A revolução digital desencadeou a criatividade e o talento das pessoas de uma forma sem precedentes, possibilitando oportunidades criativas ilimitadas. Mas a cultura democratizada significa melhor arte, cinema, música e literatura ou o verdadeiro talento é inundado e afogado no vasto oceano digital da cultura de massa? É democracia cultural ou mediocridade? A discussão é interessante, mas eu não concordaria com a ideia de que a arte ficou democratizada ou que a possibilidade criativa dependeria de uma imensa aptidão que somente a poucos seria dado ter...de toda o filme ajuda a entender uma discussão subjacente que seria a própria definição de arte até o advento das possibilidades digitais; ainda é arte a produção deslocada da realidade que um quadro na parede pode proporcionar?
Um Documentário Sobre as Coisas Importantes que tenta detalhar os benefícios de viver um estilo de vida não materialista e acumulador. Dirigido por Matt D'Avella, o documentário acompanha várias pessoas em sua jornada para viver um estilo de vida mais minimalista. O objetivo é educar e difundir a conscientização sobre a quantidade excessiva de lixo, bem como simplesmente o excesso de "coisas" desnecessárias no mundo de hoje. O filme foi criado e produzido por Ryan Nicodemus e Joshua Fields Millburn, dois autores e criadores de podcasts que praticam o minimalismo há vários anos. Enquanto grande parte do filme se concentra nos dois homens, ele também se abre para outros. Artistas, arquitetos e até mesmo um ex-corretor de Wall Street são algumas das pessoas entrevistadas e seguidas para obter uma imagem melhor de uma vida na maioria das vezes vazia de coisas materiais. Eu me incomodo com esses discursos de minimalismo; sempre parece vir de sociedades cuja abundância material moldam sua capacidade de discernir; o filme não discute isto, efetivamente, mas sempre tenho restrições aos que sempre esbanjaram e, agora, de um momento para o outro, tenta interromper o acesso aos bens de pessoas que sempre e nunca nada tiveram...para uma flamejante cruzada do agora vocês não podem porque nós, no outrora, tudo podemos...não sei... fico incomodado!
O desvio e a liberdade se manifestam não apenas no que diz respeito às tradições da colônia, mas também à tradição dos contos de fadas. Chapeuzinho Vermelho e Os Três Porquinhos são livremente subvertidos, tornando-se nada mais do que referências ao contra protagonista fundamental da história, o lobo. Nós nunca o vemos, pois ele permanece sempre fora de casa, e o filme permanece claustrofobicamente dentro das paredes da casa...genial!
Vi muitas críticas estranhas ao filme; as vezes me parecem estereotipadas, as vezes ressentida porque os brancos sempre esperam que a história da luta dos pretos tenha um herói que, na falta de melhor concepção, sejam o alter ego deles, para, ao fim e ao cabo, alegarem, mas havia um branco bonzinho...é um bom filme!
O diretor Michael Roemer e o fotógrafo Robert M. Young passaram vários meses no sul segregado preparando o roteiro para um filme com o romance improvável e depreciado entre Duff, um trabalhador ferroviário e Josie, uma professora. A produção independente em pequena escala – em si uma raridade na época – acabaria por emergir como um clássico excepcional do cinema dos EUA. Evitando tanto o dogmatismo político quanto a referência direta ao movimento dos direitos civis, o poder do filme reside em sua simplicidade formal e sua evocação sincera e naturalista da vida cotidiana de um casal negro em Birmingham, Alabama, nos anos de 1960. Uma repreensão brilhantemente despretensiosa à Hollywood centrada no branco, Nothing But a Man ousou excluir atores brancos de papéis de protagonistas e apresentar atores negros em close-ups bem enquadrados através do dia-a-dia de suas existências social e economicamente circunscritas. A potência e a poesia do realismo documental são aumentadas pela atuação notável e não afetada de Abbey Lincoln e Julius Harris em seus primeiros papéis e um comedido Ivan Dixon, cujo Duff adquire um status mítico enquanto tenta calmamente manter sua dignidade e sua alma diante da condescendência, hostilidade e crueldade – muitas vezes insidiosas e indiretas – que se tornaram rotina. À medida que Duff viaja de emprego em emprego, através do namoro, casamento e de volta ao seu início conturbado, ele tenta de alguma forma quebrar o ciclo em que tanto o homem quanto sua sociedade desempenharam papéis agudamente arraigados. É um filme que precisa ser visto e reverenciado...
É um filme muito bom, encoberto pelo que pretende combater, em uma metalinguagem invejável desde 1964; de forma geral, tudo ainda parece ocorrer de mesmo jeito, ainda hoje, 2022; afinal, se eu trocar a colher que utilizo, o sabor da sopa ainda será o mesmo... indico verificar o modo como operação o juiz de direito; se autoproclama contra o racismo, mas age por meio dele...
Ao longo da história do cinema mundial, muitos cineastas negros ajudaram consideravelmente a elevar as vozes de sua própria comunidade, na tentativa, quase infrutífera, de nível o campo de jogo esmagadoramente branco de Hollywood. De nomes como Spike Lee, Barry Jenkins e Steve McQueen a Julie Dash, Ava DuVernaye Maya Angelou, cada um desses criativos deve sua existência no cinema aos esforços pioneiros de Oscar Micheaux, o primeiro cineasta negro que se tem notícia ou registro. Inicialmente reservado apenas para aqueles que podiam pagar os materiais de origem para fazer seus próprios filmes, o cinema permaneceu uma forma de arte exclusiva até o século 20, tornando-se um meio dominado por homens brancos (quase exclusivamente racistas). Micheaux foi o primeiro cineasta a fornecer tal diversidade em Hollywood, pelo menos enquanto possibilidade, lançando seu filme de estreia The Homesteader em 1919 como uma resposta direta ao infame filme supremacista branco de D. W. Griffith, Nascimento de uma nação; tomando o cinema pelo pescoço e fornecendo uma nova perspectiva negra sobre questões contemporâneas, Micheaux desafiou as normas culturais prejudiciais dos EUA, do início do século 20, lançando sua obra-prima Body and Soul seis anos após sua estreia, em 1925. Baseado em seu próprio romance, o filme segue um pregador malévolo que se aproveita de uma mulher de sua congregação apenas para que a mulher se apaixone pelo gêmeo idêntico do homem. Enquanto na superfície o clássico de meados dos anos vinte de Micheaux soa um pouco simples, sob a trama o diretor evoca um intrincado subtexto que gira em torno dos medos e ansiedades das mulheres negras nos EUA do início do século XX, e que, de certa forma, não parece ter mudado na "américa" contemporânea. Sentindo-se forçada a um relacionamento com o falso pregador (Paul Robeson), o destino da jovem negra chamada Isabelle (Julia Theresa Russell) parece praticamente decidido, embora Micheaux proteja a personagem e a capacite com escolha em vez de submissão. Dando uma plataforma sem precedentes para protagonistas femininas negras, o empoderamento das mulheres no século 20, criando um filme em que a agência da personagem principal se tornou uma característica fundamental de sua pura potência. Como tal, Micheaux visou os cinéfilos negros com um elenco e uma narrativa que falavam diretamente com a comunidade, ignorando Hollywood para criar um texto-chave do cinema negro inicial que educaria e despertaria a mudança. Criado como um "filme de corrida" fora do sistema de estúdio mainstream de Hollywood, Micheaux e os produtores do filme foram forçados a confiar na discrição dos proprietários de cinemas para que seus filmes fossem exibidos. Como resultado, o filme teve que parecer "livre de riscos" e abster-se de incitar qualquer mensagem política, eventualmente levando o filme aos cinemas após rigorosas reedições depois que a Comissão de Cinema de Nova York negou o filme devido à sua tendência "de incitar o crime", considerando-o "imoral" e "sacrílego". Portanto, é dessa perspectiva que me parece mais honesto analisá-lo. Forçando seu caminho para as telas das comunidades negras, Corpo e Alma, de fato, impulsionou a mudança com sua história engenhosamente matizada que disfarçou suas intenções por trás de uma história "alheia". Estrelado por um ator em ascensão da cena teatral do Harlem, Paul Robeson, que viria a construir uma carreira de sucesso como cantor e ativista político lutando pelos direitos civis, já que o filme de Oscar Micheaux se tornou a semente a partir da qual uma florescente indústria cinematográfica negra cresceria; obviamente dentro dos limites designados...Filmaço!
Um filme comovente. Esta é uma verdadeira representação do maravilhoso conto de Teru Minamoto "Doro no Kawa" e há uma ausência de nostalgia e sentimentalismo que acrescenta ao filme, esta não é uma representação "Disney" da infância. Um dos meus filmes favoritos de todos os tempos, lá em cima com "To Kill a Mockingbird" e "Cinema Paradiso" A atuação é quase perfeita e o retrato do pai é um daqueles momentos importantes de um ator pregando o papel de um homem...
Confesso que o que levou ao filme foi o tal "Com pena dos garotos inexperientes, o coronel responsável pelo batalhão no qual eles foram alistados resolve poupá-los e, ao invés de enviá-los para a linha de frente do confronto contra os estadunidenses, resolve colocá-los para defender a ponte que dá acesso a sua cidade natal." O trecho é uma idiotice tremenda e o filme é outra...
Aqui o que importa é menos a história - dois irmãos e uma irmã trabalhando em várias tensões entre eles e outros amigos e amantes - do que a atmosfera elétrica e as performances ousadas. O trio percorre suas vidas decadentes na cidade (boates esfumaçadas, festas pretensiosas, encontros sexuais desastrosos, brigas e conversas beatnik beery) sofrendo de hipertensão inebriante, embora o que agora é tão surpreendente sobre esse marco do cinema de improvisação é que muitas vezes é muito engraçado. A edição saltitante, o trabalho de câmera de foco livre e o diálogo naturalista (feito no mesmo ano de Godard's Breathless, centra-se em torno de muitos dos mesmos impulsos em direção a uma nova forma de fazer cinema) podem não mais chocar, mas em 1959 deve ter sido uma revelação. Com uma trilha sonora Mingus azul e mal-humorada e fotografia cinza-aço, ainda é uma delícia.
Vivendo em Kentucky, nos EUA - antes da Guerra Civil, Amantha Starr é uma jovem privilegiada. Seu pai, viúvo, é um rico fazendeiro, gosta dela e ele a envia para as melhores escolas. Quando ele morre, no entanto, o mundo de Amantha é virado de cabeça para baixo. Ela descobre que seu pai estava vivendo com dinheiro emprestado e que sua mãe era, na verdade, uma escrava e amante de seu pai. A plantação deve ser vendida para pagar as dívidas de seu pai e, como filha de escrava, Amantha também deve ser vendida como propriedade. Ela é comprada por um fazendeiro da Louisiana, Hamish Bond e com o tempo cresce uma paixão entre os dois, ela porque gosta da mercadoria que comprou e ela porque tem sérias intensões de se tornar classe dominante novamente, mas ela descobre que é era um comerciante de escravos. Ela tenta novamente se tornar parte da sociedade branca, mas percebe que seu futuro está em outro lugar. O filme é a quinta essência do que os estadunidenses são, sempre foram, e continuarão a ser; e não importa muito de que lugar você olhe...
Axelle, Dominique e Conso compartilham um segredo. Elas levam uma vida dupla. Elas se encontram todas as manhãs no estacionamento da cidade para pegar a estrada e ir trabalhar no outro lado da fronteira. Lá se tornam Athena, Circe e Hera em um bordel. Filhas da alegria, heroínas da vida cotidiana, cada uma lutando por sua família, para manter sua dignidade. Mas quando a vida de uma delas está em perigo, todas se unem para enfrentar a adversidade. O assunto é velho, e parece que será eterno, mas o enredo me tocou sobremaneira; indico com entusiasmo!
O Filho Uruguaio conta a história dos últimos momentos de uma longa investigação liderada por uma mãe francesa cujo filho, de 5 anos, na época, foi sequestrado pelo ex-marido para morar no Uruguai. Apesar da morte de seu pai, o menino continua a viver com sua tia e avó. Essa mãe desesperada (interpretada por Isabelle Carrée) conseguiu convencer Medhi (Ramzy Bedia) a acompanhá-la em sua missão de última chance. Determinadas a trazê-lo de volta à França para que ele possa encontrar sua mãe, 4 anos após seu sequestro, seu plano inicial não será tão simples. Um relato comovente de uma situação revoltante, O Filho Uruguaio consegue fazer as perguntas certas sobre a vida desse jovem garoto cujas referências agora estão estabelecidas no Uruguai. Como trazê-lo de volta à França sem perturbá-lo, ou mesmo traumatizá-lo? É, portanto, em torno dessa questão que a história vai girar. O filme consegue, ao fazer-nos viver uma grande parte do filme, por meio dos olhos de Medhi, manter-nos num equilíbrio sentimental instável, tocado tanto pelo desespero dessa mãe que tanto sofreu, como pela alegria dessa família que soube reconstruir-se após a morte do pai. De fato, como Medhi, convencido da retidão da causa que ela apoia, veremos nossos princípios questionados após o encontro com Felipe e sua família uruguaia. Um equilíbrio precário e um exercício complexo que são, por isso, os grandes sucessos desse filme. Realizado pela dupla Isabelle Carré e Ramzy Bedia, o filme, falando de uma história comovente é uma obra prima.
Espanglês
2.8 418 Assista AgoraO enredo é bem interessante e a proposta tb, mas o produto entregue é bem mediano!
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3.7 12 Assista AgoraMuito interessante!
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4.3 5A revolução digital desencadeou a criatividade e o talento das pessoas de uma forma sem precedentes, possibilitando oportunidades criativas ilimitadas. Mas a cultura democratizada significa melhor arte, cinema, música e literatura ou o verdadeiro talento é inundado e afogado no vasto oceano digital da cultura de massa? É democracia cultural ou mediocridade? A discussão é interessante, mas eu não concordaria com a ideia de que a arte ficou democratizada ou que a possibilidade criativa dependeria de uma imensa aptidão que somente a poucos seria dado ter...de toda o filme ajuda a entender uma discussão subjacente que seria a própria definição de arte até o advento das possibilidades digitais; ainda é arte a produção deslocada da realidade que um quadro na parede pode proporcionar?
Minimalismo: Um Documentário Sobre Coisas Importantes
3.5 195Um Documentário Sobre as Coisas Importantes que tenta detalhar os benefícios de viver um estilo de vida não materialista e acumulador. Dirigido por Matt D'Avella, o documentário acompanha várias pessoas em sua jornada para viver um estilo de vida mais minimalista. O objetivo é educar e difundir a conscientização sobre a quantidade excessiva de lixo, bem como simplesmente o excesso de "coisas" desnecessárias no mundo de hoje. O filme foi criado e produzido por Ryan Nicodemus e Joshua Fields Millburn, dois autores e criadores de podcasts que praticam o minimalismo há vários anos. Enquanto grande parte do filme se concentra nos dois homens, ele também se abre para outros. Artistas, arquitetos e até mesmo um ex-corretor de Wall Street são algumas das pessoas entrevistadas e seguidas para obter uma imagem melhor de uma vida na maioria das vezes vazia de coisas materiais. Eu me incomodo com esses discursos de minimalismo; sempre parece vir de sociedades cuja abundância material moldam sua capacidade de discernir; o filme não discute isto, efetivamente, mas sempre tenho restrições aos que sempre esbanjaram e, agora, de um momento para o outro, tenta interromper o acesso aos bens de pessoas que sempre e nunca nada tiveram...para uma flamejante cruzada do agora vocês não podem porque nós, no outrora, tudo podemos...não sei... fico incomodado!
Sopyonje
4.5 1Uma visão quase idílica dos efeitos, um deles, da globalização! Belíssimo filme...
A Casa Lobo
4.1 47O desvio e a liberdade se manifestam não apenas no que diz respeito às tradições da colônia, mas também à tradição dos contos de fadas. Chapeuzinho Vermelho e Os Três Porquinhos são livremente subvertidos, tornando-se nada mais do que referências ao contra protagonista fundamental da história, o lobo. Nós nunca o vemos, pois ele permanece sempre fora de casa, e o filme permanece claustrofobicamente dentro das paredes da casa...genial!
Arca Russa
4.0 182No início do filme foi bem chato, depois do meio para o final ficou mais chato ainda!
O Poder Negro
3.5 3Vi muitas críticas estranhas ao filme; as vezes me parecem estereotipadas, as vezes ressentida porque os brancos sempre esperam que a história da luta dos pretos tenha um herói que, na falta de melhor concepção, sejam o alter ego deles, para, ao fim e ao cabo, alegarem, mas havia um branco bonzinho...é um bom filme!
Nothing But a Man
4.2 2O diretor Michael Roemer e o fotógrafo Robert M. Young passaram vários meses no sul segregado preparando o roteiro para um filme com o romance improvável e depreciado entre Duff, um trabalhador ferroviário e Josie, uma professora. A produção independente em pequena escala – em si uma raridade na época – acabaria por emergir como um clássico excepcional do cinema dos EUA. Evitando tanto o dogmatismo político quanto a referência direta ao movimento dos direitos civis, o poder do filme reside em sua simplicidade formal e sua evocação sincera e naturalista da vida cotidiana de um casal negro em Birmingham, Alabama, nos anos de 1960. Uma repreensão brilhantemente despretensiosa à Hollywood centrada no branco, Nothing But a Man ousou excluir atores brancos de papéis de protagonistas e apresentar atores negros em close-ups bem enquadrados através do dia-a-dia de suas existências social e economicamente circunscritas. A potência e a poesia do realismo documental são aumentadas pela atuação notável e não afetada de Abbey Lincoln e Julius Harris em seus primeiros papéis e um comedido Ivan Dixon, cujo Duff adquire um status mítico enquanto tenta calmamente manter sua dignidade e sua alma diante da condescendência, hostilidade e crueldade – muitas vezes insidiosas e indiretas – que se tornaram rotina. À medida que Duff viaja de emprego em emprego, através do namoro, casamento e de volta ao seu início conturbado, ele tenta de alguma forma quebrar o ciclo em que tanto o homem quanto sua sociedade desempenharam papéis agudamente arraigados. É um filme que precisa ser visto e reverenciado...
O Processo de Julie Richards
3.2 1É um filme muito bom, encoberto pelo que pretende combater, em uma metalinguagem invejável desde 1964; de forma geral, tudo ainda parece ocorrer de mesmo jeito, ainda hoje, 2022; afinal, se eu trocar a colher que utilizo, o sabor da sopa ainda será o mesmo...
indico verificar o modo como operação o juiz de direito; se autoproclama contra o racismo, mas age por meio dele...
O Delator
3.9 27Xnovão sinistro...
Corpo e Alma
3.5 4Ao longo da história do cinema mundial, muitos cineastas negros ajudaram consideravelmente a elevar as vozes de sua própria comunidade, na tentativa, quase infrutífera, de nível o campo de jogo esmagadoramente branco de Hollywood. De nomes como Spike Lee, Barry Jenkins e Steve McQueen a Julie Dash, Ava DuVernaye Maya Angelou, cada um desses criativos deve sua existência no cinema aos esforços pioneiros de Oscar Micheaux, o primeiro cineasta negro que se tem notícia ou registro. Inicialmente reservado apenas para aqueles que podiam pagar os materiais de origem para fazer seus próprios filmes, o cinema permaneceu uma forma de arte exclusiva até o século 20, tornando-se um meio dominado por homens brancos (quase exclusivamente racistas). Micheaux foi o primeiro cineasta a fornecer tal diversidade em Hollywood, pelo menos enquanto possibilidade, lançando seu filme de estreia The Homesteader em 1919 como uma resposta direta ao infame filme supremacista branco de D. W. Griffith, Nascimento de uma nação; tomando o cinema pelo pescoço e fornecendo uma nova perspectiva negra sobre questões contemporâneas, Micheaux desafiou as normas culturais prejudiciais dos EUA, do início do século 20, lançando sua obra-prima Body and Soul seis anos após sua estreia, em 1925. Baseado em seu próprio romance, o filme segue um pregador malévolo que se aproveita de uma mulher de sua congregação apenas para que a mulher se apaixone pelo gêmeo idêntico do homem. Enquanto na superfície o clássico de meados dos anos vinte de Micheaux soa um pouco simples, sob a trama o diretor evoca um intrincado subtexto que gira em torno dos medos e ansiedades das mulheres negras nos EUA do início do século XX, e que, de certa forma, não parece ter mudado na "américa" contemporânea. Sentindo-se forçada a um relacionamento com o falso pregador (Paul Robeson), o destino da jovem negra chamada Isabelle (Julia Theresa Russell) parece praticamente decidido, embora Micheaux proteja a personagem e a capacite com escolha em vez de submissão. Dando uma plataforma sem precedentes para protagonistas femininas negras, o empoderamento das mulheres no século 20, criando um filme em que a agência da personagem principal se tornou uma característica fundamental de sua pura potência. Como tal, Micheaux visou os cinéfilos negros com um elenco e uma narrativa que falavam diretamente com a comunidade, ignorando Hollywood para criar um texto-chave do cinema negro inicial que educaria e despertaria a mudança. Criado como um "filme de corrida" fora do sistema de estúdio mainstream de Hollywood, Micheaux e os produtores do filme foram forçados a confiar na discrição dos proprietários de cinemas para que seus filmes fossem exibidos. Como resultado, o filme teve que parecer "livre de riscos" e abster-se de incitar qualquer mensagem política, eventualmente levando o filme aos cinemas após rigorosas reedições depois que a Comissão de Cinema de Nova York negou o filme devido à sua tendência "de incitar o crime", considerando-o "imoral" e "sacrílego". Portanto, é dessa perspectiva que me parece mais honesto analisá-lo.
Forçando seu caminho para as telas das comunidades negras, Corpo e Alma, de fato, impulsionou a mudança com sua história engenhosamente matizada que disfarçou suas intenções por trás de uma história "alheia". Estrelado por um ator em ascensão da cena teatral do Harlem, Paul Robeson, que viria a construir uma carreira de sucesso como cantor e ativista político lutando pelos direitos civis, já que o filme de Oscar Micheaux se tornou a semente a partir da qual uma florescente indústria cinematográfica negra cresceria; obviamente dentro dos limites designados...Filmaço!
Rio de Lama
4.2 8Um filme comovente. Esta é uma verdadeira representação do maravilhoso conto de Teru Minamoto "Doro no Kawa" e há uma ausência de nostalgia e sentimentalismo que acrescenta ao filme, esta não é uma representação "Disney" da infância. Um dos meus filmes favoritos de todos os tempos, lá em cima com "To Kill a Mockingbird" e "Cinema Paradiso" A atuação é quase perfeita e o retrato do pai é um daqueles momentos importantes de um ator pregando o papel de um homem...
Águia Solitária
3.6 13 Assista AgoraA mesma emoção que um repolho pode emitir, esperando ser cortado para o almoço de Páscoa...
A Ponte da Desilusão
4.2 17Confesso que o que levou ao filme foi o tal "Com pena dos garotos inexperientes, o coronel responsável pelo batalhão no qual eles foram alistados resolve poupá-los e, ao invés de enviá-los para a linha de frente do confronto contra os estadunidenses, resolve colocá-los para defender a ponte que dá acesso a sua cidade natal." O trecho é uma idiotice tremenda e o filme é outra...
Sombras
3.8 50Aqui o que importa é menos a história - dois irmãos e uma irmã trabalhando em várias tensões entre eles e outros amigos e amantes - do que a atmosfera elétrica e as performances ousadas. O trio percorre suas vidas decadentes na cidade (boates esfumaçadas, festas pretensiosas, encontros sexuais desastrosos, brigas e conversas beatnik beery) sofrendo de hipertensão inebriante, embora o que agora é tão surpreendente sobre esse marco do cinema de improvisação é que muitas vezes é muito engraçado. A edição saltitante, o trabalho de câmera de foco livre e o diálogo naturalista (feito no mesmo ano de Godard's Breathless, centra-se em torno de muitos dos mesmos impulsos em direção a uma nova forma de fazer cinema) podem não mais chocar, mas em 1959 deve ter sido uma revelação. Com uma trilha sonora Mingus azul e mal-humorada e fotografia cinza-aço, ainda é uma delícia.
Meu Pecado Foi Nascer
3.6 15Vivendo em Kentucky, nos EUA - antes da Guerra Civil, Amantha Starr é uma jovem privilegiada. Seu pai, viúvo, é um rico fazendeiro, gosta dela e ele a envia para as melhores escolas. Quando ele morre, no entanto, o mundo de Amantha é virado de cabeça para baixo. Ela descobre que seu pai estava vivendo com dinheiro emprestado e que sua mãe era, na verdade, uma escrava e amante de seu pai. A plantação deve ser vendida para pagar as dívidas de seu pai e, como filha de escrava, Amantha também deve ser vendida como propriedade. Ela é comprada por um fazendeiro da Louisiana, Hamish Bond e com o tempo cresce uma paixão entre os dois, ela porque gosta da mercadoria que comprou e ela porque tem sérias intensões de se tornar classe dominante novamente, mas ela descobre que é era um comerciante de escravos. Ela tenta novamente se tornar parte da sociedade branca, mas percebe que seu futuro está em outro lugar. O filme é a quinta essência do que os estadunidenses são, sempre foram, e continuarão a ser; e não importa muito de que lugar você olhe...
Felicidade
3.5 10O roteiro é interessante, mas acho que o produto ficou inconsistente, não sei!
Donas de Alegria
3.3 9Axelle, Dominique e Conso compartilham um segredo. Elas levam uma vida dupla. Elas se encontram todas as manhãs no estacionamento da cidade para pegar a estrada e ir trabalhar no outro lado da fronteira. Lá se tornam Athena, Circe e Hera em um bordel. Filhas da alegria, heroínas da vida cotidiana, cada uma lutando por sua família, para manter sua dignidade. Mas quando a vida de uma delas está em perigo, todas se unem para enfrentar a adversidade. O assunto é velho, e parece que será eterno, mas o enredo me tocou sobremaneira; indico com entusiasmo!
Josep
4.0 15Roteiro excepcional com a utilização de uma poderosa ferramenta que é a animação!
Shrek
4.0 1,1K Assista AgoraFilme saboroso de assitir!
Um Gato em Paris
3.8 192 Assista AgoraQueria ter gostado, mas não foi o caso!
O Ignorante
2.6 7Não gostei; tema tolo. enredo péssimo e resolução terrível...sei lá!
O Filho Uruguaio
3.6 21O Filho Uruguaio conta a história dos últimos momentos de uma longa investigação liderada por uma mãe francesa cujo filho, de 5 anos, na época, foi sequestrado pelo ex-marido para morar no Uruguai. Apesar da morte de seu pai, o menino continua a viver com sua tia e avó. Essa mãe desesperada (interpretada por Isabelle Carrée) conseguiu convencer Medhi (Ramzy Bedia) a acompanhá-la em sua missão de última chance. Determinadas a trazê-lo de volta à França para que ele possa encontrar sua mãe, 4 anos após seu sequestro, seu plano inicial não será tão simples. Um relato comovente de uma situação revoltante, O Filho Uruguaio consegue fazer as perguntas certas sobre a vida desse jovem garoto cujas referências agora estão estabelecidas no Uruguai. Como trazê-lo de volta à França sem perturbá-lo, ou mesmo traumatizá-lo? É, portanto, em torno dessa questão que a história vai girar. O filme consegue, ao fazer-nos viver uma grande parte do filme, por meio dos olhos de Medhi, manter-nos num equilíbrio sentimental instável, tocado tanto pelo desespero dessa mãe que tanto sofreu, como pela alegria dessa família que soube reconstruir-se após a morte do pai. De fato, como Medhi, convencido da retidão da causa que ela apoia, veremos nossos princípios questionados após o encontro com Felipe e sua família uruguaia. Um equilíbrio precário e um exercício complexo que são, por isso, os grandes sucessos desse filme. Realizado pela dupla Isabelle Carré e Ramzy Bedia, o filme, falando de uma história comovente é uma obra prima.