Sem ser extraordinário por si só, “Footloose” tem o mérito de ter abalado a geração da qual faço parte, tal como “Dirty Dancing” 3 anos depois. O enredo não é muito denso, porém fornece uma moral tanto para adultos quanto para adolescentes. Apesar de algumas fraquezas e erros de roteiro, tudo é fantasticamente orquestrado pelo diretor Herbert Ross, ajudado por uma trilha sonora muito cativante, da qual o título principal "Footloose" de Kenny Loggins ainda é lembrado. É muito provável que, em um momento ou outro, você se encontre marcando o ritmo com os pés. E é isso que torna “Footloose” notável: esse poder comunicativo. A isto junta-se, para as pessoas da minha geração, um pouco de nostalgia que, admito, me leva a dar uma classificação um pouco superior à que penso que merece. Mas o que diferencia Footloose de outros musicais é o seu enredo. Embora o filme utilize todos os clichés do gênero (uma inevitável história de amor, pessoas que são contra, uma introdução e um final em canções, um rival para o herói, uma segunda parcela quase comica...), o tema de Footloose se diferencia muito. Aqui não há desigualdade social ou desigualdade racial. Ou mesmo uma flagrante falta de enredo, pretexto para um espetáculo musical. Não, Footloose prefere falar sobre a juventude americana. Mas não através de uma mera comédia. De forma bastante séria, abordando vários temas: família, responsabilidade, confiança e religião. E mesmo que o filme não evite alguns momentos que podem fazer rir apesar de tudo (o cara a cara num trator, o herói falando biblicamente ao conselho municipal...), devemos reconhecer em Footloose uma certo aprofundamento do seu tema e dos seus personagens, o que é bastante raro num filme musical. O gênero geralmente toca números musicais, estrelas dançando e/ou cantando. Como resultado, entendemos melhor porque as danças de Footloose raramente são mostradas na tela, sendo a história privilegiada. E, portanto, é compreensível ver até que ponto o sucesso de Footloose não diminuiu: canções lendárias (inclusive a principal), uma agradável comédia dramática nem muito longa nem muito curta, suficientemente equilibrada para agradar ainda hoje um público nostálgico. Um filme cult para toda uma geração de adolescentes rebeldes, Footloose mantém toda a mensagem e energia do passado.
Somente o cineasta chileno, Pablo Larraín, cada vez mais reconhecido no planeta da sétima arte para oferecer uma releitura biográfica de transpor a imagem de um ditador sanguinário para a de um vampiro. Sua filmografia revisita a história de seu país e/ou de personalidades como Jackie Kennedy, Lady Di e Pinochet portanto aqui. Esta primeira obra para uma plataforma de streaming cristaliza suas duas obsessões e se situa em um meio-termo qualitativo onde, da mesma forma, brilhos de todos os tipos convivem com posturas de autor enfadonhas e pretensiosas. Para quem não conhece Augusto Pinochet, ele foi um ditador militar chileno que tomou o poder pela força em 11 de setembro de 1973. Durante seus 16 anos de terror, dezenas de milhares de pessoas desapareceram, sem falar de todos os torturados. Levar o vampiro, essa criatura maligna e sanguinária, para torná-lo um ditador, pode ser considerado uma escolha minimamente ousada. Este filme é uma sátira muito sombria com muitas referências à época da ditadura. Estamos no meio do humor negro. O riso é quase nervoso diante dessa elite se aproveitando da ditadura, quando sabemos até que ponto o povo tem sofrido com isso. Para apreciar O Conde é preciso conhecer um mínimo do assunto. Caso contrário, pode ser mais difícil entrar. Na verdade, é esta faceta de atacar a ditadura através de respostas subtis que lhe confere toda a sua riqueza. Principalmente porque o enredo em si não é o mais atraente. A história é muito banal, com um ritmo bastante lento. No entanto, Pablo Larraín é um diretor talentoso. Gostamos de seu gerenciamento de fotografia. Um trabalho sobre a imagem destacando o horror do personagem Augusto Pinochet. No entanto, o filme às vezes é muito falante e assume muitas extensões, além de ser muitas vezes obscuro e excessivamente barroco em seu simbolismo para quem não conhece de cor a história do Chile. Por outro lado, é impossível não enaltecer a beleza escultórica das imagens deste conto barroco cujo domínio visual é inegável. Imperdível para os cinéfilos que amam experiências bizarras.
Raros são filmes que nos questionam sobre questões como os limites do envolvimento criminoso e questões sociais como o analfabetismo, sem nos dar as respostas. O Leitor é um filme de muita honestidade, que permite ao espectador formar a sua própria opinião. Um drama, que como muitos anteriores, se passa no pós-guerra 39/45 e nos julgamentos dos nazistas. Ao contrário do que previ, é um assunto bastante inovador e perfeitamente abrangente. Grande parte do impacto emocional do filme se deve ao desempenho notável e de tirar o fôlego de Kate Winslet. A sua fria simplicidade impõe necessariamente uma reflexão profunda ao espectador que se pergunta, ao longo da trama, o que poderá pensar desta mulher singular, dividida entre o seu passado horrível e o seu amor pela literatura. A atuação da atriz é simplesmente incrível e o Oscar, o Globo de Ouro e o BAFTA de melhor atriz, que lhe foi concedido por esse papel é totalmente justificado. Os filmes que optam por apresentar os nazistas como personagens tridimensionais enfrentam um espinhoso dilema moral. Ao ser demasiado solidário com tal personagem, existe o perigo de diminuir a sua cumplicidade no genocídio. Do outro lado está o potencial para uma caricatura do mal. O Leitor habilmente trilha uma linha entre os dois, nunca desculpando-se ou negando o que Hanna fez, mas também indicando que, para ela, isso não definiu sua vida. Na maior parte, ela tranca o passado e vive apenas no presente. O filme não a reabilita. No mundo real, provavelmente havia mais Hannas do que os nazistas demoníacos que estamos acostumados a ver em diversos filmes. A encenação é muito clássica e sóbria, mantendo-se de qualidade e eficaz graças ao tema do filme, baseia-se principalmente em planos fixos e zooms lentos em direção aos personagens da frente, bem como em planos que vão de campo a campo, acompanhando o personagem em caminho paralelo como durante a visita de Michael a um antigo campo de concentração e algumas tomadas amplas abrangendo toda uma paisagem. Pena pelas cenas sulfurosas, acho que poderia ter sido filmado de uma forma mais sugerida sem tirar o charme do filme. Também teria sido sensato acalmar os omnipresentes violinos, porque está em jogo a credibilidade da obra e do realizador, este último deixando a desagradável impressão de manipular as nossas emoções. Em última análise, O Leitor é um filme de impacto duradouro e oferece interessantes caminhos de reflexão sobre a humanidade em toda a sua surpreendente complexidade. Entre amor, decepção, raiva, compaixão. Procure a verdade e uma certa forma de absolvição. Uma ótima obra sobre o passado sombrio do nazismo na Alemanha. A ser descoberto ou redescoberto com urgência.
A mais recente obra-primade Hayao Miyazaki transporta-nos para um universo mágico onde a beleza reside na simplicidade da vida, da natureza e a multiplicidade de símbolos/encontros que oferecem vários níveis fascinantes de leitura. A produção de Miyazaki é de uma beleza deslumbrante, capturando graciosamente paisagens campestres, a passagem das estações e a magia de encontros inesperados. A animação é de qualidade excepcional e cada plano está imbuído de detalhes que despertam admiração. Papagaios antropomórficos comedores de gente, pelicanos beligerantes, uma garota com poderes pirotécnicos e tantas outras ferramentas usadas com sensatez para oferecer um mundo crepuscular apesar de sua aparência verde. O Menino e a Garça destaca-se pela simplicidade e sutileza. Explora temas de perda, cura, reconexão com a natureza e a curiosidade insaciável da infância. Mahito, ao seguir a garça e deixar-se guiar por ela, vai descobrindo aos poucos a riqueza do mundo que o rodeia e maravilhando-se com os mistérios da vida, acompanhado de uma trilha sonora magistral que contribui para o aspecto emocional da história: uma emoção controlada, perfeitamente destilada. Este filme é uma homenagem à infância, à inocência e à capacidade de redescobrir o mundo através do olhar de uma criança. Lembra aos espectadores a importância da conexão com a natureza, da exploração e da busca de significado em um mundo às vezes complexo. Posso afirmar que O Menino e a Garça é uma obra que transcende gerações e nos lembra que, mesmo nos momentos mais sombrios da vida, há luz e beleza a serem descobertas. É um convite a desacelerar, a maravilhar-se e a deixar-se guiar pela natureza e pela curiosidade. Uma experiência cinematográfica encantadora que irá aquecer os corações de todos os amantes da animação e da imaginação. Em suma, podemos muito bem dizer, estamos sem dúvida diante de uma obra-prima (se for o último filme de Miyazaki, ele sai com honras) e de um formidável trabalho sobre o luto e a forma de enfrentá-lo no final.
Em tom de comédia, com humor verbal perfeitamente bem escrito, Stanley Kubrick denuncia um aspecto da estupidez humana que acaba por estar em perfeita harmonia com o seu tempo, uma vez que é uma imagem satírica particularmente amarga da Guerra Fria e do nuclear subjacente. A situação não é exagerada, com generais desequilibrados a quem são dados plenos poderes, pilotos estupidamente obedientes e um Pentágono sobrecarregado pelos acontecimentos. O equilíbrio entre o rigor do cenário e o burlesco das situações é muito precário, especialmente porque originalmente era para ser um thriller arrepiante, apresetando o absurdo de um conflito nuclear, enquanto a população mundial se refugiava então na negação. Os atores são excelentes, principalmente Petter Sellers que interpreta três personagens, o Capitão Lionel Mandrake, o Presidente Merkin Muffley e o louco e ex-nazista Doutor Strangelove, os personagens também são engraçados e excêntricos. A fotografia é caprichada e o preto e branco refinado acentua o lado obscuro do filme. O jogo polimórfico de Peter Sellers dá a esta nova carga antimilitarista uma visão ao mesmo tempo ridícula e assustadora das motivações político-militares dos responsáveis deste pequeno jogo geopolítico. A escrita cínica dos diálogos e personagens com que se retrata o absurdo e a incompetência destas autoridades em tempos de crise e o tom mais burlesco de certas situações em cenas que permaneceram cult como o lançamento da bomba fazem desta farsa raivosa, senão um dos maiores sucessos de seu genial diretor, obra essencial do cinema americano dos anos sessenta. Não devemos esquecer de elogiar o desenho da sala de guerra, cenário marcial que deu origem a tantos mitos cinematográficos, símbolo hilariante do poder militar americano e que muitas vezes foi retomado, inconscientemente ou não, em obras posteriores, representando os mistérios do poder americano. Se Dr. Fantástico é o último representante da filmografia de Kubrick em preto e branco, e um filme que realmente causou mudanças na política americana depois de seu lançamento. Fecha esta época de forma brilhante e constitui, sem dúvida, a reflexão mais avançada sobre o exército que o cineasta liderou, ainda que o tema da guerra seja o seu campo preferido. Em suma, um bom filme de Kubrick, provavelmente não o seu melhor, mas uma pérola de comédia com humor negro e absurdo, para ser vista pelo menos uma vez.
A estreante britânica Emerlad Fennell, que trabalhou nas séries “The Crown” e “Killing Eve”, realiza um primeiro filme que nos surpreende pelo seu conteúdo profundamente subversivo e comprometido, bem como pelo tratamento visual que lhe dá. E ela também dá a Carey Mulligan seu melhor papel em muito tempo, senão o melhor. Seja ela uma boba sexy, uma filhinha do papai infeliz ou um anjo vingador, ela possui um lado oculto que é no mínimo surpreendente nessa vingança feminina, mesmo que ao ler o roteiro não seja necessariamente nela que apostaríamos. Mas seu físico mais clássico, distante dos padrões habituais de beleza, trabalha a seu favor e torna a personagem mais acessível e humana, o que permite melhor identificação ao espectador. “Bela Vingança” concilia gêneros com habilidade, indo da comédia romântica ao thriller de vingança com reviravoltas com uma facilidade e fluidez que não podem ser explicadas, mas que funcionam totalmente. E agradecemos que o cenário seja revelado em pequenos toques para que nunca saibamos para onde estamos sendo levados. Fennell dirige seu filme de forma frontal e desinibida. Ela opta por cores ácidas para tudo (cenários, figurinos, etc.) e uma estética pop (dobrada com uma trilha sonora do mesmo gênero de muito sucesso) que o tornam muito agradável. A realizadora cuida de seus planos, alguns até particularmente interessantes em termos de símbolos. Certas sequências são particularmente bem sucedidas e inovadoras, o que mostra a singularidade de uma cineasta a seguir (a chegada de Cassie à despedida de solteiro vestida de enfermeira ou a hipnótica cena de abertura). Esse conjunto de inspiração que se volta para o barroco funciona 100%, assim como essa surpreendente mistura de tons, até quebras de tom. Deliberadamente intransigente na sua visão de um gênero masculino obcecado e malévolo, o filme pode parecer maniqueísta e carecer de nuances, mas a realizadora aceita o seu ponto de vista do início ao fim. E quando acreditamos que o longa-metragem está se acalmando, é para melhor nos prender com uma primeira reviravolta que não prevemos, e que leva a uma cena muito violenta, sem ser sangrenta ou extrema, mas que acaba sendo tão extensa e estranhamente filmado que deixa uma impressão duradoura. Uma vez levantadas as questões em torno de seu discurso, deve-se reconhecer que Emerald Fennell oferece uma direção muito eficaz e bastante imaginativa, combinada com uma história intrigante e de bom ritmo. Poderemos até ficar surpreendidos com o enviesamento adotado nos últimos 15 ou 20 minutos que particularmente não esperamos. Assim, Bela Vingança é uma obra que pode levantar questões sobre os seus méritos, mas que, do ponto de vista puramente formal, é bastante poderoso e original.
Lançado entre dois “Batman” numa época em que o grande público ainda se desinteressava pelo nome de Christopher Nolan, “O Grande Truque” é um filme que quase passou despercebido, tanto que quase às vezes esquecemos citá-lo quando se trata de discutir a carreira deste autor tão aclamado. E, francamente, é uma pena, porque este filme não só é certamente uma das melhores obras realizadas pelos irmãos Nolan, mas também é certamente o filme que melhor resume o seu cinema. Porque o que é “O Grande Truque” senão um filme que nos fala sobre mágicos; uma metáfora muito óbvia para o mundo dos cineastas? Do início ao fim, esta obra é sobre cinema, encenação e a importância fundamental da ilusão. Desde a abertura, as primeiras palavras ditas que ressoam como um aviso; como uma armadilha mental que o realizador se fechará sobre nós afirmando isso em voz alta. E nós, espectadores, deixamo-nos enganar porque “Queremos ser enganados". E onde o público só vê bobagens, os dois protagonistas informados só veem artifícios destinados a enganar as pessoas; técnicas simples ao serviço desta ilusão que o público tanto procura. Vemos assim os bastidores, as armadilhas e os sacrifícios empreendidos pelos protagonistas para se destacarem na sua arte, mas sobretudo revelam-nos a pedra angular de todo este exercício: o segredo. E se a grande revelação pode decepcionar mais de um (lembro-me que quando a descobri no cinema as pessoas saíram naquele preciso momento), o fato é que ao proceder desta forma, descobrir a verdade de um truque não é a coisa mais importante, porque é terrivelmente decepcionante. O suspense é onipresente ao longo de todo o filme, a tensão nunca diminui nem o tédio se instala. A produção é fabulosa, as cenas mágicas são magistrais e a narração feita de passagens entre o presente e o passado é perfeitamente dominada, como quase sempre acontece com Nolan, e apenas acentua o suspense ou o peso de certas reviravoltas. O elenco é praticamente perfeito, exalando classe em cada uma de suas atuações (Bale, Jackman, Johansson, Caine, Andy Serkis e um carismático David Bowie). A música reforça a atmosfera do filme que é realmente enorme. Ritmo, muitas reviravoltas, suspense e figurinos soberbos, os cenários e a atmosfera da Londres do final do século XIX fazem muito sucesso. Em suma, uma obra fascinante, que tem o seu lugar na filmografia decididamente impressionante do seu autor, que consegue surpreender mais de uma vez com muita originalidade e sutileza.
O Protetor: Capítulo Final, marca a conclusão desta trilogia onde os primeiros passos de Robert Mccalle começaram ao mesmo tempo que os de John Wick, participando fortemente do renascimento dos filmes de ação. Assim, este filme que pretende encerrar a saga conseguirá completar todos os diferentes arcos entre os personagens e é preciso admitir que isso normalmente é conseguido, pois os espectadores que acompanharam a saga verão este desenvolvimento como uma forma de piscadela, enquanto os novos espectadores entenderão sem ter a referência exata, dizendo “isso deve ter acontecido na obra anterior”. Então está tudo muito bem terminar uma trilogia, mas o que queremos saber é se foi feito com perfeição? Pois bem, em primeiro lugar, o que mais me impressionou nesta longa-metragem foi a fotografia utilizada pelo realizador, que nos dá a honra de realçar paisagens reais explicadas por planos num cenário natural, e onde sentimos toda a vida e atmosfera de uma pequena cidade italiana. Através desta fotografia tive o desejo como espectador de visitar esta aldeia e explorar as ruas mais pequenas. Em segundo lugar, mesmo que não tenha uma memória real das diferentes músicas utilizadas nas obras anteriores, devo sublinhar o fato de todas as composições serem extremamente agradáveis e virem magnificamente vestidas, os cenários e o nosso protagonista durante várias cenas apoiando este lado realista da coisas. E por fim, numa terceira etapa, na minha opinião, esta terceira parte é a que tem a melhor história. E sim, neste filme vemos claramente que Robert Mccalle evoluiu claramente. Aqui Denzel Washington faz uma transição marcante. Desta vez adeus às cenas meticulosamente coreografadas como um relógio suíço, para momentos de violência crua. Longe de qualquer compromisso, o filme abraça mortes sangrentas que não mostram contenção. No entanto, apesar desta brutalidade, as cenas permanecem incrivelmente dinâmicas. O lado da ação subiu um degrau em comparação com os dois primeiros, podendo chocar mais de uma pessoa. Muitos detalhes e realismo que podem deixar o olho mais frágil. Isso nos permite desenvolver ainda mais fortemente o protagonista que envelhece e se cansa de sua vida de assassino. Para concluir, considero melhor que o segundo, mas ainda não está à altura do primeiro. Sinceramente, esse é o tipo de filme que recomendo aos fãs de filmes de ação em vários pontos. Para terminar esta saga em grande estilo, sem distorcer o conceito do realizador e de Denzel Washington, que continua convincente como sempre.
Entre as poucas joias da Netflix, Nimona, se destaca pela abordagem de temas profundos como a diferença, o preconceito e a necessidade de superá-los de forma sutil e divertida. Com uma história engraçada e enérgica, esta animação cativante consegue transmitir uma mensagem poderosa sem nunca sacrificar o humor e a leveza. O que apreciei de imediato foi a complexidade dos personagens. Os vilões não são simplesmente arquétipos do mal, mas sim indivíduos que acreditam em fazer o bem. Esta nuance oferece uma perspectiva interessante e encorajará os jovens espectadores (espero) a questionar as noções de bem e mal. A personagem Nimona é completamente insana e cativante com sua loucura e seu grande coração. A dupla com Ballister funciona bem e é comovente ver o nascimento de sua cumplicidade. No que diz respeito à trama principal, o tema da rejeição dos outros e da aceitação da diferença é uma bela mensagem para os jovens. Certamente, podemos achar que a história é um pouco esperada em alguns desses finais ou na intriga. Mas a história, no entanto, permanece sobrecarregada e cheia de ação, por um lado, mas também comovente e bem desenvolvida em seus temas, por outro. O humor também está muito presente e a loucura de Nimona dá origem a cenas coloridas e muito cômicas. A isso, a música estilo punk soma-se ao lado louco e energético de Nimona. O estilo de animação, sem ser magnífico, é bem feito e dá uma bela renderização. A fusão entre o estilo medieval e o futurista confere à cidade um aspecto bastante original e agradável. Além disso, existem algumas grandes descobertas em termos de trabalho em animação. As transformações de Nimona são um admiráveis, a expressão de suas emoções é muito demonstrativa ou ainda tenho em mente a cena de flashback de cerâmica durante a viagem de metrô que achei muito original. Infelizmente, o filme corre o risco de sofrer bombardeios de crítica por parte mais conservadora da população. Vejo daqui pessoas qualificando o filme como acordado quando é justamente esse tipo de preconceito psicológico que ele denuncia: o fato de se sentir atacado por pessoas que só querem existir em paz com suas diferenças em vez de se forçar a fazê-las desaparecer mesmo que significa sofrimento. Se você ler esta crítica e hesitar em assistir, não confie nas avaliações: se você procura um bom filme de animação com aventura repleta de humor e emoção, este é perfeito. Se ver um casal gay se beijando te incomoda profundamente, siga em frente, esse filme não é para você (bom, se foi feito justamente para você, mas ser confrontado com suas contradições não é muito agradável).
Em Auschwitz, a chamada Zona de Interesse, ou 'interessengebiet' em alemão, era a expressão dada ao local onde os judeus recém-chegados passavam pela triagem do campo de concentração. No filme de Jonathan Glazer, o alojamento do comandante do campo, Rudolph Höss, e sua família, estão localizados logo atrás do muro do campo. Não podemos ver o interior do acampamento, nem os seus ocupantes, mas eles estão intensamente presentes, fora das câmaras, através da assombrosa trilha sonora (choro de crianças dilaceradas, gritos horríveis de toda a espécie, latidos de cães, explosões, etc.) e pela imagem de chaminés fumegantes. O realizador foca no cotidiano de uma família grande e rica que cuida de seus negócios com toda indiferença ao sofrimento humano em sua psicologia de forma geral. Rudolph Höss é um tenente-coronel meticuloso que brilha pela eficiência no desempenho do campo, medida em termos do número de deportados “processados”. Ele está lutando para manter seu emprego local. A mãe e esposa, Hedwig, desfruta da sua vasta casa, do seu jardim, da sua piscina da qual não quer abrir mão a qualquer custo, mesmo quando o marido é transferido para o leste. As crianças nadam no rio, a família organiza algumas festas, os colegas de Höss lhe desejam aniversário. Porém, se a família Höss parece pacífica, o espectador não está porque o diretor, além da trilha sonora, envia sinais sobre os horrores que se fermentam atrás da parede e esboça rachaduras no mecanismo implacável. Algumas imagens destacadas mostram uma jovem circulando pelo acampamento à noite. (Essa jovem ajuda os presos?) O filme tem uma beleza formal notável, no enquadramento, nos movimentos, na iluminação. Sandra Hüller talvez esteja desempenhando o papel de sua vida. Ela parece incorporar a própria Hedwig Höss. Christian Friedel é tão credível com o cinismo assustador e metódico de Rudolph Höss, demasiadamente indolente para o cargo. Os alemães da SS consideravam os judeus como 'sub humanos' que deveriam desaparecer sem falar sobre eles. Jonathan Glazer ilustra muito bem esse argumento. A burocracia nazi geriu a deportação e execução de judeus de uma forma fria e industrial, baseada em cotas e resultados. Toda a cadeia de comando executa ordens com zelo, sem qualquer escrúpulo, com disciplina e obediência inabalável. Enquanto travavam combates terríveis em duas frentes, os alemães encontraram os meios logísticos para organizar durante o verão de 1944 a deportação de 700 mil judeus húngaros para os campos de extermínio. A loucura inconcebível se torna a norma. Esta frieza, esta eficiência, esta ordem alertam-nos e lembram-nos que a desobediência civil é uma das primeiras formas de coragem e lucidez. Os únicos momentos em que os alemães hesitam são aqueles em que os seus pequenos interesses pessoais são ameaçados, quando uma promoção não é concedida, quando uma transferência é considerada, sendo tudo isto pouco universal e quase tranquilizador. A maioria dos críticos se refere a este filme como “arrepiante”, o que é verdade, mas acima de tudo, questiona-nos profundamente, o que é ainda mais notável. Jonathan Glazer coloca sua câmera no centro de uma ferida, a de um mal que pensávamos ter vencido. Zona de Interesse é uma obra radical, explosiva em tudo que mostra, minimalista nas palavras. É algo do qual não podemos nos livrar, é uma emoção cinematográfica total, é cinema.
Vinte e sete anos após a adaptação de Lynch, Denis Villeneuve foi o novo responsável por trazer para a tela a complexidade do titânico universo de ficção científica de “Duna”. Mas onde um polêmico filme não foi suficiente para convencer a todos, Villeneuve teve planos maiores: dois filmes para contar a história de Paul, jovem herdeiro dos Atreides, que, nesta primeira parte, terá que se revelar, suportar as piores provações de um terrível jogo de poder e, finalmente, desaparecer atrás do papel maior que o seu destino o coloca. A versão 2021 de “Duna” para quase no meio do filme de David Lynch e, portanto, tem a oportunidade de beneficiar de novos desenvolvimentos para estabelecer a sua dimensão mística, a vasta mitologia do seu contexto, os seus principais atores e as questões em curso e que estão por vir, mas também frustrar por ser justamente apenas a primeira parte de um díptico cujo alcance total obviamente ganhará ainda mais sentido antes da descoberta da obra na sua totalidade. Os efeitos especiais não saturam a imagem nem sufocam a história. A produção e a fotografia, atentas ao aspecto sensorial, são soberbas, e por vezes até graciosas. Os cenários são impressionantes e refinados, além de todo figurino ser bastante coeso e elegante. Quanto aos temas anunciados para a sequela, são muito tentadores, dando esperança para um crescente emocional do qual temos aqui o início. A intriga política, a princípio complexa, acaba se espalhando como manteiga e nos permite admirar a obra sem quebrar muito a cabeça. Para um livro supostamente difícil de adaptar, este é um ponto importante a ser observado. O fato dos humanos terem se libertados das máquinas numa grande revolta e das máquinas pensantes estarem agora banidas. Também não falamos sobre a proibição de armas atômicas e armas de fogo por causa do efeito Holtzman nos escudos, por isso os personagens lutam principalmente com facas. O espectador casual deve se perguntar por que todo mundo luta principalmente com espadas. Talvez a única crítica importante que possa ser feita ao filme seja a de que ele é, em última análise, retirado de uma história hoje conhecida por muitos, não apenas pelos leitores do romance e/ou espectadores da primeira versão cinematográfica, mas por todos aqueles que leram ou vi obras de ficção científica que felizmente saquearam "Duna" ao longo dos anos, reduzindo assim o efeito de surpresa do enquadramento de suas principais reviravoltas ou dando um desagradável toque anacrônico e antiquado a algumas delas (aleatoriamente, tudo o que cerca um certa traição, hoje muito rudimentar em suas modalidades). No entanto, os esforços de um cineasta que nos sentimos tão apaixonado e respeitoso pela obra que tem a chance de nos dirigir com rapidez suficiente para perdoar as poucas passagens obrigatórias encontradas no percurso de Paul, tanto que queremos continuá-lo na sua companhia. E estamos prontos para apostar todos os contêineres de especiarias do planeta Arrakis que a sequência nos fará esquecê-los completamente pela escala ainda mais imponente que irá assumir. Já muito em alta, “Dune: Parte Dois” pode emergir ainda maior em sua luz.
Trigésimo terceiro filme do MCU, terceiro de uma Fase 5 que luta para reconquistar o interesse e o sucesso das multidões (o caso de “Guardiões da Galáxia 3” fica à parte), “As Marvels” é o longa-metragem da franquia que melhor simboliza o estado recentemente enfraquecido da Marvel por certas escolhas questionáveis desde da saga Joias do Infinito. Aplicando sem genialidade a fórmula genérica do MCU a um filme de ficção científica ao estilo anos 90, não podemos dizer que a primeira incursão solo da Capitã Marvel impressionou pela sua qualidade, tendo seu sucesso sido em grande parte assegurada pela sua estreia entre os lançamentos entre os dois “Vingadores” e portanto pelo confronto titânico contra Thanos para lhe dar um breve momento de glória durante esta luta. Pensei que seria melhor ter visto um bom número de séries da MCU para me aprofundar mais em “As Marvels”, mas não é necessário. É preferível, ter visto “Capitã Marvel”, “Endgame” ou mesmo "WandaVision” para saber onde estamos na linha do tempo e o que aconteceu com as super-heroínas. “Miss Marvel” (a única série do universo estendido que não assisti) serve para apresentar a nova personagem mas não me parece de todo necessário ter visto a série na íntegra. Isso pode parecer positivo já que pelo menos não nos sentimos obrigados a ter visto horas e horas de conteúdo antes de mergulhar em um novo filme, mas dado o envolvimento de Nick Fury e dos skrulls, isso permanece questionável na minha opinião. Além disso, para evocar os personagens, Fury está lá apenas para estar lá, o que é uma pena e até um insulto para um personagem como ele. Mas ao menos existe um equilíbrio entre as 3 super-heroínas. Vemos cada um deles claramente na tela, há uma certa alquimia que funciona. A Capitã Marvel parece menos fria, mais expressiva do que antes e isso não é ruim. No entanto, penso que o filme beneficiaria se fosse um pouco mais longo para desenvolver ainda mais a forma como as personagens e as suas relações evoluem. A antagonista, Dar-Benn, por si só é um personagem que poderia ter sido interessante na sua história e na sua temática e que poderia até ter tido uma dualidade boa e interessante com Carol, Monica & Kamala, o problema é que ela é muito subdesenvolvida e nada carismática na minha opinião, o que a torna uma das vilãs mais anedóticas/esquecíveis do MCU. Do lado visual, não se pode jogar tudo fora. Além disso, há bastante ação, mas muitas cenas não são tão espetaculares, apesar do potencial com os poderes das heroínas, não ficarão na memória. Em suma, uma Marvel realmente simples. O próximo longa-metragem deverá ser um certo “Deadpool 3” que certamente será o único filme do MCU a ser lançado em 2024.
Ingmar Bergman convida-nos à sua representação da Idade Média que se destaca da maioria dos filmes sobre o mesmo tema pelo seu concomitante misticismo e realismo. Encontramos numerosas cenas da vida quotidiana, com as grandes figuras do mundo medieval, mas também uma forte presença da religião, que muitas vezes dá origem à exaltação, mas é na verdade tingido com uma grande parte de superstição. A chegada da procissão religiosa à aldeia, grande momento do filme, mostra claramente a realidade desta força opressora que é a igreja, impondo-se aos olhos dos camponeses como a única autoridade verdadeira graças ao seu decoro. No cinema de Bergman, cada sequência nutre o sujeito, cada personagem representa uma entidade enriquecendo o debate, cada fala tem sua razão de ser. É dessa coesão que geralmente nascem as grandes obras. Bergman disse que queria pintar seus personagens com sua câmera como o pintor da Idade Média. O mínimo que podemos dizer é que ele foi impectável. A beleza plástica do filme é a sua grande força. Cada plano é construído de forma inteligente e lembra inúmeras obras pictóricas, mas não apenas da Idade Média. Parece que Bergman se inspirou para seu roteiro em uma pintura do século XV que mostra a Morte jogando xadrez com um homem. Como foi boa essa inspiração, pois o cenário permanece sempre muito controlado, Bergman assinando diálogos sempre de alta qualidade, embelezados aqui com um aspecto estético marcante. As respostas finalmente nos são dadas (mesmo que não sejam uma finalidade) num final onde a esperança aparece de forma completamente surpreendente. Muitas questões metafísicas são tratadas com convicção, mas também com um olhar matizado sobre a sociedade. O Sétimo Selo é um filme ao qual não podemos ficar indiferentes. Uma obra muito particular, ao mesmo tempo medieval, existencial e metafísica, onde se trata de Deus e da Morte. Uma produção que nos mantém em suspense em pouco tempo, graças a atores marcantes e claro, um cenário muito original que nunca deixará de aguçar a nossa curiosidade. Um clássico emblemático na filmografia do cineasta mas também na História do cinema. Esta fábula macabra é uma joia cinematográfica inegável.
Este filme foi um exercício de tensão e ritmo, ganhando verdadeiramente o título de thriller. A narrativa complexa o torna um cronômetro perfeito para aqueles que desejam desvendar um mistério curto, porém envolvente. Com duração de 1 hora e 20 minutos, é tempo suficiente para mantermos vidrados. Os personagens parecem simples no início, mas quanto mais você assiste, mais você verá as complexidades entre cada um. A narrativa está repleta de prenúncios e pistas falsas. As peças do quebra-cabeça não se encaixam totalmente até o final, o que contribui para um final satisfatório. A iluminação e o tom do filme refletem os filmes dos anos 90, embora ainda se passem nos dias atuais. Grande parte do filme se passa em uma rodovia e temos belas fotos da natureza de Uganda. Apreciei os ângulos criativos da câmera durante as cenas de luta e de sequestro. As escolhas musicais foram muito apropriadas, incorporando sons musicais contemporâneos de Uganda. O design de som elevou o visual para criar o ambiente distinto de cada cena. O filme também incluiu algumas cenas animadas refrescantes, algo difícil de realizar no gênero thriller. Desta forma, os tons pesados de morte e abuso foram equilibrados com algumas cenas mais leves que detalhavam as tradições do Uganda. Muito consciente de sua própria improbabilidade, o filme coloca um lembrete na tela: “Lembre-se, esta ainda é uma história verdadeira!” Mas é esta improbabilidade que lhe dá a sensação de mistério e alimenta o seu suspense, juntamente com as suas pontuações sinistras perfeitamente sincronizadas para alimentar a tensão. No processo, o filme se esquece de amarrar pontas soltas que talvez não tenham sido precedidas de pistas. E em seus momentos finais, cria um pouco mais de confusão na forma como os eventos da cena final do crime se desenrolam, tudo para uma grande revelação que era um tanto previsível, mas interessante ao mesmo tempo. Essa falha, além da considerável frouxidão na atuação, confere-lhe um acabamento imperfeito. Mesmo assim, A Garota do Moletom Amarelo é um filme ambicioso, e não é chamado de thriller de mistério apenas para encaixá-lo em um gênero.
Uma visão caricaturada de fidelidade num cenário de humilhação e tortura, estupro e barbárie onde duas mulheres-crianças sensuais e sexualmente agressivas que está destruindo seu relacionamento, seu lar, sua casa e sua vida. Um remédio eficaz contra as tentações da infidelidade. O cineasta faz do adultério uma figura maligna e ao mesmo tempo recicla o clima de “O Albergue” onde as mulheres de repente se transformam em algozes. Não há como negar que Keanu Reeves adora emoções no cinema. Neste perverso thriller psicoerótico que leva à violência física e a ataques sádicos ininterruptos, ele interpreta um pai que é feito refém por duas moças e completamente insanas, pertubadoras e estranhas. Nós o achamos bastante satisfeito em bancar a vítima de quarenta anos, subvertendo com humor sua imagem de grande vigilante. Uma tensão onipresente dentro da produção que nos mantém em suspense, queremos saber o que vai acontecer a seguir com todas essas reviravoltas. A trilha sonora é eficaz e deixa o espectador ansioso. Assim como sua atmosfera, o mais sombria possível. Sem tempo de inatividade, as emoções estão aí. O realizador faz malabarismos com os códigos do horror. Além disso, certas cenas acabam sendo engraçadas e sulfurosas. Em suma, Bata Antes de Entrar é um thriller erótico satisfatório, fora do comum. Não vai agradar a todos, mas gostei daquela sensação desconfortável em diversas cenas. E um conselho: nunca abra a porta para duas lindas jovens tarde da noite.
Um conto simples com um toque de ficção científica para explorar as armadilhas e a pungência de envelhecer com a dignidade intacta, talvez não sendo tão perspicaz como antes, mas ainda assim encontrando sentido na vida. Ben Kingsley traz uma autenticidade comovente ao papel, nunca exagerando em um único momento de um filme que se desenrola facilmente e chega à conclusão certa. A premissa insana do filme com um pouso forçado extraterrestre nos canteiros de flores do excêntrico viúvo Milton (Ben Kingsley) é um pouco imprecisa. Embora o filme seja tecnicamente uma ficção científica (apresentando, como mostra, alguma engenharia alienígena muito extravagante), é realmente um drama encantador, principalmente humano, sobre o isolamento e a surrealidade do envelhecimento. Embora a presença muda do alienígena (apelidado de Jules e interpretado de maneira brilhante, totalmente silencioso) seja um lembrete constante da expansividade do universo e das estranhas maravilhas ainda a serem descobertas, o filme mantém os pés firmes com uma sensibilidade emotiva. O reconhecimento de quão pequenos são os mundos de Milton, solitário e com princípio de demência, e de duas outras idosas isoladas da cidade (Jane Curtin e Harriet Sansom Harris). Em vez de se expandir para uma história sobre o próprio extraterrestre, o filme concentra-se na dolorosa desorientação sentida por seu trio solitário de protagonistas, que encontram alívio terapêutico e conexão por meio do alienígena e de seus “olhos compreensivos”. Embora as incursões malucas do filme no território da ficção científica às vezes confundam a mente, elas nunca prejudicam a emoção genuína na luta crua de Jules com a experiência do envelhecimento, além de dar ao filme um charme peculiar que garante que você não verá muito, uma experiência cada vez mais rara por si só. O envelhecimento é uma parte inegável da condição humana, porém, não é algo que abraçamos. Talvez seja porque sabemos qual é a próxima fase e é difícil lidar com esse conhecimento. A parte mais difícil da vida é saber que você tem que ver as coisas até o fim, mesmo quando as coisas não estão mais bonitas.
Uma das mais célebres adaptações de Stephen King. Depois de um início relativamente suave, a adrenalina aumenta em O Nevoeiro e esta constatação rapidamente se transforma num pesadelo. A abordagem da história é muito boa, fiel ao espírito do grande romancista. Dois dos principais aspectos do filme podem passar completamente despercebidos: a crítica à religião e o estudo do comportamento de um grupo humano em situação de medo e perigo extremo. A crítica religiosa é tão caricaturada e maniqueísta que perde toda relevância. Além disso, o caráter do fanático é tão desagradável e horrível que seu “sucesso” entre as pessoas não parece credível por um único segundo (um fanático precisa de carisma para ser ouvido). Quanto ao estudo do comportamento, este também parece caricaturado. O que há de errado é que a multidão de “sem nomes” segue os líderes sem ter qualquer reflexão, mas que o grupo de “heróis” não é afetado por este abandono da reflexão devido ao medo. Para que? Bom, esse é o problema: não tem explicação, é só porque eles são os personagens principais. Mas como resultado, esta “lei de Hollywood” (os personagens principais são simpáticos e inteligentes e os outros são estúpidos e maus) invalida completamente o raciocínio inicial para o comportamento de um grupo. Há outras falhas neste filme, muitas coisas não são nada credíveis (por exemplo, dado o tamanho de certas criaturas e a sua agressividade, não é uma simples janela de vidro temperado que os deve impedir de entrar no supermercado), e é uma pena que todas essas criaturas são apenas uma versão gigante de insetos e aranhas (para criaturas de outra dimensão, um pouco de criatividade em seu design não teria ajudado muito). A psicologia e depois o suspense dominam esta ficção, onde a ação atinge um crescendo com o aspecto dramático; entre quem acredita numa sanção divina e quem se inclina para o engano. Este filme tem muitas outras qualidades: um final incrível, efeitos especiais que nos proporcionam ótimas cenas, uma trilha sonora excelente e uma boa atuação de Thomas Jane no papel principal de David Drayton. O Nevoeiro ainda assim continua sendo um excelente filme de gênero, e uma das melhores adaptações do gênero do autor de "O Iluminado", "It", "Christine" e "Carrie" nos últimos anos.
Uma experiência aparentemente louca da criação humana que se estende à busca do que nos torna humanos num mundo tão antinatural. Pobres Criaturas é um filme filosófico que afirma a vitória do fisicalismo sobre o dualismo. Lanthimos dá em sua história uma resposta ao eterno argumento dualistas segundo o qual a existência da alma não pode ser provada pela ciência porque os mistérios do invisível (e do divino) estão além de nós. Ao transpor o cérebro da filha para o corpo da mãe, ao “reencarnar” Bella Baxter, o realizador percebe que nada sobrevive, que um é estranho ao outro; somos apenas fruto da nossa experiência. Ao longo do filme, Bella desenvolve sua personalidade através da prática. Partes genitais, boca ou cérebro, é o corpo que constrói o nosso eu. Bella, tão submissa no início ao seu inventivo criador, aos poucos vai descobrindo seu corpo e o mundo dos prazeres e passando do preto e branco para uma cor resplandecente. O realizador utiliza de filmagens extravagantes com enquadramentos que envolvem cenários suntuosos com uma propensão ligeiramente forte para efeitos de lentes ultra grande angulares e tomadas vertiginosas de ângulo baixo, mostrando todas as costuras deste mundo poético, pelo menos como Bella o percebe. Yórgos Lánthimos no topo de sua arte, pelas surpresas visuais que nos transportam para um mundo fantasmagórico onde cérebros são fatiados e galinhas com cabeça de porco são plausíveis. (ou o contrário, não me lembro). Os animais híbridos reforçam o lado fantástico. Emma Stone, interpreta energicamente uma criatura confrontada com convenções sociais, refletindo seu desenvolvimento mental. No geral, o filme explora profundamente a natureza humana através de ricas escolhas estéticas e narrativas, mesclando diversas correntes artísticas e filosóficas. A rocha de Alexandria com sua escadaria desmoronada antes de chegar às favelas dos pobres, o transatlântico steampunk que avança majestosamente diante das pinturas foscas ou das retroprojeções, visualmente é fascinante. Esperava uma história vitoriana com algumas insanidades, pelo contrário. Estamos numa espécie de universo steampunk com Art Nouveau em todos os aspectos. Os figurinos também são muito compostos. Acima de tudo, é um trabalho profundo. Alguns podem reduzi-lo a um filme feminista, mas na realidade vai muito mais longe. Pobres Criaturas é sobre paternidade, enfatizando a importância dos laços emocionais e na ideia de liberdade dos corpos das mulheres e no seu direito de dispor do próprio corpo. Muito orientado para o prazer sexual, o que no início é um pouco confuso, mas depois faz sentido. Voltamos a uma época em que o marido tinha todo o poder sobre a esposa, paralelo com a sociedade atual. O lugar das mulheres na sociedade e com a forma como são percebidas e/ou controladas. Mas estamos muito longe do panfleto estéril como outros filmes oportunistas. Pobres Criaturas é cheio de ideias e mexe literalmente com as entranhas. É também um longa-metragem de bastante humor negro e sátira tratadas de uma forma inusitada e inteligente. Como nos filmes anteriores de Lanthimos, o humor é absurdo, sombrio, cruel e muitas vezes inesperado. Se você gosta do estilo do diretor, encontrará o que procura.
O Lagosta assenta numa ideia fabulosa, num conceito chocante e original, tratando-o de uma forma ousada e perturbadora onde o mal-estar é perpetuamente constante e invasivo. O mal-estar é na verdade um eufemismo quando pensamos na angústia deste mundo desumanizado onde mulheres e homens não têm o direito de existir em situação de celibato, exceto decidirem tornar-se um animal da sua escolha, como um castigo irremediável. A vida apenas através do casal, sendo a restrição obrigatória e essencial para a sobrevivência. Desde os primeiros minutos, sentimos uma sensação de incômodo, de formatação de sentimentos dentro deste hotel para recondicionamento do solteiro endurecido, ou sozinho apesar de si mesmo. Que experiência, que universo, que passos completamente insanos que os candidatos devem seguir para encontrar sua alma gêmea e o amor, se é que realmente existe amor. É espantoso, nada mais, nada menos, ver o que esta sociedade fictícia oferece ao homem que está sozinho ou que de repente ficou sozinho, quase uma vítima da peste ou um parasita a ser eliminado. As etapas deste "curso" são descontroladamente imaginativos, e nos levam a cenas de incrível crueldade, dificilmente descritíveis, pois seu protocolo implacável é assustador. No entanto, a contrapartida para este aspecto do mundo existe, através das pessoas solitárias que vivem escondidas enquanto reivindicam seu estado como verdadeiros forasteiros. E é aí que esta história é fenomenal, ao ter em conta estes dois mundos paralelos e opostos, onde a vida em conjunto, e mais ainda o amor, torna-se a razão e o porquê essencial da existência. Quer este princípio básico ou esta condição sejam obrigatórios para alguns ou proibidos por outros, o horror está, em última análise, em cada canto da floresta ou da rua. É também um universo extremamente opressivo e sinistro que Yorgos Lanthimos nos oferece, um universo materializado por este hotel de funcionamento implacável, onde cada candidato é examinado, monitorizado, avaliado ao microscópio. Para refletir ainda melhor a atmosfera, os atores, Colin Farell na liderança, são excelentes no seu comportamento, surpreendem pela precisão na estranheza, filmados quase como robôs na aparência, obedientes e conformados com tudo o que lhes é pedido até ao último ponto. A música com este violino incessante, quase ameaçador, reforça todos os momentos assustadores, levando-os a um clímax quase insuportável na maioria das vezes. Uma fábula ou conto, sem dúvida, mas extremamente perturbador, duro e violento sobre uma sociedade cujos códigos ou morais realmente levantam questões. Saímos dessa experiência desestabilizados, pois este filme incomum tem tantas surpresas arrepiantes reservadas. Certamente notamos que a segunda parte é mais fraca que a primeira, mas o filme não se desvia realmente de sua trajetória em seu universo duplo alucinado. Onde os cineastas muitas vezes se perdem, estilisticamente falando (narração, música poderosa, câmera lenta), Lanthimos usa esses processos para dar ainda mais bizarrice ao seu filme. O Lagosta tem a sedução de obras inclassificáveis, conceituais e arrepiantes com seu humor mórbido. Vamos manter e preservar a nossa liberdade de escolha na vida, esta provavelmente é a mensagem.
Depois de Madagascar, Marcha dos Pinguins e Happy Feet, é hora de passar para algumas novas espécies de aves marinhas. No entanto, devo admitir que dos quatro filmes recentes centrados nos pinguins, Tá Dando Onda é o mais divertido. E, embora possa não ser o filme mais bem-composto, tem o roteiro mais inteligente e a melhor dublagem. Em Tá Dando Onda, os pinguins não querem salvar o mundo, exibir valores familiares ou fugir de um zoológico. Eles só querem pegar onda. Tá Dando Onda é construído como um mocumentário sobre a vida e os tempos do aspirante a surfista pinguim Cody Maverick (voz de Shia LaBeouf), que viaja de sua casa na Antártida para competir contra personagens como o hilário Chicken Joe e o egocêntrico Tank Evans. Antes que ele possa pegar as ondas, no entanto, Cody recebe lições de vida de seu herói, Big Z (Jeff Bridges), que está na obscuridade. Ele também faz amizade com a furtiva salva-vidas pinguim Lani e aprende verdades importantes sobre a diversão ser mais importante do que a vitória. O roteiro é inteligente e não foi escrito apenas pensando em crianças. (Grande problema de todos esses filmes para todas as idades, os personagens raramente são interessantes, exceto o de Tank, bastante complexo, ao mesmo tempo patético, arrogante, às vezes muito travesso, muitas vezes engraçado). Foi escrito em um nível que funciona para todos, algo que não acontecia com muitos filmes de animação que não eram da Aardman Animations há vários anos. O filme tem muitas frases engraçadas, momentos memoráveis e aberturas agradáveis em esportes e reality show. As “imagens de arquivo”, riscadas e tingidas de amarelo, vão trazer sorrisos a muitos rostos. Em última análise, Tá Dando Onda oferece uma mistura agradável e satisfatória, até mesmo a resolução não é exatamente a esperada. Tecnicamente, por outro lado, é alucinante, a representação da água e da areia é particularmente deslumbrante, os personagens são bem feitos, as luzes fazem muito sucesso, repletas de cenas engenhosas, lúdicas, às vezes hilariante, muitas vezes cômica. Infelizmente, o filme não responde a uma pergunta candente: como os pinguins se beijam com esses bicos?
O repórter belga mais famoso da história ressurge, sob o roteiro de Edgar Wright e sob a vigilância de Steven Spielberg e Peter Jackson, este filme de captura de movimentos acaba por ser uma revolução no cinema de imagens geradas por computador: a transcrição dos gestos dos atores é projetada, o que torna os personagens muito mais realistas e dá um tom humano a esta obra. Principalmente porque os personagens são inspirados nos rostos dos atores para acentuar essa parte do realismo. Parte do realismo que, no entanto, seria improvável após as acrobacias vertiginosas, mas tão incríveis, de Tintim e do Capitão Haddock. Essas cenas com o enquadramento acompanhando os personagens acrescentam dinamismo e criam a tão esperada ação. Spielberg soube fazer este filme sem denegrir a obra original de Hergé. Através de um grande elenco ( Andy Serkis, Nick Frost, Daniel Craig, Simon Pegg e Toby Jones), o diretor nos transporta para uma mistura de três histórias em quadrinhos: O Caranguejo das Tenazes de Ouro (1941), O Segredo do Licorne/Unicórnio (1943) e O Tesouro de Rackham (1944). Deixando seus espectadores entusiasmados diante da obra com um cenário atrativo, uma história lúcida e ação onde for necessário. Os diálogos permanecem fiéis ao espírito da obra de Hergé e vão despertar novos fãs do lendário repórter, além de trazer de volta as memórias dos antigos. Temos aqui uma adaptação que não trai o espírito de aventura da história em quadrinhos, ao mesmo tempo em que faz um filme bastante peculiar, ou seja, ele consegue infundi-lo com algo pessoal através de sua encenação completamente desenfreada graças a esta famosa captura de performance, não estamos necessariamente na realidade, então ele lança planos de rastreamento improváveis, movimentos de câmera completamente malucos e que balançam em todas as direções. E devo dizer que é muito agradável ver isso. Tem essa sede de aventura, temos cenas de ação absolutamente enormes, estou pensando na batalha de barcos, nunca vi isso, e é mil vezes melhor que um Piratas do Caribe, muito mais épico. Então o final pode parecer um pouco demais para Tintim, é aí que nos afastamos dos quadrinhos, mas é tão bem feito que é preciso mesmo ter muito cuidado com a proximidade com os quadrinhos para criticá-lo. Fiquei com um pouco de receio que a ausência de planos reais tornasse a encenação um pouco preguiçosa, enquanto aqui tudo está sempre em movimento, e pela primeira vez, aproveitamos mesmo o fato de não estarmos em live action para ousar fazer loucuras, sem que haja exibicionismo gratuito, há verdadeira maestria. Depois o filme não é necessariamente perfeito, acho que o humor às vezes é um pouco pesado, a música que considero bastante monótona e sem muita grandiosidade, e talvez o final que ambos convidam à aventura, mas acho isso um pouco simples. De qualquer forma, sentimos que foi feito de forma consciente e com amor pelos quadrinhos. Anunciado como o primeiro de uma trilogia, aguardamos com impaciência a continuação do nosso brilhante Tintim e do seu fiel Milu numa história ainda mais espetacular que a aqui apresentada.
Um homem consumido pela dor, pelas lamentações e pelo sofrimento. “Logan” oferece uma visão mais torturada do anti-herói, imperialmente interpretado por Hugh Jackman, que desempenha seu papel com tanta raiva no estômago que só posso confirmar que é verdadeiramente seu melhor desempenho como o mutante com garras. Sua melancolia e sua cota de vulnerabilidade são notáveis. Uma diferença real no comportamento dele, muito mais humano. Aquele que soube infundir em seu personagem um carisma impecável, para trazê-lo à vida, como Patrick Stewart. Esses dois são excelentes e entregam cenas intensas. O professor Xavier tem um papel de mentor muito importante nas mudanças de Logan, é ele quem é a voz da sabedoria e encarna a figura paterna. Seu relacionamento com Logan é muito próximo do de um pai que se certifica de manter seu filho no caminho certo. as é especialmente a pequena Dafne Keen quem irrompe na tela: incrivelmente magnética e carismática, a bravura de Laura/X-23 é deslumbrante e expressa muitas emoções apenas graças ao seu olhar. Há poucas surpresas, ou nenhuma, mas cada elemento do filme é tratado de forma justa e sincera, por um realizador que entende o que é Wolverine e que ama o personagem. Entre o faroeste, o road movie e a adaptação em quadrinhos, o filme nunca perde o fio da história e realmente tem uma identidade própria, o que é muito raro nos dias de hoje. A encenação é soberba e tem um esplêndido contraste de declínio crepuscular que embeleza as inúmeras cenas de ação violenta e os personagens cobertos de sangue, suor e poeira. O contraste é muito real, difícil associar com os últimos X-men lançados, guarnecido de uma violência alucinante e até divertida em todos os sentidos que claramente fogem das habituais Marvels. Há um bom número de planos soberbos, mais explosivos do que emocionais. A edição de som também é muito boa com muitos efeitos especiais que são mais do que convincentes. James Mangold oferece ao personagem Wolverine uma verdadeira última resistência, que não revoluciona o gênero, mas que oferece um frescor surpreendente a esse personagem e finalmente oferece o filme que é merecido há muito tempo, sombrio, brutal, sensível e muito comovente.
Anatomia de uma Queda disseca o mecanismo de um julgamento, as intenções da defesa, os ângulos de ataque da acusação, e este lado documental convincente, compreende que fazer justiça é um empreendimento delicado e imperfeito. De forma mais ampla, com certa crueldade, o filme mostra um casal em crise, deixando ao espectador a decisão final sobre as culpas de um e de outro e, consequentemente, que se trata de “um suicídio, um acidente ou um crime”. Neste jogo de verdade não descoberta, os restantes membros da família envolvidos também têm o seu papel a desempenhar: o filho deficiente visual e um cão-guia muito expressivo. A ordenação das cenas e a evolução dramática são muito hábeis. Este filme é antes de mais um estudo de moral, dissecando a vida de casal (e por extensão a vida familiar) nos seus mais pequenos recantos, como um quebra-cabeça que tentamos montar mas cujas peças faltaríamos, e tentando compreender como chegamos a esta situação. E dentro de tudo isso, a verdade, em algum lugar. Cabe a nós, espectadores, perguntar-nos onde nos situaríamos nesta história, neste julgamento, neste drama. Os sons, a música, a linguagem, as palavras, os silêncios, os movimentos de câmera, a interpretação, filtros naturais e enganosos (?) que cada um dos campos persistirá em explorar, perturbando a visão em torno da acusada, do falecido, do seu relacionamento, desta morte. Tal como Daniel, a única criança com deficiência visual e a única testemunha do acontecimento desastroso, o espectador investiga para a frente ou para trás de acordo com uma retórica bem pensada e manipuladora. Rastreando a veracidade, as verdades, enquanto os fatos são distorcidos, retrabalhados e duplicados. Desempenho impecável de todo o elenco. Nenhuma resposta. Ou melhor, sim. Talvez várias. Cabe a nós procurá-las. Culpada, inocente? Mas no final das contas é quase anedótico. Anatomia de uma Queda não é tanto a da vítima, mas sim a de toda a família. Uma história densa e complexa, mas com uma produção digna.
Uma história verídica completamente incrível como o cinema tanto preza, mas também uma obra de superação através do esporte, bem como uma ode à amizade e, por fim, ao encontro de duas grandes atrizes americanas. A dupla é magnífica e nos mostra com precisão e humanidade o que é ser amigo há décadas e essa é a grande vantagem de um filme de sucesso. Sem esquecer Rhys Ifans, muito bom no papel do sensato capitão do barco. Somos, informados do feito extraordinário e nunca antes visto da nadadora profissional Diana Nyad, que posteriormente se tornou jornalista desportiva. Com mais de sessenta anos, em 2011, ela decidiu tentar nadar novamente de Key West na Flórida a Cuba depois de ter falhado na década de 1970. São 165 km e desta vez sem gaiola de tubarão e sem qualquer ajuda, exceto a do corpo e da mente. Além deste desafio incrível, e mesmo que tenha que tentar novamente várias vezes, aqui perfeitamente transcrito, pintamos também o retrato de uma mulher teimosa, de caráter e da sua amizade inabalável com a sua fiel parceira de toda a vida que se tornará a sua treinadora nesta aventura. O único problema que podemos ver em sua narração vem de flashbacks estranhos inseridos com muita frequência durante os momentos de natação. Talvez com a intenção de ventilar estas sequências no mar ou de dar substância adicional a Diana Nyad, evocando um momento doloroso do seu passado, elas acabam por se revelar apenas pesadas e irrelevantes. Deixando isso de lado, “Nyad” é conduzido rapidamente com uma bela noção de ritmo e tensão. Cada travessia de Nyad leva-nos à coragem para saber se terá sucesso ou não (para quem não sabe o resultado deste desafio). "Nyad" se apresenta inicialmente como uma história de coragem, auto-sacrifício, perseverança, mas também de amizade. Como ela mesma diz, é um esforço de equipe com Bonnie, sua melhor amiga, que cuidou dela e a levou ao seu limite, mas também com todos que participaram dessa jornada maluca. Provavelmente você também tem que ser um pouco maluco e gostar de sofrer para fazer isso consigo mesmo, pois essa luta contra a mãe natureza não é fácil com as condições climáticas, mas também com tudo que povoa as águas a ponto de tornar esse ambiente hostil. “Nyad” também poderia ter funcionado tão bem como documentário, já que a história também é técnica. Não se trata de um simples esforço físico, mas de uma preparação cuidadosa em todos os níveis. Devo admitir que as diferentes tentativas estragam um pouco a experiência. A sensação de descoberta e sobretudo a adrenalina vão diminuindo gradativamente. É como ver a mesma repetição de um movimento até que seja executado com perfeição, à medida que toda a equipe melhora e o equipamento. De qualquer forma, é um conto formidável que merece ser contada graças à autorrealização e superação que se apresenta.
Footloose: Ritmo Louco
3.6 510 Assista AgoraSem ser extraordinário por si só, “Footloose” tem o mérito de ter abalado a geração da qual faço parte, tal como “Dirty Dancing” 3 anos depois. O enredo não é muito denso, porém fornece uma moral tanto para adultos quanto para adolescentes. Apesar de algumas fraquezas e erros de roteiro, tudo é fantasticamente orquestrado pelo diretor Herbert Ross, ajudado por uma trilha sonora muito cativante, da qual o título principal "Footloose" de Kenny Loggins ainda é lembrado. É muito provável que, em um momento ou outro, você se encontre marcando o ritmo com os pés. E é isso que torna “Footloose” notável: esse poder comunicativo. A isto junta-se, para as pessoas da minha geração, um pouco de nostalgia que, admito, me leva a dar uma classificação um pouco superior à que penso que merece.
Mas o que diferencia Footloose de outros musicais é o seu enredo. Embora o filme utilize todos os clichés do gênero (uma inevitável história de amor, pessoas que são contra, uma introdução e um final em canções, um rival para o herói, uma segunda parcela quase comica...), o tema de Footloose se diferencia muito. Aqui não há desigualdade social ou desigualdade racial. Ou mesmo uma flagrante falta de enredo, pretexto para um espetáculo musical. Não, Footloose prefere falar sobre a juventude americana. Mas não através de uma mera comédia. De forma bastante séria, abordando vários temas: família, responsabilidade, confiança e religião. E mesmo que o filme não evite alguns momentos que podem fazer rir apesar de tudo (o cara a cara num trator, o herói falando biblicamente ao conselho municipal...), devemos reconhecer em Footloose uma certo aprofundamento do seu tema e dos seus personagens, o que é bastante raro num filme musical. O gênero geralmente toca números musicais, estrelas dançando e/ou cantando. Como resultado, entendemos melhor porque as danças de Footloose raramente são mostradas na tela, sendo a história privilegiada.
E, portanto, é compreensível ver até que ponto o sucesso de Footloose não diminuiu: canções lendárias (inclusive a principal), uma agradável comédia dramática nem muito longa nem muito curta, suficientemente equilibrada para agradar ainda hoje um público nostálgico. Um filme cult para toda uma geração de adolescentes rebeldes, Footloose mantém toda a mensagem e energia do passado.
O Conde
3.2 97 Assista AgoraSomente o cineasta chileno, Pablo Larraín, cada vez mais reconhecido no planeta da sétima arte para oferecer uma releitura biográfica de transpor a imagem de um ditador sanguinário para a de um vampiro. Sua filmografia revisita a história de seu país e/ou de personalidades como Jackie Kennedy, Lady Di e Pinochet portanto aqui. Esta primeira obra para uma plataforma de streaming cristaliza suas duas obsessões e se situa em um meio-termo qualitativo onde, da mesma forma, brilhos de todos os tipos convivem com posturas de autor enfadonhas e pretensiosas.
Para quem não conhece Augusto Pinochet, ele foi um ditador militar chileno que tomou o poder pela força em 11 de setembro de 1973. Durante seus 16 anos de terror, dezenas de milhares de pessoas desapareceram, sem falar de todos os torturados. Levar o vampiro, essa criatura maligna e sanguinária, para torná-lo um ditador, pode ser considerado uma escolha minimamente ousada.
Este filme é uma sátira muito sombria com muitas referências à época da ditadura. Estamos no meio do humor negro. O riso é quase nervoso diante dessa elite se aproveitando da ditadura, quando sabemos até que ponto o povo tem sofrido com isso. Para apreciar O Conde é preciso conhecer um mínimo do assunto. Caso contrário, pode ser mais difícil entrar. Na verdade, é esta faceta de atacar a ditadura através de respostas subtis que lhe confere toda a sua riqueza.
Principalmente porque o enredo em si não é o mais atraente. A história é muito banal, com um ritmo bastante lento. No entanto, Pablo Larraín é um diretor talentoso. Gostamos de seu gerenciamento de fotografia. Um trabalho sobre a imagem destacando o horror do personagem Augusto Pinochet.
No entanto, o filme às vezes é muito falante e assume muitas extensões, além de ser muitas vezes obscuro e excessivamente barroco em seu simbolismo para quem não conhece de cor a história do Chile. Por outro lado, é impossível não enaltecer a beleza escultórica das imagens deste conto barroco cujo domínio visual é inegável.
Imperdível para os cinéfilos que amam experiências bizarras.
O Leitor
4.1 1,8K Assista AgoraRaros são filmes que nos questionam sobre questões como os limites do envolvimento criminoso e questões sociais como o analfabetismo, sem nos dar as respostas. O Leitor é um filme de muita honestidade, que permite ao espectador formar a sua própria opinião. Um drama, que como muitos anteriores, se passa no pós-guerra 39/45 e nos julgamentos dos nazistas. Ao contrário do que previ, é um assunto bastante inovador e perfeitamente
abrangente. Grande parte do impacto emocional do filme se deve ao desempenho notável e de tirar o fôlego de Kate Winslet. A sua fria simplicidade impõe necessariamente uma reflexão profunda ao espectador que se pergunta, ao longo da trama, o que poderá pensar desta mulher singular, dividida entre o seu passado horrível e o seu amor pela literatura. A atuação da atriz é simplesmente incrível e o Oscar, o Globo de Ouro e o BAFTA de melhor atriz, que lhe foi concedido por esse papel é totalmente justificado.
Os filmes que optam por apresentar os nazistas como personagens tridimensionais enfrentam um espinhoso dilema moral. Ao ser demasiado solidário com tal personagem, existe o perigo de diminuir a sua cumplicidade no genocídio. Do outro lado está o potencial para uma caricatura do mal. O Leitor habilmente trilha uma linha entre os dois, nunca desculpando-se ou negando o que Hanna fez, mas também indicando que, para ela, isso não definiu sua vida. Na maior parte, ela tranca o passado e vive apenas no presente. O filme não a reabilita. No mundo real, provavelmente havia mais Hannas do que os nazistas demoníacos que estamos acostumados a ver em diversos filmes.
A encenação é muito clássica e sóbria, mantendo-se de qualidade e eficaz graças ao tema do filme, baseia-se principalmente em planos fixos e zooms lentos em direção aos personagens da frente, bem como em planos que vão de campo a campo, acompanhando o personagem em caminho paralelo como durante a visita de Michael a um antigo campo de concentração e algumas tomadas amplas abrangendo toda uma paisagem. Pena pelas cenas sulfurosas, acho que poderia ter sido filmado de uma forma mais sugerida sem tirar o charme do filme.
Também teria sido sensato acalmar os omnipresentes violinos, porque está em jogo a credibilidade da obra e do realizador, este último deixando a desagradável impressão de manipular as nossas emoções.
Em última análise, O Leitor é um filme de impacto duradouro e oferece interessantes caminhos de reflexão sobre a humanidade em toda a sua surpreendente complexidade. Entre amor, decepção, raiva, compaixão. Procure a verdade e uma certa forma de absolvição. Uma ótima obra sobre o passado sombrio do nazismo na Alemanha. A ser descoberto ou redescoberto com urgência.
O Menino e a Garça
4.0 218A mais recente obra-primade Hayao Miyazaki transporta-nos para um universo mágico onde a beleza reside na simplicidade da vida, da natureza e a multiplicidade de símbolos/encontros que oferecem vários níveis fascinantes de leitura.
A produção de Miyazaki é de uma beleza deslumbrante, capturando graciosamente paisagens campestres, a passagem das estações e a magia de encontros inesperados.
A animação é de qualidade excepcional e cada plano está imbuído de detalhes que despertam admiração. Papagaios antropomórficos comedores de gente, pelicanos beligerantes, uma garota com poderes pirotécnicos e tantas outras ferramentas usadas com sensatez para oferecer um mundo crepuscular apesar de sua aparência verde.
O Menino e a Garça destaca-se pela simplicidade e sutileza. Explora temas de perda, cura, reconexão com a natureza e a curiosidade insaciável da infância. Mahito, ao seguir a garça e deixar-se guiar por ela, vai descobrindo aos poucos a riqueza do mundo que o rodeia e maravilhando-se com os mistérios da vida, acompanhado de uma trilha sonora magistral que contribui para o aspecto emocional da história: uma emoção controlada, perfeitamente destilada.
Este filme é uma homenagem à infância, à inocência e à capacidade de redescobrir o mundo através do olhar de uma criança. Lembra aos espectadores a importância da conexão com a natureza, da exploração e da busca de significado em um mundo às vezes complexo.
Posso afirmar que O Menino e a Garça é uma obra que transcende gerações e nos lembra que, mesmo nos momentos mais sombrios da vida, há luz e beleza a serem descobertas. É um convite a desacelerar, a maravilhar-se e a deixar-se guiar pela natureza e pela curiosidade. Uma experiência cinematográfica encantadora que irá aquecer os corações de todos os amantes da animação e da imaginação.
Em suma, podemos muito bem dizer, estamos sem dúvida diante de uma obra-prima (se for o último filme de Miyazaki, ele sai com honras) e de um formidável trabalho sobre o luto e a forma de enfrentá-lo no final.
Dr. Fantástico
4.2 665 Assista AgoraEm tom de comédia, com humor verbal perfeitamente bem escrito, Stanley Kubrick denuncia um aspecto da estupidez humana que acaba por estar em perfeita harmonia com o seu tempo, uma vez que é uma imagem satírica particularmente amarga da Guerra Fria e do nuclear subjacente.
A situação não é exagerada, com generais desequilibrados a quem são dados plenos poderes, pilotos estupidamente obedientes e um Pentágono sobrecarregado pelos acontecimentos. O equilíbrio entre o rigor do cenário e o burlesco das situações é muito precário, especialmente porque originalmente era para ser um thriller arrepiante, apresetando o absurdo de um conflito nuclear, enquanto a população mundial se refugiava então na negação.
Os atores são excelentes, principalmente Petter Sellers que interpreta três personagens, o Capitão Lionel Mandrake, o Presidente Merkin Muffley e o louco e ex-nazista Doutor Strangelove, os personagens também são engraçados e excêntricos.
A fotografia é caprichada e o preto e branco refinado acentua o lado obscuro do filme.
O jogo polimórfico de Peter Sellers dá a esta nova carga antimilitarista uma visão ao mesmo tempo ridícula e assustadora das motivações político-militares dos responsáveis deste pequeno jogo geopolítico. A escrita cínica dos diálogos e personagens com que se retrata o absurdo e a incompetência destas autoridades em tempos de crise e o tom mais burlesco de certas situações em cenas que permaneceram cult como o lançamento da bomba fazem desta farsa raivosa, senão um dos maiores sucessos de seu genial diretor, obra essencial do cinema americano dos anos sessenta.
Não devemos esquecer de elogiar o desenho da sala de guerra, cenário marcial que deu origem a tantos mitos cinematográficos, símbolo hilariante do poder militar americano e que muitas vezes foi retomado, inconscientemente ou não, em obras posteriores, representando os mistérios do poder americano.
Se Dr. Fantástico é o último representante da filmografia de Kubrick em preto e branco, e um filme que realmente causou mudanças na política americana depois de seu lançamento. Fecha esta época de forma brilhante e constitui, sem dúvida, a reflexão mais avançada sobre o exército que o cineasta liderou, ainda que o tema da guerra seja o seu campo preferido.
Em suma, um bom filme de Kubrick, provavelmente não o seu melhor, mas uma pérola de comédia com humor negro e absurdo, para ser vista pelo menos uma vez.
Bela Vingança
3.8 1,3K Assista AgoraA estreante britânica Emerlad Fennell, que trabalhou nas séries “The Crown” e “Killing Eve”, realiza um primeiro filme que nos surpreende pelo seu conteúdo profundamente subversivo e comprometido, bem como pelo tratamento visual que lhe dá. E ela também dá a Carey Mulligan seu melhor papel em muito tempo, senão o melhor. Seja ela uma boba sexy, uma filhinha do papai infeliz ou um anjo vingador, ela possui um lado oculto que é no mínimo surpreendente nessa vingança feminina, mesmo que ao ler o roteiro não seja necessariamente nela que apostaríamos. Mas seu físico mais clássico, distante dos padrões habituais de beleza, trabalha a seu favor e torna a personagem mais acessível e humana, o que permite melhor identificação ao espectador.
“Bela Vingança” concilia gêneros com habilidade, indo da comédia romântica ao thriller de vingança com reviravoltas com uma facilidade e fluidez que não podem ser explicadas, mas que funcionam totalmente. E agradecemos que o cenário seja revelado em pequenos toques para que nunca saibamos para onde estamos sendo levados.
Fennell dirige seu filme de forma frontal e desinibida. Ela opta por cores ácidas para tudo (cenários, figurinos, etc.) e uma estética pop (dobrada com uma trilha sonora do mesmo gênero de muito sucesso) que o tornam muito agradável. A realizadora cuida de seus planos, alguns até particularmente interessantes em termos de símbolos. Certas sequências são particularmente bem sucedidas e inovadoras, o que mostra a singularidade de uma cineasta a seguir (a chegada de Cassie à despedida de solteiro vestida de enfermeira ou a hipnótica cena de abertura). Esse conjunto de inspiração que se volta para o barroco funciona 100%, assim como essa surpreendente mistura de tons, até quebras de tom. Deliberadamente intransigente na sua visão de um gênero masculino obcecado e malévolo, o filme pode parecer maniqueísta e carecer de nuances, mas a realizadora aceita o seu ponto de vista do início ao fim. E quando acreditamos que o longa-metragem está se acalmando, é para melhor nos prender com uma primeira reviravolta que não prevemos, e que leva a uma cena muito violenta, sem ser sangrenta ou extrema, mas que acaba sendo tão extensa e estranhamente filmado que deixa uma impressão duradoura.
Uma vez levantadas as questões em torno de seu discurso, deve-se reconhecer que Emerald Fennell oferece uma direção muito eficaz e bastante imaginativa, combinada com uma história intrigante e de bom ritmo. Poderemos até ficar surpreendidos com o enviesamento adotado nos últimos 15 ou 20 minutos que particularmente não esperamos.
Assim, Bela Vingança é uma obra que pode levantar questões sobre os seus méritos, mas que, do ponto de vista puramente formal, é bastante poderoso e original.
O Grande Truque
4.2 2,0K Assista AgoraLançado entre dois “Batman” numa época em que o grande público ainda se desinteressava pelo nome de Christopher Nolan, “O Grande Truque” é um filme que quase passou despercebido, tanto que quase às vezes esquecemos citá-lo quando se trata de discutir a carreira deste autor tão aclamado.
E, francamente, é uma pena, porque este filme não só é certamente uma das melhores obras realizadas pelos irmãos Nolan, mas também é certamente o filme que melhor resume o seu cinema. Porque o que é “O Grande Truque” senão um filme que nos fala sobre mágicos; uma metáfora muito óbvia para o mundo dos cineastas?
Do início ao fim, esta obra é sobre cinema, encenação e a importância fundamental da ilusão. Desde a abertura, as primeiras palavras ditas que ressoam como um aviso; como uma armadilha mental que o realizador se fechará sobre nós afirmando isso em voz alta.
E nós, espectadores, deixamo-nos enganar porque “Queremos ser enganados".
E onde o público só vê bobagens, os dois protagonistas informados só veem artifícios destinados a enganar as pessoas; técnicas simples ao serviço desta ilusão que o público tanto procura. Vemos assim os bastidores, as armadilhas e os sacrifícios empreendidos pelos protagonistas para se destacarem na sua arte, mas sobretudo revelam-nos a pedra angular de todo este exercício: o segredo.
E se a grande revelação pode decepcionar mais de um (lembro-me que quando a descobri no cinema as pessoas saíram naquele preciso momento), o fato é que ao proceder desta forma, descobrir a verdade de um truque não é a coisa mais importante, porque é terrivelmente decepcionante.
O suspense é onipresente ao longo de todo o filme, a tensão nunca diminui nem o tédio se instala. A produção é fabulosa, as cenas mágicas são magistrais e a narração feita de passagens entre o presente e o passado é perfeitamente dominada, como quase sempre acontece com Nolan, e apenas acentua o suspense ou o peso de certas reviravoltas. O elenco é praticamente perfeito, exalando classe em cada uma de suas atuações (Bale, Jackman, Johansson, Caine, Andy Serkis e um carismático David Bowie).
A música reforça a atmosfera do filme que é realmente enorme. Ritmo, muitas reviravoltas, suspense e figurinos soberbos, os cenários e a atmosfera da Londres do final do século XIX fazem muito sucesso. Em suma, uma obra fascinante, que tem o seu lugar na filmografia decididamente impressionante do seu autor, que consegue surpreender mais de uma vez com muita originalidade e sutileza.
O Protetor: Capítulo Final
3.5 221O Protetor: Capítulo Final, marca a conclusão desta trilogia onde os primeiros passos de Robert Mccalle começaram ao mesmo tempo que os de John Wick, participando fortemente do renascimento dos filmes de ação.
Assim, este filme que pretende encerrar a saga conseguirá completar todos os diferentes arcos entre os personagens e é preciso admitir que isso normalmente é conseguido, pois os espectadores que acompanharam a saga verão este desenvolvimento como uma forma de piscadela, enquanto os novos espectadores entenderão sem ter a referência exata, dizendo “isso deve ter acontecido na obra anterior”.
Então está tudo muito bem terminar uma trilogia, mas o que queremos saber é se foi feito com perfeição?
Pois bem, em primeiro lugar, o que mais me impressionou nesta longa-metragem foi a fotografia utilizada pelo realizador, que nos dá a honra de realçar paisagens reais explicadas por planos num cenário natural, e onde sentimos toda a vida e atmosfera de uma pequena cidade italiana. Através desta fotografia tive o desejo como espectador de visitar esta aldeia e explorar as ruas mais pequenas.
Em segundo lugar, mesmo que não tenha uma memória real das diferentes músicas utilizadas nas obras anteriores, devo sublinhar o fato de todas as composições serem extremamente agradáveis e virem magnificamente vestidas, os cenários e o nosso protagonista durante várias cenas apoiando este lado realista da coisas. E por fim, numa terceira etapa, na minha opinião, esta terceira parte é a que tem a melhor história. E sim, neste filme vemos claramente que Robert Mccalle evoluiu claramente. Aqui Denzel Washington faz uma transição marcante. Desta vez adeus às cenas meticulosamente coreografadas como um relógio suíço, para momentos de violência crua. Longe de qualquer compromisso, o filme abraça mortes sangrentas que não mostram contenção. No entanto, apesar desta brutalidade, as cenas permanecem incrivelmente dinâmicas. O lado da ação subiu um degrau em comparação com os dois primeiros, podendo chocar mais de uma pessoa. Muitos detalhes e realismo que podem deixar o olho mais frágil. Isso nos permite desenvolver ainda mais fortemente o protagonista que envelhece e se cansa de sua vida de assassino.
Para concluir, considero melhor que o segundo, mas ainda não está à altura do primeiro. Sinceramente, esse é o tipo de filme que recomendo aos fãs de filmes de ação em vários pontos. Para terminar esta saga em grande estilo, sem distorcer o conceito do realizador e de Denzel Washington, que continua convincente como sempre.
Nimona
4.1 234 Assista AgoraEntre as poucas joias da Netflix, Nimona, se destaca pela abordagem de temas profundos como a diferença, o preconceito e a necessidade de superá-los de forma sutil e divertida. Com uma história engraçada e enérgica, esta animação cativante consegue transmitir uma mensagem poderosa sem nunca sacrificar o humor e a leveza.
O que apreciei de imediato foi a complexidade dos personagens. Os vilões não são simplesmente arquétipos do mal, mas sim indivíduos que acreditam em fazer o bem. Esta nuance oferece uma perspectiva interessante e encorajará os jovens espectadores (espero) a questionar as noções de bem e mal. A personagem Nimona é completamente insana e cativante com sua loucura e seu grande coração. A dupla com Ballister funciona bem e é comovente ver o nascimento de sua cumplicidade. No que diz respeito à trama principal, o tema da rejeição dos outros e da aceitação da diferença é uma bela mensagem para os jovens.
Certamente, podemos achar que a história é um pouco esperada em alguns desses finais ou na intriga. Mas a história, no entanto, permanece sobrecarregada e cheia de ação, por um lado, mas também comovente e bem desenvolvida em seus temas, por outro. O humor também está muito presente e a loucura de Nimona dá origem a cenas coloridas e muito cômicas. A isso, a música estilo punk soma-se ao lado louco e energético de Nimona.
O estilo de animação, sem ser magnífico, é bem feito e dá uma bela renderização. A fusão entre o estilo medieval e o futurista confere à cidade um aspecto bastante original e agradável. Além disso, existem algumas grandes descobertas em termos de trabalho em animação. As transformações de Nimona são um admiráveis, a expressão de suas emoções é muito demonstrativa ou ainda tenho em mente a cena de flashback de cerâmica durante a viagem de metrô que achei muito original.
Infelizmente, o filme corre o risco de sofrer bombardeios de crítica por parte mais conservadora da população. Vejo daqui pessoas qualificando o filme como acordado quando é justamente esse tipo de preconceito psicológico que ele denuncia: o fato de se sentir atacado por pessoas que só querem existir em paz com suas diferenças em vez de se forçar a fazê-las desaparecer mesmo que significa sofrimento.
Se você ler esta crítica e hesitar em assistir, não confie nas avaliações: se você procura um bom filme de animação com aventura repleta de humor e emoção, este é perfeito.
Se ver um casal gay se beijando te incomoda profundamente, siga em frente, esse filme não é para você (bom, se foi feito justamente para você, mas ser confrontado com suas contradições não é muito agradável).
Zona de Interesse
3.6 601 Assista AgoraEm Auschwitz, a chamada Zona de Interesse, ou 'interessengebiet' em alemão, era a expressão dada ao local onde os judeus recém-chegados passavam pela triagem do campo de concentração.
No filme de Jonathan Glazer, o alojamento do comandante do campo, Rudolph Höss, e sua família, estão localizados logo atrás do muro do campo. Não podemos ver o interior do acampamento, nem os seus ocupantes, mas eles estão intensamente presentes, fora das câmaras, através da assombrosa trilha sonora (choro de crianças dilaceradas, gritos horríveis de toda a espécie, latidos de cães, explosões, etc.) e pela imagem de chaminés fumegantes.
O realizador foca no cotidiano de uma família grande e rica que cuida de seus negócios com toda indiferença ao sofrimento humano em sua psicologia de forma geral.
Rudolph Höss é um tenente-coronel meticuloso que brilha pela eficiência no desempenho do campo, medida em termos do número de deportados “processados”. Ele está lutando para manter seu emprego local. A mãe e esposa, Hedwig, desfruta da sua vasta casa, do seu jardim, da sua piscina da qual não quer abrir mão a qualquer custo, mesmo quando o marido é transferido para o leste. As crianças nadam no rio, a família organiza algumas festas, os colegas de Höss lhe desejam aniversário.
Porém, se a família Höss parece pacífica, o espectador não está porque o diretor, além da trilha sonora, envia sinais sobre os horrores que se fermentam atrás da parede e esboça rachaduras no mecanismo implacável. Algumas imagens destacadas mostram uma jovem circulando pelo acampamento à noite. (Essa jovem ajuda os presos?)
O filme tem uma beleza formal notável, no enquadramento, nos movimentos, na iluminação. Sandra Hüller talvez esteja desempenhando o papel de sua vida. Ela parece incorporar a própria Hedwig Höss. Christian Friedel é tão credível com o cinismo assustador e metódico de Rudolph Höss, demasiadamente indolente para o cargo.
Os alemães da SS consideravam os judeus como 'sub humanos' que deveriam desaparecer sem falar sobre eles. Jonathan Glazer ilustra muito bem esse argumento.
A burocracia nazi geriu a deportação e execução de judeus de uma forma fria e industrial, baseada em cotas e resultados. Toda a cadeia de comando executa ordens com zelo, sem qualquer escrúpulo, com disciplina e obediência inabalável. Enquanto travavam combates terríveis em duas frentes, os alemães encontraram os meios logísticos para organizar durante o verão de 1944 a deportação de 700 mil judeus húngaros para os campos de extermínio. A loucura inconcebível se torna a norma. Esta frieza, esta eficiência, esta ordem alertam-nos e lembram-nos que a desobediência civil é uma das primeiras formas de coragem e lucidez.
Os únicos momentos em que os alemães hesitam são aqueles em que os seus pequenos interesses pessoais são ameaçados, quando uma promoção não é concedida, quando uma transferência é considerada, sendo tudo isto pouco universal e quase tranquilizador.
A maioria dos críticos se refere a este filme como “arrepiante”, o que é verdade, mas acima de tudo, questiona-nos profundamente, o que é ainda mais notável.
Jonathan Glazer coloca sua câmera no centro de uma ferida, a de um mal que pensávamos ter vencido. Zona de Interesse é uma obra radical, explosiva em tudo que mostra, minimalista nas palavras. É algo do qual não podemos nos livrar, é uma emoção cinematográfica total, é cinema.
Duna: Parte 1
3.8 1,6K Assista AgoraVinte e sete anos após a adaptação de Lynch, Denis Villeneuve foi o novo responsável por trazer para a tela a complexidade do titânico universo de ficção científica de “Duna”. Mas onde um polêmico filme não foi suficiente para convencer a todos, Villeneuve teve planos maiores: dois filmes para contar a história de Paul, jovem herdeiro dos Atreides, que, nesta primeira parte, terá que se revelar, suportar as piores provações de um terrível jogo de poder e, finalmente, desaparecer atrás do papel maior que o seu destino o coloca.
A versão 2021 de “Duna” para quase no meio do filme de David Lynch e, portanto, tem a oportunidade de beneficiar de novos desenvolvimentos para estabelecer a sua dimensão mística, a vasta mitologia do seu contexto, os seus principais atores e as questões em curso e que estão por vir, mas também frustrar por ser justamente apenas a primeira parte de um díptico cujo alcance total obviamente ganhará ainda mais sentido antes da descoberta da obra na sua totalidade.
Os efeitos especiais não saturam a imagem nem sufocam a história. A produção e a fotografia, atentas ao aspecto sensorial, são soberbas, e por vezes até graciosas. Os cenários são impressionantes e refinados, além de todo figurino ser bastante coeso e elegante. Quanto aos temas anunciados para a sequela, são muito tentadores, dando esperança para um crescente emocional do qual temos aqui o início.
A intriga política, a princípio complexa, acaba se espalhando como manteiga e nos permite admirar a obra sem quebrar muito a cabeça. Para um livro supostamente difícil de adaptar, este é um ponto importante a ser observado. O fato dos humanos terem se libertados das máquinas numa grande revolta e das máquinas pensantes estarem agora banidas. Também não falamos sobre a proibição de armas atômicas e armas de fogo por causa do efeito Holtzman nos escudos, por isso os personagens lutam principalmente com facas. O espectador casual deve se perguntar por que todo mundo luta principalmente com espadas.
Talvez a única crítica importante que possa ser feita ao filme seja a de que ele é, em última análise, retirado de uma história hoje conhecida por muitos, não apenas pelos leitores do romance e/ou espectadores da primeira versão cinematográfica, mas por todos aqueles que leram ou vi obras de ficção científica que felizmente saquearam "Duna" ao longo dos anos, reduzindo assim o efeito de surpresa do enquadramento de suas principais reviravoltas ou dando um desagradável toque anacrônico e antiquado a algumas delas (aleatoriamente, tudo o que cerca um certa traição, hoje muito rudimentar em suas modalidades).
No entanto, os esforços de um cineasta que nos sentimos tão apaixonado e respeitoso pela obra que tem a chance de nos dirigir com rapidez suficiente para perdoar as poucas passagens obrigatórias encontradas no percurso de Paul, tanto que queremos continuá-lo na sua companhia. E estamos prontos para apostar todos os contêineres de especiarias do planeta Arrakis que a sequência nos fará esquecê-los completamente pela escala ainda mais imponente que irá assumir. Já muito em alta, “Dune: Parte Dois” pode emergir ainda maior em sua luz.
As Marvels
2.7 407 Assista AgoraTrigésimo terceiro filme do MCU, terceiro de uma Fase 5 que luta para reconquistar o interesse e o sucesso das multidões (o caso de “Guardiões da Galáxia 3” fica à parte), “As Marvels” é o longa-metragem da franquia que melhor simboliza o estado recentemente enfraquecido da Marvel por certas escolhas questionáveis desde da saga Joias do Infinito.
Aplicando sem genialidade a fórmula genérica do MCU a um filme de ficção científica ao estilo anos 90, não podemos dizer que a primeira incursão solo da Capitã Marvel impressionou pela sua qualidade, tendo seu sucesso sido em grande parte assegurada pela sua estreia entre os lançamentos entre os dois “Vingadores” e portanto pelo confronto titânico contra Thanos para lhe dar um breve momento de glória durante esta luta.
Pensei que seria melhor ter visto um bom número de séries da MCU para me aprofundar mais em “As Marvels”, mas não é necessário. É preferível, ter visto “Capitã Marvel”, “Endgame” ou mesmo "WandaVision” para saber onde estamos na linha do tempo e o que aconteceu com as super-heroínas. “Miss Marvel” (a única série do universo estendido que não assisti) serve para apresentar a nova personagem mas não me parece de todo necessário ter visto a série na íntegra. Isso pode parecer positivo já que pelo menos não nos sentimos obrigados a ter visto horas e horas de conteúdo antes de mergulhar em um novo filme, mas dado o envolvimento de Nick Fury e dos skrulls, isso permanece questionável na minha opinião.
Além disso, para evocar os personagens, Fury está lá apenas para estar lá, o que é uma pena e até um insulto para um personagem como ele. Mas ao menos existe um equilíbrio entre as 3 super-heroínas. Vemos cada um deles claramente na tela, há uma certa alquimia que funciona. A Capitã Marvel parece menos fria, mais expressiva do que antes e isso não é ruim. No entanto, penso que o filme beneficiaria se fosse um pouco mais longo para desenvolver ainda mais a forma como as personagens e as suas relações evoluem.
A antagonista, Dar-Benn, por si só é um personagem que poderia ter sido interessante na sua história e na sua temática e que poderia até ter tido uma dualidade boa e interessante com Carol, Monica & Kamala, o problema é que ela é muito subdesenvolvida e nada carismática na minha opinião, o que a torna uma das vilãs mais anedóticas/esquecíveis do MCU.
Do lado visual, não se pode jogar tudo fora. Além disso, há bastante ação, mas muitas cenas não são tão espetaculares, apesar do potencial com os poderes das heroínas, não ficarão na memória. Em suma, uma Marvel realmente simples. O próximo longa-metragem deverá ser um certo “Deadpool 3” que certamente será o único filme do MCU a ser lançado em 2024.
O Sétimo Selo
4.4 1,0KIngmar Bergman convida-nos à sua representação da Idade Média que se destaca da maioria dos filmes sobre o mesmo tema pelo seu concomitante misticismo e realismo. Encontramos numerosas cenas da vida quotidiana, com as grandes figuras do mundo medieval, mas também uma forte presença da religião, que muitas vezes dá origem à exaltação, mas é na verdade tingido com uma grande parte de superstição. A chegada da procissão religiosa à aldeia, grande momento do filme, mostra claramente a realidade desta força opressora que é a igreja, impondo-se aos olhos dos camponeses como a única autoridade verdadeira graças ao seu decoro. No cinema de Bergman, cada sequência nutre o sujeito, cada personagem representa uma entidade enriquecendo o debate, cada fala tem sua razão de ser. É dessa coesão que geralmente nascem as grandes obras.
Bergman disse que queria pintar seus personagens com sua câmera como o pintor da Idade Média. O mínimo que podemos dizer é que ele foi impectável. A beleza plástica do filme é a sua grande força. Cada plano é construído de forma inteligente e lembra inúmeras obras pictóricas, mas não apenas da Idade Média. Parece que Bergman se inspirou para seu roteiro em uma pintura do século XV que mostra a Morte jogando xadrez com um homem. Como foi boa essa inspiração, pois o cenário permanece sempre muito controlado, Bergman assinando diálogos sempre de alta qualidade, embelezados aqui com um aspecto estético marcante.
As respostas finalmente nos são dadas (mesmo que não sejam uma finalidade) num final onde a esperança aparece de forma completamente surpreendente. Muitas questões metafísicas são tratadas com convicção, mas também com um olhar matizado sobre a sociedade.
O Sétimo Selo é um filme ao qual não podemos ficar indiferentes. Uma obra muito particular, ao mesmo tempo medieval, existencial e metafísica, onde se trata de Deus e da Morte. Uma produção que nos mantém em suspense em pouco tempo, graças a atores marcantes e claro, um cenário muito original que nunca deixará de aguçar a nossa curiosidade. Um clássico emblemático na filmografia do cineasta mas também na História do cinema. Esta fábula macabra é uma joia cinematográfica inegável.
A Garota do Moletom Amarelo
3.3 9 Assista AgoraEste filme foi um exercício de tensão e ritmo, ganhando verdadeiramente o título de thriller. A narrativa complexa o torna um cronômetro perfeito para aqueles que desejam desvendar um mistério curto, porém envolvente. Com duração de 1 hora e 20 minutos, é tempo suficiente para mantermos vidrados.
Os personagens parecem simples no início, mas quanto mais você assiste, mais você verá as complexidades entre cada um. A narrativa está repleta de prenúncios e pistas falsas. As peças do quebra-cabeça não se encaixam totalmente até o final, o que contribui para um final satisfatório.
A iluminação e o tom do filme refletem os filmes dos anos 90, embora ainda se passem nos dias atuais. Grande parte do filme se passa em uma rodovia e temos belas fotos da natureza de Uganda. Apreciei os ângulos criativos da câmera durante as cenas de luta e de sequestro. As escolhas musicais foram muito apropriadas, incorporando sons musicais contemporâneos de Uganda. O design de som elevou o visual para criar o ambiente distinto de cada cena.
O filme também incluiu algumas cenas animadas refrescantes, algo difícil de realizar no gênero thriller. Desta forma, os tons pesados de morte e abuso foram equilibrados com algumas cenas mais leves que detalhavam as tradições do Uganda.
Muito consciente de sua própria improbabilidade, o filme coloca um lembrete na tela: “Lembre-se, esta ainda é uma história verdadeira!” Mas é esta improbabilidade que lhe dá a sensação de mistério e alimenta o seu suspense, juntamente com as suas pontuações sinistras perfeitamente sincronizadas para alimentar a tensão.
No processo, o filme se esquece de amarrar pontas soltas que talvez não tenham sido precedidas de pistas. E em seus momentos finais, cria um pouco mais de confusão na forma como os eventos da cena final do crime se desenrolam, tudo para uma grande revelação que era um tanto previsível, mas interessante ao mesmo tempo.
Essa falha, além da considerável frouxidão na atuação, confere-lhe um acabamento imperfeito. Mesmo assim, A Garota do Moletom Amarelo é um filme ambicioso, e não é chamado de thriller de mistério apenas para encaixá-lo em um gênero.
Bata Antes de Entrar
2.3 997 Assista AgoraUma visão caricaturada de fidelidade num cenário de humilhação e tortura, estupro e barbárie onde duas mulheres-crianças sensuais e sexualmente agressivas que está destruindo seu relacionamento, seu lar, sua casa e sua vida. Um remédio eficaz contra as tentações da infidelidade.
O cineasta faz do adultério uma figura maligna e ao mesmo tempo recicla o clima de “O Albergue” onde as mulheres de repente se transformam em algozes. Não há como negar que Keanu Reeves adora emoções no cinema. Neste perverso thriller psicoerótico que leva à violência física e a ataques sádicos ininterruptos, ele interpreta um pai que é feito refém por duas moças e completamente insanas, pertubadoras e estranhas. Nós o achamos bastante satisfeito em bancar a vítima de quarenta anos, subvertendo com humor sua imagem de grande vigilante.
Uma tensão onipresente dentro da produção que nos mantém em suspense, queremos saber o que vai acontecer a seguir com todas essas reviravoltas. A trilha sonora é eficaz e deixa o espectador ansioso. Assim como sua atmosfera, o mais sombria possível. Sem tempo de inatividade, as emoções estão aí. O realizador faz malabarismos com os códigos do horror. Além disso, certas cenas acabam sendo engraçadas e sulfurosas. Em suma, Bata Antes de Entrar é um thriller erótico satisfatório, fora do comum. Não vai agradar a todos, mas gostei daquela sensação desconfortável em diversas cenas. E um conselho: nunca abra a porta para duas lindas jovens tarde da noite.
Nosso Amigo Extraordinário
3.5 80 Assista AgoraUm conto simples com um toque de ficção científica para explorar as armadilhas e a pungência de envelhecer com a dignidade intacta, talvez não sendo tão perspicaz como antes, mas ainda assim encontrando sentido na vida. Ben Kingsley traz uma autenticidade comovente ao papel, nunca exagerando em um único momento de um filme que se desenrola facilmente e chega à conclusão certa.
A premissa insana do filme com um pouso forçado extraterrestre nos canteiros de flores do excêntrico viúvo Milton (Ben Kingsley) é um pouco imprecisa. Embora o filme seja tecnicamente uma ficção científica (apresentando, como mostra, alguma engenharia alienígena muito extravagante), é realmente um drama encantador, principalmente humano, sobre o isolamento e a surrealidade do envelhecimento.
Embora a presença muda do alienígena (apelidado de Jules e interpretado de maneira brilhante, totalmente silencioso) seja um lembrete constante da expansividade do universo e das estranhas maravilhas ainda a serem descobertas, o filme mantém os pés firmes com uma sensibilidade emotiva. O reconhecimento de quão pequenos são os mundos de Milton, solitário e com princípio de demência, e de duas outras idosas isoladas da cidade (Jane Curtin e Harriet Sansom Harris).
Em vez de se expandir para uma história sobre o próprio extraterrestre, o filme concentra-se na dolorosa desorientação sentida por seu trio solitário de protagonistas, que encontram alívio terapêutico e conexão por meio do alienígena e de seus “olhos compreensivos”. Embora as incursões malucas do filme no território da ficção científica às vezes confundam a mente, elas nunca prejudicam a emoção genuína na luta crua de Jules com a experiência do envelhecimento, além de dar ao filme um charme peculiar que garante que você não verá muito, uma experiência cada vez mais rara por si só.
O envelhecimento é uma parte inegável da condição humana, porém, não é algo que abraçamos. Talvez seja porque sabemos qual é a próxima fase e é difícil lidar com esse conhecimento. A parte mais difícil da vida é saber que você tem que ver as coisas até o fim, mesmo quando as coisas não estão mais bonitas.
O Nevoeiro
3.5 2,6K Assista AgoraUma das mais célebres adaptações de Stephen King. Depois de um início relativamente suave, a adrenalina aumenta em O Nevoeiro e esta constatação rapidamente se transforma num pesadelo. A abordagem da história é muito boa, fiel ao espírito do grande romancista.
Dois dos principais aspectos do filme podem passar completamente despercebidos: a crítica à religião e o estudo do comportamento de um grupo humano em situação de medo e perigo extremo. A crítica religiosa é tão caricaturada e maniqueísta que perde toda relevância. Além disso, o caráter do fanático é tão desagradável e horrível que seu “sucesso” entre as pessoas não parece credível por um único segundo (um fanático precisa de carisma para ser ouvido). Quanto ao estudo do comportamento, este também parece caricaturado. O que há de errado é que a multidão de “sem nomes” segue os líderes sem ter qualquer reflexão, mas que o grupo de “heróis” não é afetado por este abandono da reflexão devido ao medo. Para que? Bom, esse é o problema: não tem explicação, é só porque eles são os personagens principais. Mas como resultado, esta “lei de Hollywood” (os personagens principais são simpáticos e inteligentes e os outros são estúpidos e maus) invalida completamente o raciocínio inicial para o comportamento de um grupo. Há outras falhas neste filme, muitas coisas não são nada credíveis (por exemplo, dado o tamanho de certas criaturas e a sua agressividade, não é uma simples janela de vidro temperado que os deve impedir de entrar no supermercado), e é uma pena que todas essas criaturas são apenas uma versão gigante de insetos e aranhas (para criaturas de outra dimensão, um pouco de criatividade em seu design não teria ajudado muito).
A psicologia e depois o suspense dominam esta ficção, onde a ação atinge um crescendo com o aspecto dramático; entre quem acredita numa sanção divina e quem se inclina para o engano. Este filme tem muitas outras qualidades: um final incrível, efeitos especiais que nos proporcionam ótimas cenas, uma trilha sonora excelente e uma boa atuação de Thomas Jane no papel principal de David Drayton.
O Nevoeiro ainda assim continua sendo um excelente filme de gênero, e uma das melhores adaptações do gênero do autor de "O Iluminado", "It", "Christine" e "Carrie" nos últimos anos.
Pobres Criaturas
4.1 1,2K Assista AgoraUma experiência aparentemente louca da criação humana que se estende à busca do que nos torna humanos num mundo tão antinatural. Pobres Criaturas é um filme filosófico que afirma a vitória do fisicalismo sobre o dualismo. Lanthimos dá em sua história uma resposta ao eterno argumento dualistas segundo o qual a existência da alma não pode ser provada pela ciência porque os mistérios do invisível (e do divino) estão além de nós. Ao transpor o cérebro da filha para o corpo da mãe, ao “reencarnar” Bella Baxter, o realizador percebe que nada sobrevive, que um é estranho ao outro; somos apenas fruto da nossa experiência.
Ao longo do filme, Bella desenvolve sua personalidade através da prática. Partes genitais, boca ou cérebro, é o corpo que constrói o nosso eu. Bella, tão submissa no início ao seu inventivo criador, aos poucos vai descobrindo seu corpo e o mundo dos prazeres e passando do preto e branco para uma cor resplandecente.
O realizador utiliza de filmagens extravagantes com enquadramentos que envolvem cenários suntuosos com uma propensão ligeiramente forte para efeitos de lentes ultra grande angulares e tomadas vertiginosas de ângulo baixo, mostrando todas as costuras deste mundo poético, pelo menos como Bella o percebe.
Yórgos Lánthimos no topo de sua arte, pelas surpresas visuais que nos transportam para um mundo fantasmagórico onde cérebros são fatiados e galinhas com cabeça de porco são plausíveis. (ou o contrário, não me lembro). Os animais híbridos reforçam o lado fantástico. Emma Stone, interpreta energicamente uma criatura confrontada com convenções sociais, refletindo seu desenvolvimento mental. No geral, o filme explora profundamente a natureza humana através de ricas escolhas estéticas e narrativas, mesclando diversas correntes artísticas e filosóficas.
A rocha de Alexandria com sua escadaria desmoronada antes de chegar às favelas dos pobres, o transatlântico steampunk que avança majestosamente diante das pinturas foscas ou das retroprojeções, visualmente é fascinante. Esperava uma história vitoriana com algumas insanidades, pelo contrário. Estamos numa espécie de universo steampunk com Art Nouveau em todos os aspectos. Os figurinos também são muito compostos.
Acima de tudo, é um trabalho profundo. Alguns podem reduzi-lo a um filme feminista, mas na realidade vai muito mais longe. Pobres Criaturas é sobre paternidade, enfatizando a importância dos laços emocionais e na ideia de liberdade dos corpos das mulheres e no seu direito de dispor do próprio corpo. Muito orientado para o prazer sexual, o que no início é um pouco confuso, mas depois faz sentido.
Voltamos a uma época em que o marido tinha todo o poder sobre a esposa, paralelo com a sociedade atual. O lugar das mulheres na sociedade e com a forma como são percebidas e/ou controladas. Mas estamos muito longe do panfleto estéril como outros filmes oportunistas. Pobres Criaturas é cheio de ideias e mexe literalmente com as entranhas.
É também um longa-metragem de bastante humor negro e sátira tratadas de uma forma inusitada e inteligente. Como nos filmes anteriores de Lanthimos, o humor é absurdo, sombrio, cruel e muitas vezes inesperado. Se você gosta do estilo do diretor, encontrará o que procura.
O Lagosta
3.8 1,5K Assista AgoraO Lagosta assenta numa ideia fabulosa, num conceito chocante e original, tratando-o de uma forma ousada e perturbadora onde o mal-estar é perpetuamente constante e invasivo. O mal-estar é na verdade um eufemismo quando pensamos na angústia deste mundo desumanizado onde mulheres e homens não têm o direito de existir em situação de celibato, exceto decidirem tornar-se um animal da sua escolha, como um castigo irremediável.
A vida apenas através do casal, sendo a restrição obrigatória e essencial para a sobrevivência. Desde os primeiros minutos, sentimos uma sensação de incômodo, de formatação de sentimentos dentro deste hotel para recondicionamento do solteiro endurecido, ou sozinho apesar de si mesmo.
Que experiência, que universo, que passos completamente insanos que os candidatos devem seguir para encontrar sua alma gêmea e o amor, se é que realmente existe amor.
É espantoso, nada mais, nada menos, ver o que esta sociedade fictícia oferece ao homem que está sozinho ou que de repente ficou sozinho, quase uma vítima da peste ou um parasita a ser eliminado.
As etapas deste "curso" são descontroladamente imaginativos, e nos levam a cenas de incrível crueldade, dificilmente descritíveis, pois seu protocolo implacável é assustador. No entanto, a contrapartida para este aspecto do mundo existe, através das pessoas solitárias que vivem escondidas enquanto reivindicam seu estado como verdadeiros forasteiros.
E é aí que esta história é fenomenal, ao ter em conta estes dois mundos paralelos e opostos, onde a vida em conjunto, e mais ainda o amor, torna-se a razão e o porquê essencial da existência.
Quer este princípio básico ou esta condição sejam obrigatórios para alguns ou proibidos por outros, o horror está, em última análise, em cada canto da floresta ou da rua.
É também um universo extremamente opressivo e sinistro que Yorgos Lanthimos nos oferece, um universo materializado por este hotel de funcionamento implacável, onde cada candidato é examinado, monitorizado, avaliado ao microscópio.
Para refletir ainda melhor a atmosfera, os atores, Colin Farell na liderança, são excelentes no seu comportamento, surpreendem pela precisão na estranheza, filmados quase como robôs na aparência, obedientes e conformados com tudo o que lhes é pedido até ao último ponto.
A música com este violino incessante, quase ameaçador, reforça todos os momentos assustadores, levando-os a um clímax quase insuportável na maioria das vezes.
Uma fábula ou conto, sem dúvida, mas extremamente perturbador, duro e violento sobre uma sociedade cujos códigos ou morais realmente levantam questões.
Saímos dessa experiência desestabilizados, pois este filme incomum tem tantas surpresas arrepiantes reservadas. Certamente notamos que a segunda parte é mais fraca que a primeira, mas o filme não se desvia realmente de sua trajetória em seu universo duplo alucinado. Onde os cineastas muitas vezes se perdem, estilisticamente falando (narração, música poderosa, câmera lenta), Lanthimos usa esses processos para dar ainda mais bizarrice ao seu filme. O Lagosta tem a sedução de obras inclassificáveis, conceituais e arrepiantes com seu humor mórbido.
Vamos manter e preservar a nossa liberdade de escolha na vida, esta provavelmente é a mensagem.
Tá Dando Onda
3.2 509 Assista AgoraDepois de Madagascar, Marcha dos Pinguins e Happy Feet, é hora de passar para algumas novas espécies de aves marinhas. No entanto, devo admitir que dos quatro filmes recentes centrados nos pinguins, Tá Dando Onda é o mais divertido. E, embora possa não ser o filme mais bem-composto, tem o roteiro mais inteligente e a melhor dublagem. Em Tá Dando Onda, os pinguins não querem salvar o mundo, exibir valores familiares ou fugir de um zoológico. Eles só querem pegar onda.
Tá Dando Onda é construído como um mocumentário sobre a vida e os tempos do aspirante a surfista pinguim Cody Maverick (voz de Shia LaBeouf), que viaja de sua casa na Antártida para competir contra personagens como o hilário Chicken Joe e o egocêntrico Tank Evans. Antes que ele possa pegar as ondas, no entanto, Cody recebe lições de vida de seu herói, Big Z (Jeff Bridges), que está na obscuridade. Ele também faz amizade com a furtiva salva-vidas pinguim Lani e aprende verdades importantes sobre a diversão ser mais importante do que a vitória.
O roteiro é inteligente e não foi escrito apenas pensando em crianças. (Grande problema de todos esses filmes para todas as idades, os personagens raramente são interessantes, exceto o de Tank, bastante complexo, ao mesmo tempo patético, arrogante, às vezes muito travesso, muitas vezes engraçado). Foi escrito em um nível que funciona para todos, algo que não acontecia com muitos filmes de animação que não eram da Aardman Animations há vários anos.
O filme tem muitas frases engraçadas, momentos memoráveis e aberturas agradáveis em esportes e reality show. As “imagens de arquivo”, riscadas e tingidas de amarelo, vão trazer sorrisos a muitos rostos.
Em última análise, Tá Dando Onda oferece uma mistura agradável e satisfatória, até mesmo a resolução não é exatamente a esperada. Tecnicamente, por outro lado, é alucinante, a representação da água e da areia é particularmente deslumbrante, os personagens são bem feitos, as luzes fazem muito sucesso, repletas de cenas engenhosas, lúdicas, às vezes hilariante, muitas vezes cômica. Infelizmente, o filme não responde a uma pergunta candente: como os pinguins se beijam com esses bicos?
As Aventuras de Tintim
3.7 1,8K Assista AgoraO repórter belga mais famoso da história ressurge, sob o roteiro de Edgar Wright e sob a vigilância de Steven Spielberg e Peter Jackson, este filme de captura de movimentos acaba por ser uma revolução no cinema de imagens geradas por computador: a transcrição dos gestos dos atores é projetada, o que torna os personagens muito mais realistas e dá um tom humano a esta obra. Principalmente porque os personagens são inspirados nos rostos dos atores para acentuar essa parte do realismo. Parte do realismo que, no entanto, seria improvável após as acrobacias vertiginosas, mas tão incríveis, de Tintim e do Capitão Haddock. Essas cenas com o enquadramento acompanhando os personagens acrescentam dinamismo e criam a tão esperada ação.
Spielberg soube fazer este filme sem denegrir a obra original de Hergé. Através de um grande elenco ( Andy Serkis, Nick Frost, Daniel Craig, Simon Pegg e Toby Jones), o diretor nos transporta para uma mistura de três histórias em quadrinhos: O Caranguejo das Tenazes de Ouro (1941), O Segredo do Licorne/Unicórnio (1943) e O Tesouro de Rackham (1944). Deixando seus espectadores entusiasmados diante da obra com um cenário atrativo, uma história lúcida e ação onde for necessário. Os diálogos permanecem fiéis ao espírito da obra de Hergé e vão despertar novos fãs do lendário repórter, além de trazer de volta as memórias dos antigos.
Temos aqui uma adaptação que não trai o espírito de aventura da história em quadrinhos, ao mesmo tempo em que faz um filme bastante peculiar, ou seja, ele consegue infundi-lo com algo pessoal através de sua encenação completamente desenfreada graças a esta famosa captura de performance, não estamos necessariamente na realidade, então ele lança planos de rastreamento improváveis, movimentos de câmera completamente malucos e que balançam em todas as direções. E devo dizer que é muito agradável ver isso. Tem essa sede de aventura, temos cenas de ação absolutamente enormes, estou pensando na batalha de barcos, nunca vi isso, e é mil vezes melhor que um Piratas do Caribe, muito mais épico. Então o final pode parecer um pouco demais para Tintim, é aí que nos afastamos dos quadrinhos, mas é tão bem feito que é preciso mesmo ter muito cuidado com a proximidade com os quadrinhos para criticá-lo.
Fiquei com um pouco de receio que a ausência de planos reais tornasse a encenação um pouco preguiçosa, enquanto aqui tudo está sempre em movimento, e pela primeira vez, aproveitamos mesmo o fato de não estarmos em live action para ousar fazer loucuras, sem que haja exibicionismo gratuito, há verdadeira maestria.
Depois o filme não é necessariamente perfeito, acho que o humor às vezes é um pouco pesado, a música que considero bastante monótona e sem muita grandiosidade, e talvez o final que ambos convidam à aventura, mas acho isso um pouco simples. De qualquer forma, sentimos que foi feito de forma consciente e com amor pelos quadrinhos.
Anunciado como o primeiro de uma trilogia, aguardamos com impaciência a continuação do nosso brilhante Tintim e do seu fiel Milu numa história ainda mais espetacular que a aqui apresentada.
Logan
4.3 2,6K Assista AgoraUm homem consumido pela dor, pelas lamentações e pelo sofrimento. “Logan” oferece uma visão mais torturada do anti-herói, imperialmente interpretado por Hugh Jackman, que desempenha seu papel com tanta raiva no estômago que só posso confirmar que é verdadeiramente seu melhor desempenho como o mutante com garras. Sua melancolia e sua cota de vulnerabilidade são notáveis. Uma diferença real no comportamento dele, muito mais humano. Aquele que soube infundir em seu personagem um carisma impecável, para trazê-lo à vida, como Patrick Stewart. Esses dois são excelentes e entregam cenas intensas. O professor Xavier tem um papel de mentor muito importante nas mudanças de Logan, é ele quem é a voz da sabedoria e encarna a figura paterna. Seu relacionamento com Logan é muito próximo do de um pai que se certifica de manter seu filho no caminho certo. as é especialmente a pequena Dafne Keen quem irrompe na tela: incrivelmente magnética e carismática, a bravura de Laura/X-23 é deslumbrante e expressa muitas emoções apenas graças ao seu olhar.
Há poucas surpresas, ou nenhuma, mas cada elemento do filme é tratado de forma justa e sincera, por um realizador que entende o que é Wolverine e que ama o personagem.
Entre o faroeste, o road movie e a adaptação em quadrinhos, o filme nunca perde o fio da história e realmente tem uma identidade própria, o que é muito raro nos dias de hoje.
A encenação é soberba e tem um esplêndido contraste de declínio crepuscular que embeleza as inúmeras cenas de ação violenta e os personagens cobertos de sangue, suor e poeira.
O contraste é muito real, difícil associar com os últimos X-men lançados, guarnecido de uma violência alucinante e até divertida em todos os sentidos que claramente fogem das habituais Marvels. Há um bom número de planos soberbos, mais explosivos do que emocionais.
A edição de som também é muito boa com muitos efeitos especiais que são mais do que convincentes. James Mangold oferece ao personagem Wolverine uma verdadeira última resistência, que não revoluciona o gênero, mas que oferece um frescor surpreendente a esse personagem e finalmente oferece o filme que é merecido há muito tempo, sombrio, brutal, sensível e muito comovente.
Anatomia de uma Queda
4.0 820 Assista AgoraAnatomia de uma Queda disseca o mecanismo de um julgamento, as intenções da defesa, os ângulos de ataque da acusação, e este lado documental convincente, compreende que fazer justiça é um empreendimento delicado e imperfeito. De forma mais ampla, com certa crueldade, o filme mostra um casal em crise, deixando ao espectador a decisão final sobre as culpas de um e de outro e, consequentemente, que se trata de “um suicídio, um acidente ou um crime”. Neste jogo de verdade não descoberta, os restantes membros da família envolvidos também têm o seu papel a desempenhar: o filho deficiente visual e um cão-guia muito expressivo. A ordenação das cenas e a evolução dramática são muito hábeis.
Este filme é antes de mais um estudo de moral, dissecando a vida de casal (e por extensão a vida familiar) nos seus mais pequenos recantos, como um quebra-cabeça que tentamos montar mas cujas peças faltaríamos, e tentando compreender como chegamos a esta situação. E dentro de tudo isso, a verdade, em algum lugar. Cabe a nós, espectadores, perguntar-nos onde nos situaríamos nesta história, neste julgamento, neste drama.
Os sons, a música, a linguagem, as palavras, os silêncios, os movimentos de câmera, a interpretação, filtros naturais e enganosos (?) que cada um dos campos persistirá em explorar, perturbando a visão em torno da acusada, do falecido, do seu relacionamento, desta morte. Tal como Daniel, a única criança com deficiência visual e a única testemunha do acontecimento desastroso, o espectador investiga para a frente ou para trás de acordo com uma retórica bem pensada e manipuladora. Rastreando a veracidade, as verdades, enquanto os fatos são distorcidos, retrabalhados e duplicados.
Desempenho impecável de todo o elenco. Nenhuma resposta. Ou melhor, sim. Talvez várias. Cabe a nós procurá-las. Culpada, inocente? Mas no final das contas é quase anedótico. Anatomia de uma Queda não é tanto a da vítima, mas sim a de toda a família. Uma história densa e complexa, mas com uma produção digna.
NYAD
3.7 155Uma história verídica completamente incrível como o cinema tanto preza, mas também uma obra de superação através do esporte, bem como uma ode à amizade e, por fim, ao encontro de duas grandes atrizes americanas. A dupla é magnífica e nos mostra com precisão e humanidade o que é ser amigo há décadas e essa é a grande vantagem de um filme de sucesso. Sem esquecer Rhys Ifans, muito bom no papel do sensato capitão do barco.
Somos, informados do feito extraordinário e nunca antes visto da nadadora profissional Diana Nyad, que posteriormente se tornou jornalista desportiva. Com mais de sessenta anos, em 2011, ela decidiu tentar nadar novamente de Key West na Flórida a Cuba depois de ter falhado na década de 1970. São 165 km e desta vez sem gaiola de tubarão e sem qualquer ajuda, exceto a do corpo e da mente. Além deste desafio incrível, e mesmo que tenha que tentar novamente várias vezes, aqui perfeitamente transcrito, pintamos também o retrato de uma mulher teimosa, de caráter e da sua amizade inabalável com a sua fiel parceira de toda a vida que se tornará a sua treinadora nesta aventura.
O único problema que podemos ver em sua narração vem de flashbacks estranhos inseridos com muita frequência durante os momentos de natação. Talvez com a intenção de ventilar estas sequências no mar ou de dar substância adicional a Diana Nyad, evocando um momento doloroso do seu passado, elas acabam por se revelar apenas pesadas e irrelevantes. Deixando isso de lado, “Nyad” é conduzido rapidamente com uma bela noção de ritmo e tensão. Cada travessia de Nyad leva-nos à coragem para saber se terá sucesso ou não (para quem não sabe o resultado deste desafio).
"Nyad" se apresenta inicialmente como uma história de coragem, auto-sacrifício, perseverança, mas também de amizade. Como ela mesma diz, é um esforço de equipe com Bonnie, sua melhor amiga, que cuidou dela e a levou ao seu limite, mas também com todos que participaram dessa jornada maluca. Provavelmente você também tem que ser um pouco maluco e gostar de sofrer para fazer isso consigo mesmo, pois essa luta contra a mãe natureza não é fácil com as condições climáticas, mas também com tudo que povoa as águas a ponto de tornar esse ambiente hostil.
“Nyad” também poderia ter funcionado tão bem como documentário, já que a história também é técnica. Não se trata de um simples esforço físico, mas de uma preparação cuidadosa em todos os níveis. Devo admitir que as diferentes tentativas estragam um pouco a experiência. A sensação de descoberta e sobretudo a adrenalina vão diminuindo gradativamente. É como ver a mesma repetição de um movimento até que seja executado com perfeição, à medida que toda a equipe melhora e o equipamento. De qualquer forma, é um conto formidável que merece ser contada graças à autorrealização e superação que se apresenta.