.
Terceira cinebiografia dirigida por Tom Hooper (que mais tarde dirigiria o musical "Les Misérables"), O Discurso do Rei tem a principal particularidade de se concentrar apenas em um momento muito curto (2 anos entre a abdicação de seu irmão e o famoso discurso) da vida de George VI. Aqui estamos exclusivamente num uso extremamente inteligente do uso de imagens e da edição para criar uma emoção forte já exacerbada pelas situações familiares e pelo extraordinário contexto europeu da época. A amizade entre o futuro monarca, considerado impróprio para o trono por ser gago depois de uma infância difícil, e Lionel Logue, o homem culto que o ajudou a ter uma boa fala para se expressar em público. A interpretação de Colin Firth é excelente como um indivíduo que sonha ser comum e que se vê rei da Inglaterra, dotado de uma gagueira muito embaraçosa enquanto a comunicação moderna começa a ganhar importância na vida política e, ainda mais, na guerra que ameaça. A interpretação de Geoffrey Rush é ainda mais esplêndida, como fonoaudiólogo de origem australiana com métodos pouco ortodoxos. Os diálogos acrescentam regularmente toques de humor e permitem-nos realmente apegar-nos a estas duas personagens ligadas por um profundo respeito próximo da amizade. Embora sofrendo de um academicismo ligeiramente latente, que contém uma série de características intrínsecas que podem ser consideradas qualidades. Isso é evidenciado por uma encenação refinada que serve uma atmosfera de primeira linha da Inglaterra entre guerras, um elenco de apoio em impecável atuação e um cenário admirável, rico em anedotas, para uma obra longe de ser apenas anedótica. No final, quando pensamos neste filme, 12 nomeações para os Oscar que, na minha opinião, não são exageradas. O Discurso do Rei não só é cuidadoso e eficaz, mas acima de tudo é forte na emoção, mantendo toda a reserva e dignidade que acompanham este tipo de filme, apresentando um equilíbrio perfeito entre, por um lado, um profundo respeito e grande honestidade e, por outro lado, um desejo satisfeito de perturbar as regras da realeza inglesa. Uma cinebiografia grandiosa e magistral da qual recordarei especialmente o último encontro cara a cara entre "Bertie" e Logue para o discurso final, um grande momento do cinema. Uma joia pura da qual fui cativado. Sem dúvida um longa-metragem de sucesso, sério e leve, que poderia ter sido menos acadêmico.
No cenário cinematográfico contemporâneo, poucos filmes são capazes de transcender o simples entretenimento. As quase três horas que dura o filme passam em uma velocidade incrível. Os duelos verbais viciantes, as conspirações, os planos amplos que sublimam este universo e as peças de bravura que se impressionam sucedem-se a boa velocidade. Em termos de grande espetáculo, a sabotagem das colheitadeiras, os passeios nas minhocas gigantes ou mesmo a luta final são imponentes e enchem os nossos olhos, recompensando a nossa sede de espetacularidade e magia. Mas Villeneuve nunca sacrifica a substância pela ação. O subtexto político do filme é muito forte. Podemos ver aqui certas reminiscências do regime nazista ou do conflito Israel-Palestina. Ou mesmo qualquer povo sob ditadura ou governado por interesses nebulosos. Assim como o aspecto religioso. Aqui estamos falando de fanatismo e doutrinação que se tornou um sucesso de bilheteria para todos os públicos e não é tão frequente. Entre geopolítica, guerras religiosas, fanatismo e doutrinação, o longa-metragem surge não apenas como ficção científica, mas como uma verdadeira crítica ao mundo e às suas falhas. Ao abordar também temas como ecologia e superexploração, a obra revela toda a extensão do projeto de Frank Herbert. Em suma, a adaptação do romance “Duna” em 2 filmes de Denis Villeneuve é um sucesso retumbante. Os dois longas-metragens se encaixam perfeitamente como um quebra-cabeça e nos oferecem uma experiência cinematográfica de alto nível. O filme ganhará força graças à fluidez de certas cenas e ao talento incomparável de Denis Villeneuve para a ficção científica. Curiosamente, a batalha final, apesar da duração do filme, é bastante desleixada, e sentimos uma certa pressa no desenrolar da história, pouco antes de concluir. E finalmente percebemos que Duna é uma trágica história familiar, onde a traição e o poder desempenham os papéis principais, rodeados de cães e víboras, que querem mais do que migalhas. Agora temos que esperar pelos resultados de bilheteria para reivindicar Duna 3. Esta segunda parte (tal como a primeira) deve ser absolutemente vivida num cinema. Aguardemos a sequência com certo interesse
Wes Anderson atingiu uma maturidade indiscutível e oferece-nos aqui uma joia cujo sucesso está garantido, neste hotel que cristaliza tudo o que há de fascinante no cinema: cenários magníficos, reviravoltas habilmente orquestradas, flashbacks, corridas frenéticas e histórias de amor. Este filme é uma obra barroca e lembra-nos que o cinema existe para nos dar um vislumbre de outro mundo. O realizador já tinha imposto o seu estilo “excêntrico” em Moonrise Kingdom (2012), com O Grande Hotel Budapeste, o cineasta realiza o seu filme mais ambicioso, até então. Situado num contexto histórico que não se deve ao acaso (ascensão do fascismo nos países orientais na década de 1930) e que contribui enormemente para o encanto do conjunto. Fiel ao seu estilo, a maior parte do filme se passa em cenários absolutamente adoráveis e desproporcionalmente pequenos que oferecem uma excelente perspectiva de um elenco estelar. Os figurinos contribuem para a beleza visual do filme, desde os uniformes até os figurinos dos presos, tudo é impecável. Tiremos o chapéu também para a trilha sonora divertida e a edição hiperdinâmica que acompanha o espectador em sua apreciação. O universo visual é verdadeiramente sublime, a fotografia é soberba, reforçando este lado excêntrico do cenário, alternamos cores pasteis e formatos 16:9 e 4:3, tudo bastante agradável. Os vários flashbacks fazem-nos descobrir a história deste hotel, outrora famoso por ter perdido prestígio, bem como o seu concierge entrar em contato com os herdeiros de uma mulher que lhe deixou um quadro de valor inestimável. A escrita é muito boa e reforçada por um elenco incrível, notadamente Ralph Fiennes, Willem Dafoe, Adrian Brody e até Harvey Keitel, todos impecavelmente dirigidos por Anderson, damos um passo incrível na descoberta dessa paleta à medida que avançamos com quase todos os personagens atípicos. Não faltam situações incríveis, como esta louca sequência de perseguição de trenó ou mais comoventes como o final e sua dimensão melancólica. A qualidade da produção é inegável, o gosto de Anderson pela simetria é de um gênio cuidadosamente estudado adicionando um grau poético adicional ao roteiero, algumas belas tomadas também, tudo é realmente limpo e literalmente artístico. O Grande Hotel Budapeste é um excelente filme, bonito, peculiar, engraçado e subtil, provando mais uma vez que Wes Anderson é um dos grandes realizadores a ter em conta. Se você ainda não viu, corra e veja, acredite, na pior das hipóteses você se divertirá muito e, na melhor das hipóteses, se divertirá muito.
Uma sequência na linha da primeira, que cumpre seu papel de entretenimento sem se diferenciar dos demais longas de super-heróis. Aquaman 2 se apresenta com ideias simples: Família, fraternidade, paternidade, ambivalência humana e sobretudo perdão, ideia central do filme. A relação entre Jason Momoa e Patrick Wilson é um dos pontos fortes da obra. A química entre os dois atores transparece na tela. E James Wan manipula habilmente nessa alquimia. O personagem Arraia Negra é muito melhor explorado do que no primeiro filme e o design de sua armadura ainda é igualmente assustador. Mas achei muito interessante a jornada do vilão e a conclusão de seu personagem em perfeita harmonia e reflexão com sua introdução no filme lançado 5 anos antes. Na continuidade do primeiro, vasto em aventuras, em vários lugares, rico em seu bestiário, fazendo equilíbrios contínuos com a dose certa entre aventura, ação, humor, faz malabarismos com habilidade entre vários gêneros, tudo em ritmo frenético, e sem nunca se levar a sério. Dois filmes que ninguém esperava e que acabam por surpreender agradavelmente o espectador receptivo. Visualmente, do lado superficial é impecável, do lado aquático se torna bastante convincente em cenas amplas de cenário, mas rapidamente se torna inacreditável assim que os personagens são mostrados de perto, e especialmente durante as lutas. Gosto muito das tomadas adotadas por James Wan, entre ritmo e contemplação. Direção artística geral no ponto. Em suma, Aquaman 2: O Reino Perdido é um filme de aventura/super-herói que serve como bom entretenimento. Porém, comete o mesmo erro do primeiro: vender uma ameaça extrema ao espectador, enquanto na superfície o Superman resolveria o problema com uma palma de mão. Que prazer honrar esta venerável virtude em nossa sociedade que está perdendo o rumo. Não esperando nada, eu pessoalmente me diverti relaxando.
Pela segunda vez, os irmãos Farrelly aproveitam ao máximo a genialidade de Jim Carrey através de um romance leve e totalmente desinibido. A alquimia transmitida por sua dupla com Renée Zellweger tem o melhor efeito. É simplesmente isso que faz o charme das comédias dos famosos irmãos diretores. Eles se preocupam com o público, enchendo-nos de risadas a cada visualização. Eu, Eu Mesmo e Irene é um puro concentrado de humor regressivo, perfeitamente assumido. Um passeio de road movie que é ao mesmo tempo suave e insano. Jim Carrey interpreta as expressões faciais e os gestos com relativa suavidade, mas caramba, é muito engraçado! Não é à toa que ele é O melhor; é porque ele é sempre extremamente cativante e franco em sua forma de expressar. Esse papel de policial negligente com tendências esquizofrênicas é feito sob medida para ele. Você nunca sabe se Hank ou Charlie ganharão vantagem. Notaremos um grande número de cenas cults e falas que provocam risadas francas, massivas de rir, o suficiente para uivar de tanto gargalhar. Depois de Debi & Loide (1995), eles reencontram Jim Carrey e mais uma vez lhe ofereceram o papel crucial nesta atrevida comédia onde seu personagem, que sofre de transtornos de personalidade, é encarregado da missão de escoltar uma mulher procurada pela polícia. Mas a jornada não será fácil. A trilha sonora também é excelente. Em termos de cenário, não é ótimo, mas o conceito psicanalítico básico não é um simples pretexto para o riso, é relativamente desenvolvido e traz um pouco de reflexão ao todo. Como costuma acontecer, a maioria das piadas e situações são absurdas, mas muito bem visto e criativo. Mais uma delícia com fusão Carrey com irmãos Farrelly. Um grande clássico que nunca envelhece.
Uma história que parte de uma ideia bastante simplista, mas que se apresenta misturando ganância, vingança e sociopatia. O Talentoso Ripley começa lentamente para estabelecer a atmosfera, embora saudável no início, mas que gradualmente nos levará a uma realidade, bastante macabra. Alguém poderia pensar, lendo a sinopse que é um thriller bastante clássico, mas rapidamente percebemos que o filme vai muito além. Trazendo reflexão mesmo que, em alguns momentos, o filme mostre um lado incoerente que pode incomodar alguns, apesar do cenário de uma doce Itália nos anos 50 que parece um postal tão cuidadoso com a superficialidade dos cenários, personagens que se envolvem num jogo de manipulação que rapidamente transforma um cenário bastante básico para um verdadeiro thriller de grande complexidade psicológica. Sob uma história que se mostra; muito menos idílico. À frente, o espectador; em um filme tão glamoroso quanto psicologicamente desconcertante se você pensar bem. Feita a apresentação dos personagens e todo o resto, o progresso é feito sem que haja lentidão real. Fazer o espectador como refém e levá-lo para uma paisagem suntuosa e uma história rica em surpresas, mas onde rapidamente nos deixamos envolver. Com uma composição sonora que se equilibra entre jazz, Beethoven e Bach, somada a uma produção hipnotizante que oferece planos suntuosos que beiram tanto o misticismo (uma estátua da Virgem emergindo da água) quanto a psicologia de ponta, basta dizer que O Talentoso Ripley tinha tudo para ser uma obra-prima do eterno realizador, Anthony Minghella. Não que um tempo tão significativo seja, a rigor, um defeito para outros filmes. Mas para O Talentoso Ripley, é extremamente fatal. E por uma boa razão, não podemos deixar de pensar que tal filme poderia ter sido mais curto e muito mais eficaz. O longa-metragem demora excessivamente para contar sua história. Felizmente, a segunda parte do filme dá conta de tudo e consegue realçar as suas grandes qualidades que tivemos dificuldade em ver na primeira hora. Sim, é uma pena que o interesse do filme começa tarde, mas a trama cresce e acaba assumindo uma escala assustadora, quase irreal, porque sem sombra de dúvida estávamos diante de uma verdadeira joia de thriller psicológico. O conjunto, porém, continua muito bem feito, por isso não deve ler o parágrafo anterior como uma crítica a um detalhe de um longa-metragem altamente trabalhado. Mas devemos admitir que diante de tal resultado, um sentimento de frustração não pode ser evitado. Então deixe-se levar por esse suspense alternando o macabro do crime e o macabro do cartão-postal da vida dos super-ricos. E verifique se a porta da sua adega está bem fechada.
Vencedor do Oscar na categoria de melhor filme estrangeiro em 2010, O Segredo dos Seus Olhos consegue realizar o desafio raramente tentado e bem-sucedido do thriller romântico. Um filme com uma mensagem forte e universal, com uma bela história de amor, com uma intriga policial e misteriosa até a reviravolta final, com um retrato contundente da corrupção de uma época e banhada no espírito e na cultura argentina dos anos 70. O diretor aproveita o tempo, à moda antiga, da época em que o cinema respirava sem ofegar, e desenrola a história no seu ritmo e sem tédio para o espectador. Fascinante do início ao fim com sua trama conduzida de forma elegante e fina, a obra também nos oferece uma reflexão relevante sobre o significado da justiça e, sobretudo, muito mais sutil do que normalmente podemos ver em assuntos substancialmente semelhantes. Mas o que também se destaca é esta forma surpreendente de misturar registros, passando facilmente do thriller bastante sóbrio para um romance comovente e sempre credível protagonizado por dois atores excepcionais, tanto mais que o discurso sobre oportunidades perdidas irá tocar mais do que um, e isso lhe permite transmitir muita coisa através de olhares, expressões e gestos, sem precisar enfatizar. Tudo com seus frames ou diálogos redundantes. Os olhares estão entre os mais belos e expressivos que já vi, as emoções são transmitidas com uma perfeição e uma clareza muito raras nestes tempos de racionalização e peso explicativo. O que podemos dizer também da música, coesa do início ao fim, com melodias por vezes comoventes. Em suma, “O Segredo dos Seus Olhos” oferece um verdadeiro inventário da alma humana, questionando-nos sobre a nossa relação com o vazio, com a procura do amor, com a nossa busca pela verdade e como todas estas questões acabam por nos impedir de viver plenamente. Estamos diante de uma obra quase perfeita, um filme sensível, intenso, vibrante, raro e poderoso. clássico na substância, mas cheio de momentos de cinema, um sucesso em todos os níveis e, portanto, essencial para todos os fãs de thrillers jurídicos bem elaborados.
Fome de Poder
3.6 830 Assista AgoraMais uma cinebiografia de John Lee Hancock (Walt nos Bastidores de Mary Poppins e Um Sonho Possível) que foca no homem responsável pela incrível expansão da marca McDonald's que se tornou um verdadeiro império. Ele acreditou neste conceito inovador e não abriu mão de nada para torná-lo um negócio muito lucrativo, o que não era o objetivo principal dos seus criadores, que queriam simplesmente fazer deste negócio familiar um restaurante barato e prático.
Este retrato de Ray Kroc não é lisonjeiro a nível humano, porque o vemos como um homem pronto a fazer qualquer coisa por dinheiro, mesmo que isso signifique negar os seus princípios e esmagar aqueles que se encontram no seu caminho. Por outro lado, a nível profissional, isso é outra coisa, porque os defeitos mencionados tornam-se qualidades e fazem dele um empresário formidável que administrou seu negócio com perfeição, aproveitando as oportunidades certas e contando com as pessoas certas.
De qualquer forma, o bom é que é informativo. Esta história é edificante e inteiramente sintomática do indivíduo ou de pessoas do mesmo tipo.
Basta pensar bem em como proteger suas próprias ideias ou invenções, antes de vê-las tomadas por pessoas vorazes do mesmo tipo, dispostas a tudo para fazer fortuna a ponto de esmagar logo de início os pobres e entusiastas ardentes. O longa nos leva a refletir sobre o que significa ter sucesso no conceito "American Dream". Não é apenas uma simples ilustração de um dos maiores sucessos do empreendedorismo moderno, é também uma oportunidade de estudar o perfil psicológico que está na origem de tal façanha: desenvolver uma franquia em torno deste conceito único e estendê-lo primeiro para o regional, depois para o nacional e global.
É difícil, pelo menos para mim, considerar Kroc como outra coisa senão um pilantra oportunista e sujo, mas como o cenário mantém a neutralidade perfeita, imagino que seja tão possível vê-lo como um líder eficaz, que sabe tomar a decisão certa, sem ressentimentos, para o bem maior da empresa.
Fome de Poder pode ser considerado clássico com uma história linear, mas o conjunto é bastante agradável de acompanhar e especialmente interessante se você não conhece os fatos detalhadamente.
Assassinos da Lua das Flores
4.1 615 Assista AgoraNo início do século XX, uma tribo indígena do Kansas, transferida pelo governo americano para uma reserva em Oklahoma onde comprou as terras, tornou-se extremamente rica devido à descoberta do "ouro negro".
O eminente representante da autoridade administrativa procura apoderar-se da sua fortuna e todos os meios, mesmo os mais sórdidos. Baseado em um acontecimento real ocorrido na década de 1920, “Assassinos da Lua das Flores" segue com grande interesse.
A reflexão sobre o pouco caso dedicado à causa indígena nos EUA, sobre o poder por vezes deletério do dinheiro (a melhoria das condições de vida anda aqui de mãos dadas com a chegada de uma comitiva interessada, hipócrita e manipuladora), a reflexão de Scorcese é um grande sucesso formal (fotografia, enquadramento, direção de atores e interpretação).
A mecânica de ascensão e queda ao “estilo Scorsese” parecerá bastante conhecida (Os Bons Companheiros, Cassino, O Lobo de Wall Street), com algumas notas de humor muito bem transmitidas, mas realçadas pelo contexto geral e pela história contada. Uma forma de classicismo narrativo e formal em que o veneno inoculado se espalha aos poucos por todos os cantos do filme, até parecer imparável.
Em termos de produção é impecável e é um prazer imenso admirar um filme de época ampla com uma reconstrução real. A fotografia é soberba, com flashes reais como a descoberta da fonte na introdução, um tiro de fogo visto através de uma janela, e muitos outros. Cada tomada é como uma pintura e me senti atraído por cada cena como se fizesse parte dela. E apesar das 3h30, é impossível ficar entediado ou encontrar barrigas.
Scorsese impõe um ritmo calmo e assombroso a todo o seu filme, e isto através de uma encenação ainda tão precisa como sempre. Uma obra anti-espetacular onde o que mais se destaca não é a violência visual, mas sim essas tradições nativas americanas, tão raramente apresentadas. E sobretudo estas discussões, estes encontros presenciais que mostram os nossos protagonistas em toda a sua ambiguidade, a sua monstruosidade, a sua verdade.
Scorsese tem até a soberba ideia de um epílogo que também questiona a forma de contar histórias no início do século passado. O respeito de Scorsese pela tribo Osage me faz respeitar ainda mais o homem. É uma história que ele realmente queria contar, e você pode realmente sentir o quão dedicado ele é em transmitir mensagens e temas fortes e em contar essa história importante.
Contudo, não partilho da opinião de muitos críticos mais entusiasmados, pelo seguinte motivo: Em geral, achei que os personagens não foram desenhadas com muita subtileza e sobretudo não evoluíram ao longo do filme, o que leva a longos períodos de estagnação narrativa. Ernest, por exemplo, interpretado por DiCaprio, é um simplório sob influência que comete as piores atrocidades sem nenhum escrúpulo aparente: admito que tive dificuldade em entrar no jogo dele, marcado por um beicinho um pouco demonstrativo demais para o meu gosto. Poderia multiplicar os exemplos relativos às outras personagens, mas é sobretudo a representação que o filme faz da comunidade indígena que mais me perturba: passiva, quase cúmplice do seu próprio desaparecimento (como a personagem sacrificada de Mollie que parece perdoar o marido por o assassinato de suas irmãs) e monolítico. Eu teria gostado de uma fibra emocional mais marcante.
Mas não importa, se Assassinos da Lua das Flores não é uma obra-prima ou mesmo um dos maiores de Scorsese, continua a ser uma excelente obra. Cinema de verdade.
Onyx the Fortuitous and the Talisman of Souls
2.2 1Sinto necessidade de mencionar que Onyx, o Fortuito e do Talismã das Almas definitivamente não será para todos. Uma das descrições oficiais é bastante precisa: “passeio selvagem de magia e diversão com a mistura certa de adoração satânica e amizade”. O que se segue é uma espécie de episódio de Scooby-Doo, se Scooby e sua gangue fossem ocultistas ativos em busca de aliança com Satanás. Você tem que achar engraçado o personagem “Onyx, o Fortuito”. Ou pelo menos divertido e possivelmente até cativante à sua maneira bizarra.
A melhor maneira de descrever Onyx e seu padrão de fala específico é compará-lo como uma espécie de Jack Black cruzado com Napoleon Dynamite e Eugene de The Walking Dead. Possuindo uma aparência física que se destaca, mas é quando ele fala, que você realmente descobre suas peculiaridades. Onyx é mais insano (por falta de um termo melhor) e fala rápido e com enfâse em praticamente cada final de frase, o que pode irritar, em vez de entreter. Convidado a participar de um ritual na mansão do luminar satânico Bartok, o Grande. Um dos cinco em todo o mundo com tal convite. É literalmente a melhor coisa que já aconteceu com Marcus Trillbury. Ônix. Ônix, o Fortuito. Se todos pudessem chamá-lo de Onyx, o Afortunado.
É muito divertido, mas sua diversão depende 100% de quanto tempo você consegue achar o personagem de Andrew Bowser engraçado. Se os primeiros minutos não lhe agradam, não assista mais. Na verdade, mesmo que você ria alto cedo e com frequência, provavelmente as piadas longas e sinuosas testarão sua paciência.
Ainda assim,o filme mantem um ritmo peculiar no padrão de fala e uma lógica que às vezes sai dos trilhos. Ainda assim, Onyx não se desculpa em muitos aspectos, o que eu gostei. Você verá vários monstros neste filme, e fico feliz em informar que os efeitos práticos também prevalecem. É exatamente certo para uma comédia de terror onde o tosco e o estranho são usados em momentos sombrios e demoníacos. No geral, este filme é realmente uma celebração de bizarrices de todo e qualquer tipo. Você precisa gostar do humor peculiar e exagerado para aproveitar esse filme. Bem, na maior parte, pelo menos. Como fã desse tipo de produção, posso definitivamente apoiar.
Uma Boa Pessoa
3.6 45Uma espécie de testemunho múltiplo de uma veracidade quase perturbadora. Cento e vinte e oito minutos de autenticidade e pureza, durante os quais se conta uma história que poderia ser a de todos nós. A história do destino. A história de uma vida que vira de cabeça para baixo, atrapalhando a vida de diversas outras pessoas.
O cenário tem todos os ingredientes de uma tragédia grega. Na verdade, o filme fala sobre luto, culpa, perdão e resiliência, mas também, sobre vício. Assuntos pesados que “Uma Boa Pessoa” consegue tornar bonitos e comoventes sem serem muito emotivos ou pesados. Quase estaríamos num filme alegre se o cenário não fosse tão dramático, mas a mensagem de esperança e as boas novas estão muito presentes e significativas.
Ficamos profundamente emocionados graças a várias sequências mas o toque final, sem cair num mau final feliz, é talvez o de maior sucesso. Se o assunto é difícil, nunca cai no pathos ou no choro excessivo e é isso que lhe confere toda a sua beleza e valor: a emoção surge naturalmente, mesmo que às vezes seja através de alguns momentos, passagens obrigatórias. Além disso, o filme ataca os laboratórios farmacêuticos e fala implicitamente sobre a crise de opioides da qual eles são culpados. O que torna este filme ainda mais relevante e divertido.
A produção é simples, mas eficaz. Temos uma bela fotografia com um ambiente agradável. Mas uma das maiores qualidades do longa-metragem do realizador é, sem dúvida, sua atriz principal. Tem muito a ver com a imersão que ocorre para o espectador neste drama onde pairam a morte, a ausência e a falta. Ela personifica a difícil reconstrução de si mesmo após uma tragédia pela qual se sente extremamente culpada. Através de suas escolhas, surge uma atriz com um pedigree cada vez mais impressionante. A menor palavra que colocamos em sua boca e o menor gesto que pedimos que ela execute, ela se transforma em um momento de graça e nos hipnotiza. Ao lado dele, os papéis coadjuvantes são igualmente bem escritos e permitem-nos destacar, incluindo Morgan Freeman, que há muito tempo não víamos tão bem. O Sr. Freeman, que acompanho há anos, ainda é excelente, e certamente veremos a atriz Florence Pugh novamente em um grande filme com o seu nível de atuação em franca ascensão.
De longe. “Uma Boa Pessoa” é certamente um melodrama puro, mas um melodrama com a maioria dos pontos fortes e qualidades essenciais que este tipo de filme pode conter. E, acima de tudo, é claramente uma bela obra que não te deixa indiferente.
O Homem dos Sonhos
3.5 153Nicolas Cage regressa à vanguarda e não com mais uma série B assistível com acidez, mas sim numa produção A24, sinónimo de qualidade para muitos. O realizador nos leva a uma jornada fascinante e às vezes desconcertante com “O Homem dos Sonhos”, um filme que mistura sutilmente o realismo mágico com uma sátira comovente da sociedade midiática contemporânea. Com um elenco sólido que inclui Nicolas Cage, Julianne Nicholson e Michael Cera, o diretor nos mergulha no mundo de Paul Matthews, um professor comum cuja vida dá uma guinada extraordinária quando ele se torna protagonista dos sonhos de milhões de pessoas.
Nicolas Cage desempenha brilhantemente o papel complexo de Paul Matthews, trazendo profundidade emocional a um personagem que passa de uma existência comum a uma celebridade sobrenatural. O espectador é convidado a explorar as nuances da psique de Paul enquanto ele faz malabarismos com as implicações de sua fama recente.
O roteiro engenhoso brinca com os limites da realidade e da imaginação, oferecendo momentos ora cômicos, ora profundamente reflexivos. A narrativa explora habilmente as consequências da fama instantânea, ao mesmo tempo que levanta questões sobre a natureza da realidade e dos sonhos. O diretor consegue manter um delicado equilíbrio entre o absurdo e o comovente, oferecendo uma experiência cinematográfica rica em emoção.
Apoiado por uma excelente Julianne Nicholson como parceira de Paul e Michael Cera em um papel enigmático adiciona camadas adicionais à trama. Suas performances ajudam a reforçar a credibilidade de uma narrativa que poderia facilmente se transformar em extravagante.
A direção de arte e a fotografia criam um mundo visualmente cativante, oscilando entre a normalidade e o surrealismo. As cenas de sonho são particularmente impressionantes, transportando o público para um espaço onde a linha entre a realidade e a ilusão se torna confusa.
No entanto, “O Homem dos Sonhos” às vezes pode deixar o espectador com mais perguntas do que respostas. A natureza enigmática do filme pode ser ambíguo, mas é também o que o torna memorável. A conclusão, embora surpreendente, pode não satisfazer todos os gostos, mas convida à reflexão muito depois de a tela escurecer.
“O Homem dos Sonhos” é uma obra ousada e original que transcende os gêneros convencionais. Impulsionado por atuações convincentes, um enredo inteligente e uma direção artística impressionante, o filme oferece uma experiência cinematográfica única. Borgli consegue capturar a essência da fama e da realidade de maneiras inesperadas, convidando o público a questionar a própria natureza dos seus próprios sonhos. Uma obra intrigante que merece ser explorada pelos fãs de filmes ousados e provocativos.
O Lobo de Wall Street
4.1 3,4K Assista AgoraSem concessões, a quarta colaboração entre Leonardo Di Caprio e Martin Scorsese é um estudo meticuloso e impressionante da moral atrevida no mundo das finanças, desde a época em que todos os excessos eram permitidos aos poderosos comerciantes de Wall Street.
A história, misturando ritmo e densidade, flutua em um oceano de dinheiro e nos mostra a vida dos altos traders de Nova York entre o afresco da bolsa e o humor negro. Quer você ame ou odeie Scorsese, seus filmes são sempre grande marcos e aqui o resultado surpreende pelo seu virtuosismo e insolência. Não é apenas um filme sobre Wall Street, nem é um filme sobre uma instituição financeira, é sobre a atitude das pessoas neste ambiente, sobre a natureza mais sombria da humanidade, sobre esta necessidade que temos de consumir e adquirir tanto quanto possível sem se preocupar com as pessoas ao redor.
Como de costume, Scorsese não descuida de nenhum personagem durante as 3 horas de exibição. Com um personagem sem limites como Belfort, Dicaprio sempre magistral, transmite de forma brilhante essa decadência, através de uma gama fenomenal de emoções. Seu personagem totalmente insano é, até hoje, uma de suas performance mais surpreendente. Destacamos notavelmente um ótimo Jonah Hill como principal associado de Belfort, a excelente Margot Robbie no papel de sua esposa. Jonh Bernthal (Shane em “The Walking Dead”) no papel de Brad Bodnick, amigo de confiança do Jordan Belfort. O bom senso de Scorsese passar o papel de um banqueiro suíço para o premiado Jean Dujardin, um francês, e não um americano, o que proporciona algumas cenas bastante engraçadas que brincam com a "discrepância" e a barreira linguística. Ou mesmo o impressionante Matthew McConaughey que agracia o filme com uma aparição sensacional.
Em suma, O Lobo de Wall Street é uma obra-prima como poucas, é sublime ver um diretor que se diverte e se vangloria das situações mais incríveis e que não hesita em apontar o lado trash do mundo Hollywood e Wall Street. Leonardo DiCaprio no auge de sua arte e inegavelmente extraordinário como um perfeito satírico de si mesmo, que multiplica as citações travessas e ações que são, no mínimo, burlescas. Se você valoriza a moralidade, siga seu caminho porque este filme é deliciosamente impuro e agradavelmente excessivo.
Quem Fizer Ganha
3.1 20 Assista AgoraÚltima colocada no ranking da FIFA, e com o doloroso histórico de ter sofrido a pior derrota da história do futebol internacional (31 a 0 em 2001 contra a Austrália), a pequena seleção da Samoa Americana, recebeu reforço em 2011 do técnico Thomas Rongen (um ex-jogador holandês), caindo de pára-quedas nesta ilha após maus resultados nos Estados Unidos, mas também devido ao seu carácter rude, ranzinza e raivoso.
Depois deste recorde mundial, relegada ao último lugar entre as seleções de futebol das nações e ainda à espera de marcar um gol nas competições internacionais, a equipe foi designada pela primeira vez a um treinador europeu, para voltar aos trilhos e, porque não, finalmente vencer uma partida. Essa história já foi tema de um documentário que inspirou o realizador neozelandês Taika Waititi para seu novo filme de ficção.
Com o seu humor bem atípico, Quem Fizer Ganha não é apenas um longa-metragem desportivo, bastante bem filmada, mas um mergulho na cultura de um território do Pacífico, com uma filosofia de vida bastante distante da dos países ocidentais. O filme pretende ser entretenimento e consegue perfeitamente o seu objetivo, com alguns personagens bastante pitorescos formando esta equipe inusitada. Para além do bom humor geral, o filme mostra também, sem insistir, outros lados menos róseos da Samoa Americana, como a fuga constante da sua população mais jovem que não consegue encontrar oportunidades para o seu futuro.
Desde o início, os personagens que compõem esta equipe de futebol totalmente desajeitada, bem como os locais que os rodeiam, surpreendem-nos com a sua originalidade, as suas boas vibrações e os seus costumes aloha. Eles são literalmente adoráveis. A maior parte do humor vem da lacuna cultural, até mesmo do choque, entre os habitantes desta ilha no fim do mundo e este treinador alcoólatra furioso e ferido pela vida. Um personagem interpretado por Michael Fassbender feliz por estar ali e por tocar uma trilha mais leve que o normal. Muitas das piadas funcionam e pelo menos nos fazem sorrir sem cair na zombaria mas, ao contrário, com muita empatia e um olhar profundamente respeitoso e amoroso. É um humor engraçado que nos faz sentir bem e que nos reserva alguns momentos muito cômicos.
Um momento cinematográfico muito bom, comovente, pitoresco, divertido, refrescante e exótico, tudo embalado num pequeno cenário paradisíaco perdido no meio do Pacífico Sul, que não estraga nada visualmente, muito pelo contrário. “Quem Fizer Ganha é o filme perfeito para lembrar como Taika Waititi pode ser um craque ideal quando joga em casa, em seu campo preferido. Ele próprio de origem Maori, apresenta uma brilhante viagem à cultura polinésia e esta capacidade de combinar o absurdo com a emoção numa osmose permanente. Humor e bons sentimentos em abundância. Que bela aventura humana para ser ser conhecida pelo público. Mais do que o suficiente para ter um bom momento de distração.
Gaiola Mental
2.2 122Mistérios de assassinato geralmente são divertidos. Mesmo que o enredo pareça subdesenvolvido ou os personagens pareçam um pouco fracos, permanece o impulso para descobrir a verdade. Quando se revela que os assassinatos são obra de um serial killer, essa fome de conhecimento se torna ainda mais intensa.
O filme simplesmente flutua letargicamente de um ponto da trama muito familiar para outro, com o realizador lutando para gerar arrepios com um material que já foi feito antes, e com muito mais sucesso. Os personagens também não são particularmente envolventes e têm pouca ou nenhuma história de fundo para nos ajudar a nos preocupar com eles ou com o que está acontecendo com eles. Malkovich está absolutamente fantástico como o papel de um serial killer que brinca com a polícia. Sua atuação é muito intensa e o personagem que ele transmite ao espectador é um dos destaques do filme. Com isso dito, eu não estava me sentindo Martin Lawrence e Melissa Roxburgh. Ambos apresentam performances decentes, mas seus personagens são dolorosamente genéricos e esquecíveis. Sinceramente, gostaria que alguém com um pouco de intensidade fosse escalado para um desses papéis para levar o filme um pouco mais longe do que foi.
E embora o filme tente animar o processo com toques de magia negra, o que ele realmente precisava era de um enredo menos derivativo. Todo o projeto é feito de forma tão amadora que é difícil acreditar que tenha sido concluído. Claro, há alguma diversão aqui, mas não acho que seja exatamente da maneira que os cineastas pretendiam.
A dependência de tantos tropos familiares não seria um grande problema se o filme fosse bom, mas o ritmo do filme é tão estranho que é difícil esquecer o fato de que você já viu e ouviu muito disso antes. Toda a intriga assustadora em torno da maneira como o assassino lida com suas vítimas se perde no fato de que o roteiro parece não conseguir descobrir quais informações são importantes para contar e quais não são.
Em última análise, a maior queda do Gaiola Mental é que ele se esforça demais para fazer um filme sobre imitadores, copiando os grandes filmes que já percorreram esse terreno antes. Os mistérios geralmente são emocionantes, mas este decididamente não é.
A Pé Ele Não Vai Longe
3.5 122 Assista AgoraDo título bem satírico, você tem o tom do filme. Corajoso, irônico e resiliente, somos apresentados à trágica história de um designer que ficou incapacitado após um acidente de carro devido ao alcoolismo. Longe de ser moralista, o personagem de Joaquin Phoenix (retirado da história real do referido cartunista) é um exemplo de luta para assumir o controle da própria vida apesar dos obstáculos muitas vezes terríveis espalhados por toda parte.
O realizador permite um espaço para a trama existir e transmitir sua própria mensagem. John Callahan é um cartunista americano provocador e irreverente. Um artista sem limites com desenhos satíricos, engraçados e ácidos. Para homenagear este homem falecido em 2010, Gus Van Sant (Milk: A Voz da Igualdade e Gênio Indomável) fez um filme à sua imagem. Não se trata de uma cinebiografia que lamenta o destino do personagem que fica paralisado após um acidente de carro, mas sim uma sátira de humor negro que aborda diversos temas, incluindo deficiência e principalmente alcoolismo. Dois assuntos relacionados, porque se ele se encontra nessa situação é por causa do problema com o álcool, mesmo que não estivesse ao volante do carro.
Este homem viveu uma vida muito rica, então há muita coisa acontecendo. O diretor pinta um retrato cheio de ternura e sensibilidade, mas não posso dizer que me emocionei em um único momento. O casting claramente salva tudo, pois caso contrário, é a trágica história de um alcoólatra que aos poucos recupera o gosto pela vida. Joaquin Phoenix representa plenamente suas habilidades, brilhando com credibilidade e imediatamente nos apegamos ao seu personagem, por mais mal-humorado que seja. Um retrato de John Callahan, construído aos poucos, com suas incessantes viagens ao passado, aparece primeiro como um rascunho antes de revelar sua verdadeira natureza, o esboço de uma redenção após uma longa jornada através de um inferno alcoólico. Rooney Mara é filmada de uma forma muito bonita, ela passa pelo filme como uma miragem, esse talvez seja o objetivo, por outro lado Jonah Hill naturalmente tem um perfil cômico, seu desempenho contra a corrente é ótimo. No início não foi fácil vê-lo como uma espécie de guru, mas no final acertou em cheio. Jack Black e também em seu perfil cômico combina maravilhosamente com o papel de festeiro que lhe é atribuído, mesmo que mais tarde ele acrescente sutileza à sua atuação.
Em suma, o filme está longe de ser desagradável. A jornada que John encara nos convida a fazer dentro de nós mesmos. Que percebamos que O essencial está profundamente enterrado em nós e que devemos reservar um tempo para ouvi-lo. Mesmo que não produza nenhum som.
Folhas de Outono
3.8 101Folhas de Outono retrata a história de duas almas angustiadas, esmagadas pelo nosso mundo, pela solidão, pelo capitalismo e que de forma modesta, se unirão.
Formalmente, é um filme magnífico, não pela sua história bastante clássica em si mas pela profundidade dos personagens que conseguem encontrar-se num silêncio magnífico e digno. Embora a ação ocorra nos dias atuais ou mesmo em um futuro próximo, parece que estamos voltando à década de 1950 porque o cenário está muito desatualizado. Excelentes cenas que lembram pinturas realistas da solidão na contemporaneidade e capturam perfeitamente a melancolia latente que habita os personagens.
O enredo é simples, tendendo à pureza mesmo que haja passagens particularmente divertidas. A história de amor emergente é comovente apesar de uma certa frieza que corresponde a uma estética muito nórdica. Embora o filme permaneça talvez demasiado clássico na sua narração, com uma declaração bastante esperada sobre o alcoolismo, ainda assim permanece imbuído de uma poesia inegável. Kaurismaki é um cineasta finlandês e um autor de outra época que consegue falar do mundo contemporâneo filmando um passado fantasiado. Talvez seja um pouco educado demais e, finalmente, espera-se que convença totalmente, mas ainda assim permanece particularmente agradável.
Em última análise, Folhas de Outono é um conto de extraordinária delicadeza. Se não é possível escapar para além das fronteiras de Helsinque, devemos admitir que o grande sucesso da obra reside na sua fuga simbólica e sensorial. Kaurismäki prova assim que é capaz de “oferecer um futuro à humanidade” com uma história de amor que só faz sentido quando se renuncia ao seu próprio isolamento. As cores são sempre muito bonitas e algumas cenas verdadeiramente comoventes nos ligam aos dois protagonistas. Para completar, a mensagem é útil e dá esperança apesar da aparente tristeza retratada.
É de alto nível cinema, inenarrável em uma palavra.
Olha Quem Está Falando Agora
2.7 161 Assista AgoraCom o imenso sucesso das duas primeiras obras, os produtores acharam por bem reiterar as desventuras da delirante família Ubriacco. Mas os jovens atores mirins cresceram e por isso devem ser substituídos. Então, em vez de fazê-los voltar a falar mentalmente (uma marca registrada da saga), é a vez de seus novos animais de estimação pensarem e falarem como adultos.
Tendo como pano de fundo a época do Natal, o filme infelizmente é o de menor sucesso: menos inventivo, desta vez com piadas mais lentas, por um lado, mas ainda temos Kristie Alley e John Travolta que estão cada vez mais atolados em seus personagens, mas cuja alquimia ainda funciona tão bem e depois nas vozes dos cachorros, temos Danny DeVitto e Diane Keaton com todo humor, ternura e suspense com o bônus adicional da simpática música do astro infantil francês da época, Jordy, onde canta It's Christmas, C'est Noel (escrita por seu pai) e é ele quem entra pela chaminé quando o Papai Noel não consegue passar pelos canos.
O tipo de comédia feita para as comemorações de fim de ano, que pode conter atrativos tanto para os mais velhos quanto para o público jovem. Eu aprecio muito o filme porque contém os bons ingredientes de uma comédia romântica do final dos anos 80/meados dos anos 90, é leve, descontraído, nunca se leva a sério e faz muitas coisas que hoje seriam considerariados "envelhecidos".
Olha Quem Está Falando Agora é cheio de cenas malucas e surpreendentes. Porém, mesmo com meu olhar adulto descubro que ainda reflete a classe média da América daquela época, sem muita caricatura, e traz um toque mais autêntico do que alguns outros sucessos do tempo.
Não existem caricaturas psicológicas grosseiras, por exemplo nas personagens dos pais, ou nas relações que mantêm com os filhos, apenas para fazer rir o público-alvo e também dar origem a algumas situações bem cômicas. Em suma, uma comédia familiar agradável que completa uma bela trilogia homogênea
Sem Rastros
3.5 192 Assista AgoraNas profundezas da floresta em Oregon, nos EUA, um pai (ex-veterano de guerra) e sua filha adolescente formam uma comunidade autônoma, com regras e filosofia próprias. Thomasin é um adolescente doce e inteligente. Além da arte de sobreviver, seu pai lhe transmitiu sólidos conhecimentos. Ambos vivem ilegalmente em um parque nacional próximo à cidade de Portland. Mas um dia eles são expulsos do acampamento. Os serviços sociais oferecem-lhes então um teto sobre as suas cabeças, uma vida "normal".
Este amor filial e esta vida na natureza são captados pela realizadora com rara delicadeza e ela consegue dar substância aos demonios do pai: acreditar que ele está a fugir seus pares, o "O ex-soldado quer acima de tudo escapar de seus pesadelos." Thomasin, por outro lado, não busca escapar. Ela desfruta da liberdade de sua existência evasiva e floresce tanto na proximidade da natureza quanto em contato com outros.
Adaptado de um romance baseado em uma história real, este belo filme destaca a América das "margens", povoada por aqueles que ficaram para trás ou voluntariamente esquecidos, seguidores do decrescimento. Seres que, como Thomasin e seu pai, prefirem não deixar rastros.
A realizadora americana centra-se no retrato de pessoas marginalizadas, um pai e uma filha, ligados por uma relação estreita. Debra Granik dá apenas o mínimo de informações sobre o passado de seus protagonistas. É frustrante, mas racional, dado o desejo de ambos os personagens de se excluirem da civilização. O filme não julga, é benevolente, seja para esses eremitas voluntários, seja para as pessoas “normais” e conformistas que os encontram quando saem da floresta. A pressão social é forte, mas é um fato, como se houvesse uma vontade geral de mostrar que só há um caminho a seguir, que passa pela aquisição de uma casa, de um carro ou de um telefone.
"Sem Rastros" não clama por a recusa do consumo e não se transforma em defesa ecológica, pelo menos não explicitamente, mas simplesmente mostra que escolher a própria vida e ter liberdade de pensamento não é tão fácil quanto parece. O filme não pretende demonstrar nada, contenta-se em mostrar um pai e sua filha, um pouco diferentes do mundo que os rodeia, através de uma ficção que não recusa o romântico, mesmo num modo minimalista. E só podemos ser cativados pela interpretação luminosa do jovem neozelandês Thomasin Harcourt McKenzie, ao lado de um muito sóbrio Ben Foster.
A grande qualidade deste filme é a ausência de “pathos”: são poucos os diálogos entre o pai e a filha e tudo se passa através de olhares, gestos, expressões faciais com um ar muito sóbrio. Observe duas belas imagens metafóricas: a da aranha e sua teia, e a da colmeia com abelhas potenciais perigosas para os humanos. Um filme muito nobre, todo na contenção, na delicadeza, isolado do mundo ou no meio de “marginais” benevolentes e cativantes.
Amores Canibais
2.4 393 Assista AgoraAmores Canibais é um filme atmosférico, o tipo de produção que você se adapta de acordo com sua personalidade, seu humor e sua mente aberta cinematográfica. O que não podemos tirar disso é uma atmosfera única que consegue se destacar da generalidade de filmes B genéricos de contexto pós-apocalíptico.
Na verdade, é agradável à vista e artisticamente, e somos brindados com algumas sequências de rara beleza, embaladas numa trilha sonora de melhor efeito entre sucessos dos anos 80 e 90 (a cena da festa no deserto é admirável neste aspecto). E esta obra também consegue não ser pretensiosa ou enfadonha no seu lado mais autoral, aspecto que acaba por se enquadrar bem nas restantes, formando assim um todo bastante coerente, embora imperfeito. Uma curiosidade agradável e surpreendente que nos premia além de dois convidados de luxo em papéis totalmente ilustres: Jim Carrey e Keanu Reeves.
Amores Canibais poderia ser considerado incrível, ou até mesmo marcado a sua época, mas que deixará um gostinho de decepção. O que lhe torna significativo é sua premissa básica e o universo que ele consegue criar. Num mundo distópico, os “indesejáveis” são enviados para o exílio no deserto, deixados à própria sorte. Formam-se então comunidades, com regras e éticas diferentes que perseguem o mesmo objetivo: sobreviver.
A reflexão que isso pode gerar nas relações humanas, na moralidade, na construção de uma civilização é infinita. E, infelizmente, o filme atrapalha tudo isso com um enredo quase inexistente. Não é incoerente, nem mal escrito, mas verdadeiramente ausente. A gama de personagens, cada um mais interessante que o outro, é subexplorada por um filme em que absolutamente nada acontece.
No entanto, se devemos reconhecer na realizadora um verdadeiro sentido de imagem e um talento de realização que explora maravilhosamente os silêncios e pensamentos de seus personagens, faltava-me algo a que realmente me agarrar nestas múltiplas travessias do deserto. A intriga, uma história de amor emergente não é suficiente para nos fisgar. Pena porque associado ao ritmo contemplativo do todo, às vezes flertamos com o soporífero. Talvez eu não seja “experiente” o suficiente para apreciar isso, também é possível.
Amores Canibais não agradará a todos, isso é certo, mas se você encontrar as chaves para a grande viagem que ele oferece, a experiência pode valer o esforço.
Ficção Americana
3.8 383 Assista AgoraNo local onde cresceu, Thelonious Ellison, mais conhecido como Monk, viu a sua vida privada e profissional colidir apesar de ter saído deste local para se concentrar na sua profissão, mas também para se proteger desta difícil realidade familiar que não queremos enfrentar diariamente. Ele é deparado com um dilema moral, pois deve escolher entre se enquadrar nos moldes, ganhando o dinheiro que precisa graças a um produto que odeia, ou manter sua integridade e todos os seus problemas.
Modesta e terna tragicomédia americana, admiravelmente fazendo jus ao seu nome: os estigmas e os tiques recorrentes das relações raciais na sociedade americana são descritos com delicadeza, com os afro-americanos reproduzindo os reflexos racistas dos quais eles próprios são vítimas. A acusação é executada com maestria por um ator que muitas vezes é subutilizado e aqui está no seu melhor: Jeffrey Wright.
“Ficção Americana” parece ser a proposta mais moderna e engenhosa de como as dinâmicas raciais evoluem ao longo do tempo e no que resultaram hoje. Uma obra claramente na época e que se permite visar o establishment e a forma como a questão racial é explorada na indústria literária ou cinematográfica. Também uma comédia mordaz, um formidável e complexo questionamento da literatura e do dilema do escritor intelectual e condescendente.
Permite-nos assim abordar com mais profundidade a personalidade do herói e o papel da escrita, da ironia feroz e do travestimento como válvula de escape. Teremos entendido também dá questão de identidade, múltipla. Se a produção não inventa nada, permanece limpa em sua narração clássica, acompanhada de boas músicas.
Existem também algumas extensões, embora as subtramas relativas ao personagem principal e sua vida amorosa ou familiar sejam muito bem-sucedidas entre a emoção e a introspecção pessoal. A encenação é certamente também um pouco clássica e nada surpreendente, mas é no seu tema principal subjacente que esta “Ficção Americana” nos apanha e nos surpreende. Sem dúvida, a lufada de ar fresco nestes Oscars.
O Astronauta
2.9 120 Assista AgoraUma fábula poética espacial cujo tema está menos na pesquisa científico-existencial do que nos grandes mistérios da vida de um casal e da beleza humana através desta criatura que tenta compreender as nossas emoções e as do personagem principal.
O Astronauta tem uma bela produção e navega constantemente entre o drama introspectivo e a pura ficção científica. Se há mensagens bonitas entregues, por outro lado é necessário manter o ritmo muito lento das filmagens, quando é realizado o momento é agradável, principalmente quando a aparição engraçada de um "Ser" faz sua entrada entre o espanto e o humor.
Para quem está se perguntando se deveria assistir “O Astronauta” porque está procurando um filme de ação no espaço, a resposta é não. Na realidade é um filme intimista com um grande orçamento e que pode desestabilizar mais de uma pessoa.
Sou daqueles que se perguntam se esta mistura de genialidade e ideias baratas (filosofia simplista?) é completamente voluntária por parte do realizador. Também me pergunto se a filosofia deve necessariamente ser complexa para ser relevante. Se o entrelaçamento de questões de solidão, perda, nossa finitude e também a do universo ainda funciona.
Por mais que tente decidir, não consigo, porque penso que não é objetivo deste filme tentar fornecer uma lição empírica que nos permita responder a estas questões.
Já vimos melhores, isso é certo, mas gostei muito da atmosfera particular deste filme, e é sempre bom ter a confirmação de que Adam Sandler sabe interpretar perfeitamente algo diferente do idiota atípico, além da frequência de voz do Paul Dano que é muito legal atrás da criatura.
Muitas perguntas ficarão sem resposta, algumas exercitarão o cérebro e a imaginação do espectador, outras parecerão um pouco triviais apenas para confundir a mente. Mas se nada funciona do ponto de vista científico não nos importamos porque o objetivo não é popularizar nada, e no final das contas é possível dizer a nós mesmos que um filme que é tão gentil com o espectador, bem, é muito, muito bem-vindo e apreciável.
Apesar da falta delicadeza para fazer um grande filme, tudo é original o suficiente para merecer ser visto por quem quer uma pequena viagem introspectiva para relembrar o essencial. No final, podemos encontrar o que procuramos mesmo que falte muita coisa para fazer do O Astronauta um clássico.
Cisne Negro
4.2 7,9K Assista AgoraNo mundo implacavelmente competitivo das bailarinas, Darren Aronofsky assina um thriller de fantasia diabolicamente opressivo, com conotações horríveis e um
simbolismo pesado. O realizador eleva outra arte corporal ao posto de sofrimento máximo, sempre em uma busca absoluta pela perfeição."Cisne Negro", sem dúvida, uma das obra-primas do ano de 2010. Natalie Portman desempenha o papel de sua vida, que a levou para o caminho de um ao Oscar Indiscutível. O de uma dançarina sempre sob seu controle mãe possessiva, pronta a fazer qualquer sacrifício, para obter o papel principal do Lago dos Cisnes ao som da famosa música clássica de Tchaikovsky.
É cinema sensorial, onde o som e imagens fundem-se numa apoteose artística de primeira ordem. Aronofsky e a sua encenação giratória transportam-nos para os abismos de uma alma obsessiva, vítima de paranóia aguda, cujo lento declínio mental encontra o seu clímax no confronto da sua catarse. Natalie Portman, febril, sensual, aterrorizante, frágil, dolorosa, oprimida, revela toda a gama de emoções reprimidas. A extraordinária atriz Mila Kunis representa seu lado negro, por vezes agradável, ameaçador ou fantasiado. Vincent Cassel se encaixa muito bem como um mestre de balé assustadoramente exigente. Darren Aronofsky dirige um filme sombrio, violento, duro e totalmente eficaz, a encenação, direção, cenários, figurinos e principalmente a música estão perfeita sintonia.
Algumas passagens são absolutamente assustadoras e angustiantes, até mesmo Aronofsky consegue fazer-nos sentir esta opressão permanente seja através do uso da sua câmara giratória, através de metamorfoses ou mesmo do uso frequente e repetitivo da clássica música. Nina é escolhida para interpretar não só o cisne branco, mas também o cisne negro do famoso balé. Surge então a questão de saber interpretar 2 papéis opostos e contrários e sobretudo como interpretá-los perfeitamente. O domínio do corpo levará à perda da mente. É, portanto, esta dupla interpretação combinada com o desejo de perfeição de Nina que sela definitivamente o seu futuro esquizofrênico. A presença de uma rival, idealizada por Nina, será apenas um catalisador, um acelerador.
Um filme que não agradará a todos, pelo seu ambiente particular, mas que irá agradar aos fãs do autor. .Um grande tapa cinematográfico na cara.
O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford
3.6 478 Assista AgoraUm faroeste crepuscular que narra de forma muito poética os últimos dias da lenda do velho oeste americano, Jesse James. O título do filme não é tão longo por acaso, pois em vez de ser uma simples cinebiografia, o realizador busca imortalizar seus personagens em cada cena.
O filme centra-se na relação ambígua com Robert Ford. A admiração que este tinha por Jesse James quando era mais jovem se transformará em puro fanatismo que acabará obcecando-o a ponto de querer absolutamente se tornar um novo Jesse James.
Rico nesta complexidade, o longa-metragem se apresenta com uma melancolia homogénea que lhe confere toda a sua coerência.
O cineasta neozelandês captura toda sua genialidade, iconizando Jesse James em um piscar de olhos, capturando o fluxo do tempo de uma forma quase perturbadora, tornando-se orgânico e estelar alternadamente. Se por vezes foi criticado por ser um pouco obtuso, pouco sincero, é sem dúvida por esquecer que filmava uma mentira, uma ilusão. A sua imagem, muito trabalhada por lentes grande-angulares para capturar imensas e belíssimas paisagens naturais, admite para si a falsificação que se produz quando contamos uma história, sem anular a força de uma história que se sabe imprecisa mas que a utiliza para traçar recantos de dúvida, mistério e humanidade reprimida.
Desta história de fascínio que se transforma em ódio e de necessidade de matar o próprio modelo para existir, o diretor extrai as melhores questões, lembrando que é sobretudo a história dos homens que enfrentam o seu destino. Lamentamos que ele se demore em passagens desnecessárias destacando protagonistas que não são úteis à trama, momentos esses que pesam no todo e atrapalham o ritmo. Porém, diante da excelente interpretação de Brad Pitt e da atuação fascinante e cheia de nuances do então, prodígio, Casey Affleck, só podemos nos curvar.
Em suma, O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford é mais um drama romântico do que um faroeste, O ritmo do filme de Andrew Dominik é meditativo, contemplativo mas lento, nunca, porque o tédio está totalmente ausente, pois cada cena exala poder, beleza e faz sentir o seu carácter essencial. O suspense não tem lugar aqui, é uma verdadeira tragédia no sentido de que conduz os personagens a um fim conhecido por todos, a um destino inevitável.
O filme atinge uma espécie de abstração no momento indefinível em que os personagens, por mais fascinantes que sejam, parecem dominados por uma ressonância superior, por aberturas metafísicas universais. Uma verdadeira meditação sobre a morte e a imortalidade está surgindo diante dos nossos olhos.
A rigor, não há heróis neste filme, apenas personagens mais ou menos podres por dentro que, mais cedo ou mais tarde, acabarão pagando o preço. Além do enredo complexo e claro, o filme é impecavelmente dominado por seu diretor (esplêndida imagem e sentido do enquadramento trabalhado), a trilha sonora puramente fascinante, fundindo-se na imagem como nunca antes, suspendendo o curso do tempo como se o mundo fosse tocado na sua matriz. O ritmo da história depende desta partitura variada mas muito coerente, quase tanto como da narração e dos enquadramentos contemplativos de uma natureza que continua incansavelmente o seu ciclo.
Comovente, com uma originalidade transbordante, O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford é um magnífico filme de grande riqueza com qualidades cinematográficas inegáveis que o transporta por quase 2 horas e 40 minutos para uma verdadeira faceta de idolatria e paixão.
O Discurso do Rei
4.0 2,6K Assista AgoraTerceira cinebiografia dirigida por Tom Hooper (que mais tarde dirigiria o musical "Les Misérables"), O Discurso do Rei tem a principal particularidade de se concentrar apenas em um momento muito curto (2 anos entre a abdicação de seu irmão e o famoso discurso) da vida de George VI.
Aqui estamos exclusivamente num uso extremamente inteligente do uso de imagens e da edição para criar uma emoção forte já exacerbada pelas situações familiares e pelo extraordinário contexto europeu da época. A amizade entre o futuro monarca, considerado impróprio para o trono por ser gago depois de uma infância difícil, e Lionel Logue, o homem culto que o ajudou a ter uma boa fala para se expressar em público.
A interpretação de Colin Firth é excelente como um indivíduo que sonha ser comum e que se vê rei da Inglaterra, dotado de uma gagueira muito embaraçosa enquanto a comunicação moderna começa a ganhar importância na vida política e, ainda mais, na guerra que ameaça. A interpretação de Geoffrey Rush é ainda mais esplêndida, como fonoaudiólogo de origem australiana com métodos pouco ortodoxos. Os diálogos acrescentam regularmente toques de humor e permitem-nos realmente apegar-nos a estas duas personagens ligadas por um profundo respeito próximo da amizade.
Embora sofrendo de um academicismo ligeiramente latente, que contém uma série de características intrínsecas que podem ser consideradas qualidades. Isso é evidenciado por uma encenação refinada que serve uma atmosfera de primeira linha da Inglaterra entre guerras, um elenco de apoio em impecável atuação e um cenário admirável, rico em anedotas, para uma obra longe de ser apenas anedótica.
No final, quando pensamos neste filme, 12 nomeações para os Oscar que, na minha opinião, não são exageradas. O Discurso do Rei não só é cuidadoso e eficaz, mas acima de tudo é forte na emoção, mantendo toda a reserva e dignidade que acompanham este tipo de filme, apresentando um equilíbrio perfeito entre, por um lado, um profundo respeito e grande honestidade e, por outro lado, um desejo satisfeito de perturbar as regras da realeza inglesa. Uma cinebiografia grandiosa e magistral da qual recordarei especialmente o último encontro cara a cara entre "Bertie" e Logue para o discurso final, um grande momento do cinema. Uma joia pura da qual fui cativado. Sem dúvida um longa-metragem de sucesso, sério e leve, que poderia ter sido menos acadêmico.
Duna: Parte 2
4.3 661No cenário cinematográfico contemporâneo, poucos filmes são capazes de transcender o simples entretenimento. As quase três horas que dura o filme passam em uma velocidade incrível. Os duelos verbais viciantes, as conspirações, os planos amplos que sublimam este universo e as peças de bravura que se impressionam sucedem-se a boa velocidade. Em termos de grande espetáculo, a sabotagem das colheitadeiras, os passeios nas minhocas gigantes ou mesmo a luta final são imponentes e enchem os nossos olhos, recompensando a nossa sede de espetacularidade e magia. Mas Villeneuve nunca sacrifica a substância pela ação.
O subtexto político do filme é muito forte. Podemos ver aqui certas reminiscências do regime nazista ou do conflito Israel-Palestina. Ou mesmo qualquer povo sob ditadura ou governado por interesses nebulosos. Assim como o aspecto religioso. Aqui estamos falando de fanatismo e doutrinação que se tornou um sucesso de bilheteria para todos os públicos e não é tão frequente. Entre geopolítica, guerras religiosas, fanatismo e doutrinação, o longa-metragem surge não apenas como ficção científica, mas como uma verdadeira crítica ao mundo e às suas falhas. Ao abordar também temas como ecologia e superexploração, a obra revela toda a extensão do projeto de Frank Herbert.
Em suma, a adaptação do romance “Duna” em 2 filmes de Denis Villeneuve é um sucesso retumbante. Os dois longas-metragens se encaixam perfeitamente como um quebra-cabeça e nos oferecem uma experiência cinematográfica de alto nível. O filme ganhará força graças à fluidez de certas cenas e ao talento incomparável de Denis Villeneuve para a ficção científica. Curiosamente, a batalha final, apesar da duração do filme, é bastante desleixada, e sentimos uma certa pressa no desenrolar da história, pouco antes de concluir. E finalmente percebemos que Duna é uma trágica história familiar, onde a traição e o poder desempenham os papéis principais, rodeados de cães e víboras, que querem mais do que migalhas. Agora temos que esperar pelos resultados de bilheteria para reivindicar Duna 3. Esta segunda parte (tal como a primeira) deve ser absolutemente vivida num cinema. Aguardemos a sequência com certo interesse
O Grande Hotel Budapeste
4.2 3,0KWes Anderson atingiu uma maturidade indiscutível e oferece-nos aqui uma joia cujo sucesso está garantido, neste hotel que cristaliza tudo o que há de fascinante no cinema: cenários magníficos, reviravoltas habilmente orquestradas, flashbacks, corridas frenéticas e histórias de amor. Este filme é uma obra barroca e lembra-nos que o cinema existe para nos dar um vislumbre de outro mundo. O realizador já tinha imposto o seu estilo “excêntrico” em Moonrise Kingdom (2012), com O Grande Hotel Budapeste, o cineasta realiza o seu filme mais ambicioso, até então. Situado num contexto histórico que não se deve ao acaso (ascensão do fascismo nos países orientais na década de 1930) e que contribui enormemente para o encanto do conjunto.
Fiel ao seu estilo, a maior parte do filme se passa em cenários absolutamente adoráveis e desproporcionalmente pequenos que oferecem uma excelente perspectiva de um elenco estelar. Os figurinos contribuem para a beleza visual do filme, desde os uniformes até os figurinos dos presos, tudo é impecável. Tiremos o chapéu também para a trilha sonora divertida e a edição hiperdinâmica que acompanha o espectador em sua apreciação.
O universo visual é verdadeiramente sublime, a fotografia é soberba, reforçando este lado excêntrico do cenário, alternamos cores pasteis e formatos 16:9 e 4:3, tudo bastante agradável. Os vários flashbacks fazem-nos descobrir a história deste hotel, outrora famoso por ter perdido prestígio, bem como o seu concierge entrar em contato com os herdeiros de uma mulher que lhe deixou um quadro de valor inestimável. A escrita é muito boa e reforçada por um elenco incrível, notadamente Ralph Fiennes, Willem Dafoe, Adrian Brody e até Harvey Keitel, todos impecavelmente dirigidos por Anderson, damos um passo incrível na descoberta dessa paleta à medida que avançamos com quase todos os personagens atípicos.
Não faltam situações incríveis, como esta louca sequência de perseguição de trenó ou mais comoventes como o final e sua dimensão melancólica. A qualidade da produção é inegável, o gosto de Anderson pela simetria é de um gênio cuidadosamente estudado adicionando um grau poético adicional ao roteiero, algumas belas tomadas também, tudo é realmente limpo e literalmente artístico.
O Grande Hotel Budapeste é um excelente filme, bonito, peculiar, engraçado e subtil, provando mais uma vez que Wes Anderson é um dos grandes realizadores a ter em conta. Se você ainda não viu, corra e veja, acredite, na pior das hipóteses você se divertirá muito e, na melhor das hipóteses, se divertirá muito.
Aquaman 2: O Reino Perdido
2.9 300 Assista AgoraUma sequência na linha da primeira, que cumpre seu papel de entretenimento sem se diferenciar dos demais longas de super-heróis. Aquaman 2 se apresenta com ideias simples: Família, fraternidade, paternidade, ambivalência humana e sobretudo perdão, ideia central do filme.
A relação entre Jason Momoa e Patrick Wilson é um dos pontos fortes da obra. A química entre os dois atores transparece na tela. E James Wan manipula habilmente nessa alquimia. O personagem Arraia Negra é muito melhor explorado do que no primeiro filme e o design de sua armadura ainda é igualmente assustador. Mas achei muito interessante a jornada do vilão e a conclusão de seu personagem em perfeita harmonia e reflexão com sua introdução no filme lançado 5 anos antes.
Na continuidade do primeiro, vasto em aventuras, em vários lugares, rico em seu bestiário, fazendo equilíbrios contínuos com a dose certa entre aventura, ação, humor, faz malabarismos com habilidade entre vários gêneros, tudo em ritmo frenético, e sem nunca se levar a sério. Dois filmes que ninguém esperava e que acabam por surpreender agradavelmente o espectador receptivo.
Visualmente, do lado superficial é impecável, do lado aquático se torna bastante convincente em cenas amplas de cenário, mas rapidamente se torna inacreditável assim que os personagens são mostrados de perto, e especialmente durante as lutas. Gosto muito das tomadas adotadas por James Wan, entre ritmo e contemplação. Direção artística geral no ponto.
Em suma, Aquaman 2: O Reino Perdido é um filme de aventura/super-herói que serve como bom entretenimento. Porém, comete o mesmo erro do primeiro: vender uma ameaça extrema ao espectador, enquanto na superfície o Superman resolveria o problema com uma palma de mão.
Que prazer honrar esta venerável virtude em nossa sociedade que está perdendo o rumo.
Não esperando nada, eu pessoalmente me diverti relaxando.
Eu, Eu Mesmo e Irene
3.5 910 Assista AgoraPela segunda vez, os irmãos Farrelly aproveitam ao máximo a genialidade de Jim Carrey através de um romance leve e totalmente desinibido. A alquimia transmitida por sua dupla com Renée Zellweger tem o melhor efeito. É simplesmente isso que faz o charme das comédias dos famosos irmãos diretores. Eles se preocupam com o público, enchendo-nos de risadas a cada visualização.
Eu, Eu Mesmo e Irene é um puro concentrado de humor regressivo, perfeitamente assumido. Um passeio de road movie que é ao mesmo tempo suave e insano. Jim Carrey interpreta as expressões faciais e os gestos com relativa suavidade, mas caramba, é muito engraçado! Não é à toa que ele é O melhor; é porque ele é sempre extremamente cativante e franco em sua forma de expressar. Esse papel de policial negligente com tendências esquizofrênicas é feito sob medida para ele. Você nunca sabe se Hank ou Charlie ganharão vantagem. Notaremos um grande número de cenas cults e falas que provocam risadas francas, massivas de rir, o suficiente para uivar de tanto gargalhar.
Depois de Debi & Loide (1995), eles reencontram Jim Carrey e mais uma vez lhe ofereceram o papel crucial nesta atrevida comédia onde seu personagem, que sofre de transtornos de personalidade, é encarregado da missão de escoltar uma mulher procurada pela polícia. Mas a jornada não será fácil.
A trilha sonora também é excelente. Em termos de cenário, não é ótimo, mas o conceito psicanalítico básico não é um simples pretexto para o riso, é relativamente desenvolvido e traz um pouco de reflexão ao todo. Como costuma acontecer, a maioria das piadas e situações são absurdas, mas muito bem visto e criativo. Mais uma delícia com fusão Carrey com irmãos Farrelly. Um grande clássico que nunca envelhece.
O Talentoso Ripley
3.8 664 Assista AgoraUma história que parte de uma ideia bastante simplista, mas que se apresenta misturando ganância, vingança e sociopatia. O Talentoso Ripley começa lentamente para estabelecer a atmosfera, embora saudável no início, mas que gradualmente nos levará a uma realidade, bastante macabra. Alguém poderia pensar, lendo a sinopse que é um thriller bastante clássico, mas rapidamente percebemos que o filme vai muito além. Trazendo reflexão mesmo que, em alguns momentos, o filme mostre um lado incoerente que pode incomodar alguns, apesar do cenário de uma doce Itália nos anos 50 que parece um postal tão cuidadoso com a superficialidade dos cenários, personagens que se envolvem num jogo de manipulação que rapidamente transforma um cenário bastante básico para um verdadeiro thriller de grande complexidade psicológica. Sob uma história que se mostra; muito menos idílico. À frente, o espectador; em um filme tão glamoroso quanto psicologicamente desconcertante se você pensar bem. Feita a apresentação dos personagens e todo o resto, o progresso é feito sem que haja lentidão real. Fazer o espectador como refém e levá-lo para uma paisagem suntuosa e uma história rica em surpresas, mas onde rapidamente nos deixamos envolver. Com uma composição sonora que se equilibra entre jazz, Beethoven e Bach, somada a uma produção hipnotizante que oferece planos suntuosos que beiram tanto o misticismo (uma estátua da Virgem emergindo da água) quanto a psicologia de ponta, basta dizer que O Talentoso Ripley tinha tudo para ser uma obra-prima do eterno realizador, Anthony Minghella.
Não que um tempo tão significativo seja, a rigor, um defeito para outros filmes. Mas para O Talentoso Ripley, é extremamente fatal. E por uma boa razão, não podemos deixar de pensar que tal filme poderia ter sido mais curto e muito mais eficaz. O longa-metragem demora excessivamente para contar sua história. Felizmente, a segunda parte do filme dá conta de tudo e consegue realçar as suas grandes qualidades que tivemos dificuldade em ver na primeira hora.
Sim, é uma pena que o interesse do filme começa tarde, mas a trama cresce e acaba assumindo uma escala assustadora, quase irreal, porque sem sombra de dúvida estávamos diante de uma verdadeira joia de thriller psicológico. O conjunto, porém, continua muito bem feito, por isso não deve ler o parágrafo anterior como uma crítica a um detalhe de um longa-metragem altamente trabalhado. Mas devemos admitir que diante de tal resultado, um sentimento de frustração não pode ser evitado.
Então deixe-se levar por esse suspense alternando o macabro do crime e o macabro do cartão-postal da vida dos super-ricos. E verifique se a porta da sua adega está bem fechada.
O Segredo dos Seus Olhos
4.3 2,1K Assista AgoraVencedor do Oscar na categoria de melhor filme estrangeiro em 2010, O Segredo dos Seus Olhos consegue realizar o desafio raramente tentado e bem-sucedido do thriller romântico. Um filme com uma mensagem forte e universal, com uma bela história de amor, com uma intriga policial e misteriosa até a reviravolta final, com um retrato contundente da corrupção de uma época e banhada no espírito e na cultura argentina dos anos 70.
O diretor aproveita o tempo, à moda antiga, da época em que o cinema respirava sem ofegar, e desenrola a história no seu ritmo e sem tédio para o espectador. Fascinante do início ao fim com sua trama conduzida de forma elegante e fina, a obra também nos oferece uma reflexão relevante sobre o significado da justiça e, sobretudo, muito mais sutil do que normalmente podemos ver em assuntos substancialmente semelhantes. Mas o que também se destaca é esta forma surpreendente de misturar registros, passando facilmente do thriller bastante sóbrio para um romance comovente e sempre credível protagonizado por dois atores excepcionais, tanto mais que o discurso sobre oportunidades perdidas irá tocar mais do que um, e isso lhe permite transmitir muita coisa através de olhares, expressões e gestos, sem precisar enfatizar. Tudo com seus frames ou diálogos redundantes. Os olhares estão entre os mais belos e expressivos que já vi, as emoções são transmitidas com uma perfeição e uma clareza muito raras nestes tempos de racionalização e peso explicativo. O que podemos dizer também da música, coesa do início ao fim, com melodias por vezes comoventes.
Em suma, “O Segredo dos Seus Olhos” oferece um verdadeiro inventário da alma humana, questionando-nos sobre a nossa relação com o vazio, com a procura do amor, com a nossa busca pela verdade e como todas estas questões acabam por nos impedir de viver plenamente.
Estamos diante de uma obra quase perfeita, um filme sensível, intenso, vibrante, raro e poderoso. clássico na substância, mas cheio de momentos de cinema, um sucesso em todos os níveis e, portanto, essencial para todos os fãs de thrillers jurídicos bem elaborados.