Um filme profundamente deprimente, mas comovente. Uma trama construída por suas performances. O roteiro é fantástico no desenvolvimento de caráter de seu protagonista. O ator Casey Affleck confere o desempenho de uma vida neste papel, embora seu personagem pareça mundano e sem brilho no início, aos poucos o público entende a razão que ele é do jeito que é.
O sofrimento é um animal diferente para todos os que são forçados a senti-lo. Algumas pessoas lidam com raiva, algumas pessoas escolhem abertamente falar sobre isso, e outros não dizem uma palavra e carregam tudo para dentro. Este é um retrato desta última instância.
O grande problema com a trama é que ela é completamente dependente do sofrimento de seu protagonista. Eventualmente, todo o azar e sofrimento com o passar da projeção se sente repetitivo e cansado. E me impediu de sentir completamente deslumbrado com o filme como a maioria do público e crítica parece contemplar. É bom, mas confesso que realmente não entendo todo o amor que está recebendo.
O filme é um mergulho em uma das mais belas histórias de amor. Eles lutaram contra um estado segregado e um país dividido para ficar juntos e provar que não havia nada de errado com as emoções que sentiam e compartilhavam uns com os outros. O diretor Jeff Nichols evoca a intimidade em todas as oportunidades. Ele resiste à tentação de sublinhar a importância de sua história, de passar tempo em cenas (como cenas de tribunal) que podemos imaginar muito bem por conta própria, e se recusa a ampliar o escopo de seu filme para demonstrar sua influência no resto do mundo, ou para mostrar seu detalhe naturalista e meticuloso do período.
Os atores Joel Edgerton e Ruth Negga caem como luva em toda esta naturalidade simplista que é a proposta da trama. Ambos os personagens se sentem vividos, acostumados com suas rotinas e sincronizados como se estivessem se segurando uns aos outros durante os tempos difíceis.
É uma trama sutil, silenciosa que mostra a quantidade certa de dor que estes dois sofreram durante uma década inteira antes que um contexto histórico lhes trouxesse justiça. É chamado "Loving" não apenas porque eram seus sobrenomes, mas porque é isso que eles fizeram; eles se amaram.
Parte do que gostei em Whiplash: Em Busca da Perfeição (2015) é replicado aqui: a edição, a câmera, a direção e a paixão pela música. O que está faltando, no entanto, é o ponto de vista inclinado, a maneira estranha de olhar para a arte e a insaciada busca por ela. Em Whiplash ocorre uma destruição mutuamente assegurada: o foco e o desejo de perfeição dos dois personagens principais aniquilam seu capital social. Nenhum funcionará novamente. É um final tematicamente adequado.
Em vez desta crítica cuidadosamente modulada da perseguição artística. O que La La Land está tentando dizer sobre artistas? Que só a arte comercialmente viável é a arte que vale a pena prosseguir? Que os artistas devem ser apoiados não importa quão tolas sejam suas ideias?- Os astros Emma Stone e Ryan Gosling se apresentam e são encantadores até a última instância, mas certamente não são texturizados o suficiente para sustentar o meu interesse através das sequências não-musicais. As músicas são banais quando não são totalmente imemoráveis, e o tema de piano parece apenas um tilintar aleatório e triste.
Pode-se encontrar a paixão íntima que o diretor Damien Chazelle tem por suas influências cinematográficas e musicais, em que a cada momento parece recordar algo bonito, uma referência de uma memória preciosa. Possui momentos de maravilha visual e auditiva, mas não são suficientes para preencher a falta de coerência ideológica. É um filme vazio aparentemente projetado para o prazer máximo do público, e neste quesito é um sucesso.
Será que é possível separar a arte do artista?- Desde a sua estreia arrebatadora no Festival de Sundance em janeiro de 2016, o filme tem lutado uma batalha difícil. Isto é especialmente decepcionante como começou em 2016 no topo da colina. A produção foi recebida com elogios quase unânimes de plateias e críticos completamente extáticos. Depois foi comprado pela Fox no maior acordo de aquisição da história de Sundance. No entanto, alguns meses se passaram e acusações de estupro centradas no cineasta Nate Parker e roteirista Jean Celestin ofuscaram completamente a produção. Para piorar o ator demonstrou sua aparente falta de empatia em entrevistas sobre o assunto.
O filme, contudo, é uma poderosa e imperfeita lição de história da vida e da morte de Nat Turner, um pastor negro que liderou uma insurreição de escravos nos E.U.A em 1831. O que não se pode negar é a paixão que Nate Parker tem por esta história em cada quadro. Ele aproveita todas as oportunidades possíveis para fazer algo novo com a câmera e exibir a excelente fotografia, especialmente em algumas sequências "sonhos", onde quase se torna metafísico.
A trama faz observações verdadeiramente pungentes sobre religião através da lente da violência. Fica claro que o diretor está muito mais preocupado com o caráter de seu protagonista e como a religião o transformou em um líder mítico do que qualquer outra instância. Embora, o filme pode ser desigual, especialmente no terceiro ato, ainda alcança momentos de beleza e horror enquanto observamos Nate Turner em uma violenta e necessária rebelião contra o pecado da escravidão. É um filme brutal em certo aspecto que pode ter falhas enfadonhas, talvez falte audácia e sadismo que fizeram de Coração Valente (1995) uma produção “Oscarizada”. O que nos resta é um filme admirável, agitado, falho, simplista, mas importante, que sem dúvidas merece ser conhecido.
É uma dura narrativa emocional sobre a perda, mas também é um filme de monstro. Como o monstro desta história explica, saber o que nos assusta é entender quem realmente somos. O monstro é apenas um reflexo de uma verdade profunda e escura que muitas vezes tentamos não enfrentar.
A trama é algo parecido com um nervo cru, destacando não apenas um período de grande estresse emocional, mas o ponto em que a infância de um menino é forçosamente quebrada em favor das nuanças complicadas de um mundo adulto. Um filme que encontra profundidade em desvendar a natureza do medo, tristeza e depressão, apenas para desconstruir o que mais importa: recusar as mentiras reconfortantes e aceitar a verdade amarga.
O filme de Mira Nair explode com energia vibrante e cores deslumbrantes e saturadas. Uma produção com um elenco essencialmente negro que representa a pobreza de alguns que vivem na África, mas também apresenta a vibrante cultura que prospera por lá, e está mais interessado em sua beleza do que em seu tormento.
Mas são as performances que realmente elevam esta história em algo especial. É Lupita Nyong'o que mais uma vez rouba o show. Neste ponto, estou convencido de que pode interpretar qualquer papel dado a ela e tirá-lo com graça. Na verdade, a grande maioria das cenas emocionalmente ressonantes são quase totalmente realizadas por ela. É uma performance maravilhosa que merecia sinceramente ser lembrada por todas as premiações.
Não é um filme isento de falhas. É uma narrativa apressada que apresenta personagens de cena em cena, muitas vezes se sente que momentos poderosos estão sendo estrangulados para nos levar ao final da trama a todo custo. A Disney criou algo de um subgênero para si mesmo com os dramas de esportes inspiradores. O grande diferencial deste para os demais dramas esportivos é que este realmente tem a vontade e a paixão para inspirar as pessoas sem soar à sentimentalismo barato.
O visual é vibrante repleto de cores brilhantes que se encaixam a cultura da Polinésia e do Pacífico. A narrativa por sua vez, é capaz de subverter alguns dos clichês mais cansados e tradicionais das Princesas da Disney.
O mais encorajador desta animação é a evolução que a Disney propõe com sua fórmula aqui. Como alguém que nunca se desentendeu sobre a natureza fórmica de seu trabalho, as mudanças feitas aqui são notavelmente bem-vindas. Quem disse que para ser Princesa precisa de um Príncipe?
Moana é uma personagem multidimensional em um conto culturalmente infundido repleto de mitos espirituais. Sonha com realizações que não são projetadas a ela, é limitada pelas restrições de sua sociedade. Com muita aventura, e músicas a trama lida com a quebra de restrições de uma sociedade, independentemente das limitações que foram colocadas a ela. É uma jornada mais preocupada com a autodescoberta. Mas, o que é ainda mais fascinante é que não tem um vilão tradicional, entende que às vezes podemos ser nossos próprios inimigos.
Por que outro filme baseado no diário de Anne Frank? - Todo mundo sabe a história. Respondo a pergunta. Esta é a primeira vez que um filme sobre Anne é feito em alemão, a língua nativa dela. A proposta é uma nova abordagem para tornar ainda mais acessível a uma nova geração. O diretor e o roteirista tiveram acesso a novas informações recolhidas a partir dos diários "inéditos" não publicados.
A trama nos lembra que Anne era uma adolescente acima de tudo que estava curiosa sobre seu corpo em mudança. Ao mesmo tempo, torna palpáveis os terrores diários de se esconder dos perseguidores no "Anexo Secreto". A perda da dignidade humana em condições sub-humanas. O ponto alto, no entanto, é o brilhante elenco. Não existe um elo fraco. E eles operam como um verdadeiro conjunto. É uma vitrine de atuação. Mesmo se você já tenha conferido outras versões do DIÁRIO DE ANNE FRANK essa produção merece uma nova chance de ser vista.
A Europa é novamente confrontada com inúmeras tragédias humanas causadas pela imigração. O diário de Anne Frank abre a porta a muitos temas contemporâneos, especialmente a respeito da igualdade, da emancipação e da proteção das minorias.
Qualquer filme que coloca em seus créditos iniciais Janet Jackson é um bom começo. Especialmente quando a canção é "Miss You Much" suprassumo das rádios no ano de 1989. O filme define o tom de um dia de verão nas ruas de Chicago no fim da década de 80. A trama retrata o primeiro encontro de Michelle e Barack Obama através da lente de algo semelhante à trilogia de "Antes do Amanhecer" do diretor Richard Linklater.
A magia de como estranhos perfeitos podem se conectar tão intimamente durante um curto período de tempo. A trama analisa esse sentimento indescritível que cria um laço forte e confiante entre essas duas pessoas - um vínculo que inevitavelmente se transformará em amor e uma parceria de sucesso resultando em Presidente e Primeira Dama. É político, sem ser sobre político. É romântico, sem ser melodramático. Não é perfeito, mas dentro de sua proposta é um sucesso.
Este é um olhar interessante sobre Barrack Obama e se você puder pôr suas opiniões políticas de lado, apreciará esta compreensão humana do ex-presidente norte-americano.
Não se trata de uma biografia convencional de um homem destinado a ser um vencedor. É sobre a busca de um homem tentando pertencer a algo, e encontrar-se na grande cidade de Nova York. Acompanhamos esta busca de autoconhecimento em uma América ainda divisiva racialmente no qual o jovem Obama tenta cautelosamente colocar a ponta dos pés, mas tropeça em um romance inter-racial instantaneamente condenado que serve como a espinha dorsal da trama.
Às vezes, a trama luta para externalizar a crise de identidade de seu protagonista de uma maneira que é genuína, e outras vezes nem tanto, contudo, é um olhar suficientemente perspicaz no estado de ser um "Outsider" em uma sociedade que tenta à qualquer custo nos categorizar.
O documentário segue o ex-jogador da NFL Steve Gleason desde seu diagnóstico de Esclerose Lateral Amiotrófica (ELA) - coincidindo em questão de semanas com a descoberta que sua esposa está grávida. Acompanhamos de forma gradual a deterioração de suas habilidades físicas, mas o tempo é apenas uma parte das ambições deste espetacular documentário.
O diretor transforma seus assuntos principais em personagens ricos e complexos: Steve, um ex-atleta tentando fazer as pazes com seu novo corpo, e sua esposa uma mulher de espírito livre lutando com seu novo papel de "cuidadora" tanto do marido quanto para o seu filho pequeno.
É um documentário que dedica-se a problemas de pais e filhos ao longo de três gerações, como Steve tenta fazer as pazes com seu próprio pai. E de sua construção de relacionamento com o seu filho que inadvertidamente não poderá vê-lo crescer. É difícil imaginar um retrato mais sentimental que este. Esse desconforto voyeurístico é o que torna o documentário tão espetacular. Ou melhor, a intimidade que este desconforto oferece. No meio do filme eu senti como se tivesse visto esta família atravessando o inferno. Mas, é acima de tudo uma família confrontando a tragédia com dignidade, em cenas cheias de amor, dor e esperança.
A trama examina uma fatia da percepção da cultura americana como um todo. Da necessidade constante de novas experiência até a individualidade. Disseca a juventude, seus relacionamentos e suas respectivas localidades. Tudo isso é visto através dos olhos nunca descansados de uma adolescente curiosa, cuja insaciável sede de novas experiências a motivam a viver na corda bamba.
O filme de Andrea Arnold reflete a mentalidade de uma juventude desesperada para ser parte de algo e dispostos a assumir riscos para chegar lá, mas que talvez subconscientemente querem adiar essa ideia de crescer para o maior tempo possível. Quem precisa do futuro quando o presente é tão presente?
É uma viagem com pano de fundo repleto de canções populares de gêneros diferentes: Country, Rap, Pop e R&B todos reunidos em diferentes tons que se misturam para se apropriar dos "sons" da América moderna. Talvez, seja este pequeno toque doce para a produção que faz do filme uma das melhores desconstruções modernas da cultura americana. É ao mesmo tempo esperançoso e desesperançoso, a diferença entre a adolescência moderna e a vida adulta tornou-se um abismo onde a maioria não consegue dar o salto.
Skate é um dos esportes mais associados com a marginalização. A trama retrata um grupo de 04 jovens skatistas em uma área suburbana e pobre dos E.U.A. Enquanto, muitos filmes confundem suas histórias com melodramas exagerados ou proselitismo social, esta trama se atreve a ser sombria, contando uma história angustiante sobre a natureza cíclica e geracional da violência política e econômica da periferia.
Não concordamos com as escolhas desses anti-heróis que são sempre claras em sua verdade e consequência, e por qualquer motivo estão sempre presos em escolhas erradas nos momentos errados. O espectador realmente se importa com esses 'caras' e sentimos por eles a inevitabilidade das situações de risco as quais estão inseridos.
O diretor explora a subcultura do Hip-Hop / Skate de Cleveland através de uma câmera invasiva que povoa estes personagens fascinantes com momentos vividos; é um filme cuja autenticidade é tão marcante quanto seu estilo, mesmo que em seu momento final se entrega a tudo aquilo que condena no início, mais contraditório impossível. Mesmo com falhas vale ser conhecido.
Há uma excelente e ousada premissa neste drama sueco. Um jovem adolescente do sexo masculino é solto de uma instituição correcional por um crime hediondo. O espectador não tem conhecimento do crime, e de quem volta para casa, onde a família e a pequena cidade não estão certos quanto sua libertação. Inicialmente, o público é viciado em saber que ele é culpado, e de como as pessoas na cidade são abertamente desdenhosas em relação a sua presença.
A dúvida permanece até o fim. É um adolescente incompreendido que cometeu um erro terrível em um ataque de raiva ou um sociopata incapaz de forjar apegos duradouros e sentir emoções genuínas?
A trama permite ao público vislumbrar tanto os lados claros quanto os escuros do personagem principal, enquanto ele carrega a cruz da vida que tomou para si. É um filme com uma ressonância moral através do qual a luta do perdão e o desejo de seguir em frente são motivações compreensíveis.
Um filme que se sente como um olhar verdadeiramente relevante na vida da nova geração de comediantes. A correlação entre a arte da improvisação e a vida dessas pessoas é inconfundível e eficaz.
O diretor faz um excelente trabalho de fazer a comédia servir o drama e vice-versa, este é um esforço bem escrito que não deixa qualquer um dos seus personagens fora do gancho. Consegue encontrar drama em momentos de silêncio, sinceridade no insincero e comédia no que é supostamente sem graça.
Um tema ousado considerando o país de origem. Não justifica a repercussão que o filme teve em seu lançamento em Cannes, esperava um conteúdo mais forte e um tratamento mais profundo, mesmo se tratando de olhar muçulmano ao tema da prostituição.
A câmera gasta muito tempo em objetivar as mulheres, favorecendo seu desempenho em festas e sexo que atendem aos interesses libidinosos dos homens. É um olhar masculino não filtrado sobre a temática. Este é o filme de um homem. Gostaria de ver como seria se tivesse sido dirigido por uma mulher, ou se as mulheres tivessem mais a dizer.
Este é o primeiro grande filme de Hollywood sobre o maior derramamento de petróleo nos E.U.A, e suas repercussões catastróficas são mencionadas nos créditos finais. É um filme desastre formulaico preocupado em criar tensão e mostrar efeitos especiais. Dentro de sua proposta é um sucesso.
Uma fábula de um encontro casual que gira em torno do relacionamento inesperado de uma mulher e um menino que foge de um internato. Eles passam a compartilhar experiências como se estivessem separados do mundo e de todas as suas mágoas.
O grande problema é que o roteiro tenta construir uma ponte de coerência entre o que é da imaginação, e o que é da realidade com um resultado um tanto quanto questionável. É talvez excessivamente ambicioso em sua proposta e acaba deixando a totalidade da história pendurada em um fio de plausibilidade a mercê do espectador. Confesso que não gostei.
É um filme perdido em seu próprio labirinto. Os seus piores crimes são os mistérios que não existem, as ações desorientadoras que levam a reviravoltas e conclusões ridículas. A série não tem mais salvação.
O roteiro não tem certeza de onde ir depois de um início promissor e salta para convenções de horror e revelações óbvias. Apesar de alguns contratempos é um filme de terror que vai agradar os fãs do gênero.
Um retrato de uma identidade cultural e sexual. De certa forma, este filme vai além do clichê, representa com precisão o tormento interno de um jovem imigrante coreano em Los Angeles, lidando com as pressões dos pais e suas próprias lutas de identidade pessoal. Uma trama que não está preocupada com respostas ou um encerramento.
Infelizmente, o filme sofre de um roteiro ruim, enquanto Katie Holmes é esforçada e conduz com segurança a sua estreia como diretora. O filme se sente como uma colcha de retalhos de centenas de outros ‘Road Movies’ melhores.
O filme tem uma missão importante: Contar uma história vital no Universo Star Wars. A Missão é cumprida. A trama aproveita todas as possibilidades para honrar as raízes e as influências que ajudaram a formar a ópera espacial de George Lucas em uma franquia de sucesso.
A trama é uma busca de herói em uma escala menor, mais pessoal que se concentra em uma única protagonista e seu grupo de diversos aliados, as ações da protagonista podem servir a galáxia em geral, mas sua história, e a de seus amigos, é de significado pessoal, interno e familiar. É refrescante a mudança de escopo para uma série que é grandiloquente.
O elemento mais forte da narrativa são seus personagens e, embora não sejam todos idealmente desenvolvidos, esses personagens imbuem o filme de um vivo senso de si mesmo. É uma odisséia cinematográfica explosivamente divertida e completamente satisfatória.
Negociar o início da adolescência pode ser uma coisa complicada - para as crianças, obviamente, se revela uma tarefa ainda mais difícil. A trama é um exame da adolescência como um pesadelo prestes a se concretizar. É também a transição difícil de tentar se encaixar primeiramente na família para tentar se encaixar na sociedade e como podemos nos definir por aquilo que não somos tanto quanto pelo que de fato somos.
É uma narrativa feminina, e muitos de seus temas falam especificamente para as experiências das mulheres jovens. Este é o lugar onde a metáfora dos ajustes realmente entra em jogo, sendo este rito de passagem incomum e assustador ao mesmo tempo. Captura a aproximação da adolescência pelo que realmente é: uma experiência fora do corpo. É uma pequena Obra-prima que merece ser descoberta.
Manchester à Beira-Mar
3.8 1,4K Assista AgoraUm filme profundamente deprimente, mas comovente. Uma trama construída por suas performances. O roteiro é fantástico no desenvolvimento de caráter de seu protagonista. O ator Casey Affleck confere o desempenho de uma vida neste papel, embora seu personagem pareça mundano e sem brilho no início, aos poucos o público entende a razão que ele é do jeito que é.
O sofrimento é um animal diferente para todos os que são forçados a senti-lo. Algumas pessoas lidam com raiva, algumas pessoas escolhem abertamente falar sobre isso, e outros não dizem uma palavra e carregam tudo para dentro. Este é um retrato desta última instância.
O grande problema com a trama é que ela é completamente dependente do sofrimento de seu protagonista. Eventualmente, todo o azar e sofrimento com o passar da projeção se sente repetitivo e cansado. E me impediu de sentir completamente deslumbrado com o filme como a maioria do público e crítica parece contemplar. É bom, mas confesso que realmente não entendo todo o amor que está recebendo.
Loving: Uma História de Amor
3.7 292 Assista AgoraO filme é um mergulho em uma das mais belas histórias de amor. Eles lutaram contra um estado segregado e um país dividido para ficar juntos e provar que não havia nada de errado com as emoções que sentiam e compartilhavam uns com os outros. O diretor Jeff Nichols evoca a intimidade em todas as oportunidades. Ele resiste à tentação de sublinhar a importância de sua história, de passar tempo em cenas (como cenas de tribunal) que podemos imaginar muito bem por conta própria, e se recusa a ampliar o escopo de seu filme para demonstrar sua influência no resto do mundo, ou para mostrar seu detalhe naturalista e meticuloso do período.
Os atores Joel Edgerton e Ruth Negga caem como luva em toda esta naturalidade simplista que é a proposta da trama. Ambos os personagens se sentem vividos, acostumados com suas rotinas e sincronizados como se estivessem se segurando uns aos outros durante os tempos difíceis.
É uma trama sutil, silenciosa que mostra a quantidade certa de dor que estes dois sofreram durante uma década inteira antes que um contexto histórico lhes trouxesse justiça. É chamado "Loving" não apenas porque eram seus sobrenomes, mas porque é isso que eles fizeram; eles se amaram.
La La Land: Cantando Estações
4.1 3,6K Assista AgoraParte do que gostei em Whiplash: Em Busca da Perfeição (2015) é replicado aqui: a edição, a câmera, a direção e a paixão pela música. O que está faltando, no entanto, é o ponto de vista inclinado, a maneira estranha de olhar para a arte e a insaciada busca por ela. Em Whiplash ocorre uma destruição mutuamente assegurada: o foco e o desejo de perfeição dos dois personagens principais aniquilam seu capital social. Nenhum funcionará novamente. É um final tematicamente adequado.
Em vez desta crítica cuidadosamente modulada da perseguição artística. O que La La Land está tentando dizer sobre artistas? Que só a arte comercialmente viável é a arte que vale a pena prosseguir? Que os artistas devem ser apoiados não importa quão tolas sejam suas ideias?- Os astros Emma Stone e Ryan Gosling se apresentam e são encantadores até a última instância, mas certamente não são texturizados o suficiente para sustentar o meu interesse através das sequências não-musicais. As músicas são banais quando não são totalmente imemoráveis, e o tema de piano parece apenas um tilintar aleatório e triste.
Pode-se encontrar a paixão íntima que o diretor Damien Chazelle tem por suas influências cinematográficas e musicais, em que a cada momento parece recordar algo bonito, uma referência de uma memória preciosa. Possui momentos de maravilha visual e auditiva, mas não são suficientes para preencher a falta de coerência ideológica. É um filme vazio aparentemente projetado para o prazer máximo do público, e neste quesito é um sucesso.
O Nascimento de Uma Nação
3.6 149Será que é possível separar a arte do artista?- Desde a sua estreia arrebatadora no Festival de Sundance em janeiro de 2016, o filme tem lutado uma batalha difícil. Isto é especialmente decepcionante como começou em 2016 no topo da colina. A produção foi recebida com elogios quase unânimes de plateias e críticos completamente extáticos. Depois foi comprado pela Fox no maior acordo de aquisição da história de Sundance. No entanto, alguns meses se passaram e acusações de estupro centradas no cineasta Nate Parker e roteirista Jean Celestin ofuscaram completamente a produção. Para piorar o ator demonstrou sua aparente falta de empatia em entrevistas sobre o assunto.
O filme, contudo, é uma poderosa e imperfeita lição de história da vida e da morte de Nat Turner, um pastor negro que liderou uma insurreição de escravos nos E.U.A em 1831. O que não se pode negar é a paixão que Nate Parker tem por esta história em cada quadro. Ele aproveita todas as oportunidades possíveis para fazer algo novo com a câmera e exibir a excelente fotografia, especialmente em algumas sequências "sonhos", onde quase se torna metafísico.
A trama faz observações verdadeiramente pungentes sobre religião através da lente da violência. Fica claro que o diretor está muito mais preocupado com o caráter de seu protagonista e como a religião o transformou em um líder mítico do que qualquer outra instância. Embora, o filme pode ser desigual, especialmente no terceiro ato, ainda alcança momentos de beleza e horror enquanto observamos Nate Turner em uma violenta e necessária rebelião contra o pecado da escravidão. É um filme brutal em certo aspecto que pode ter falhas enfadonhas, talvez falte audácia e sadismo que fizeram de Coração Valente (1995) uma produção “Oscarizada”. O que nos resta é um filme admirável, agitado, falho, simplista, mas importante, que sem dúvidas merece ser conhecido.
Sete Minutos Depois da Meia-Noite
4.1 992 Assista AgoraÉ uma dura narrativa emocional sobre a perda, mas também é um filme de monstro. Como o monstro desta história explica, saber o que nos assusta é entender quem realmente somos. O monstro é apenas um reflexo de uma verdade profunda e escura que muitas vezes tentamos não enfrentar.
A trama é algo parecido com um nervo cru, destacando não apenas um período de grande estresse emocional, mas o ponto em que a infância de um menino é forçosamente quebrada em favor das nuanças complicadas de um mundo adulto.
Um filme que encontra profundidade em desvendar a natureza do medo, tristeza e depressão, apenas para desconstruir o que mais importa: recusar as mentiras reconfortantes e aceitar a verdade amarga.
Rainha de Katwe
4.2 208 Assista AgoraO filme de Mira Nair explode com energia vibrante e cores deslumbrantes e saturadas. Uma produção com um elenco essencialmente negro que representa a pobreza de alguns que vivem na África, mas também apresenta a vibrante cultura que prospera por lá, e está mais interessado em sua beleza do que em seu tormento.
Mas são as performances que realmente elevam esta história em algo especial. É Lupita Nyong'o que mais uma vez rouba o show. Neste ponto, estou convencido de que pode interpretar qualquer papel dado a ela e tirá-lo com graça. Na verdade, a grande maioria das cenas emocionalmente ressonantes são quase totalmente realizadas por ela. É uma performance maravilhosa que merecia sinceramente ser lembrada por todas as premiações.
Não é um filme isento de falhas. É uma narrativa apressada que apresenta personagens de cena em cena, muitas vezes se sente que momentos poderosos estão sendo estrangulados para nos levar ao final da trama a todo custo. A Disney criou algo de um subgênero para si mesmo com os dramas de esportes inspiradores. O grande diferencial deste para os demais dramas esportivos é que este realmente tem a vontade e a paixão para inspirar as pessoas sem soar à sentimentalismo barato.
Moana: Um Mar de Aventuras
4.1 1,5KO visual é vibrante repleto de cores brilhantes que se encaixam a cultura da Polinésia e do Pacífico. A narrativa por sua vez, é capaz de subverter alguns dos clichês mais cansados e tradicionais das Princesas da Disney.
O mais encorajador desta animação é a evolução que a Disney propõe com sua fórmula aqui. Como alguém que nunca se desentendeu sobre a natureza fórmica de seu trabalho, as mudanças feitas aqui são notavelmente bem-vindas. Quem disse que para ser Princesa precisa de um Príncipe?
Moana é uma personagem multidimensional em um conto culturalmente infundido repleto de mitos espirituais. Sonha com realizações que não são projetadas a ela, é limitada pelas restrições de sua sociedade. Com muita aventura, e músicas a trama lida com a quebra de restrições de uma sociedade, independentemente das limitações que foram colocadas a ela. É uma jornada mais preocupada com a autodescoberta. Mas, o que é ainda mais fascinante é que não tem um vilão tradicional, entende que às vezes podemos ser nossos próprios inimigos.
O Diário de Anne Frank
3.7 41 Assista AgoraPor que outro filme baseado no diário de Anne Frank? - Todo mundo sabe a história. Respondo a pergunta. Esta é a primeira vez que um filme sobre Anne é feito em alemão, a língua nativa dela. A proposta é uma nova abordagem para tornar ainda mais acessível a uma nova geração. O diretor e o roteirista tiveram acesso a novas informações recolhidas a partir dos diários "inéditos" não publicados.
A trama nos lembra que Anne era uma adolescente acima de tudo que estava curiosa sobre seu corpo em mudança. Ao mesmo tempo, torna palpáveis os terrores diários de se esconder dos perseguidores no "Anexo Secreto". A perda da dignidade humana em condições sub-humanas. O ponto alto, no entanto, é o brilhante elenco. Não existe um elo fraco. E eles operam como um verdadeiro conjunto. É uma vitrine de atuação. Mesmo se você já tenha conferido outras versões do DIÁRIO DE ANNE FRANK essa produção merece uma nova chance de ser vista.
A Europa é novamente confrontada com inúmeras tragédias humanas causadas pela imigração. O diário de Anne Frank abre a porta a muitos temas contemporâneos, especialmente a respeito da igualdade, da emancipação e da proteção das minorias.
Michelle e Obama
2.8 52 Assista AgoraQualquer filme que coloca em seus créditos iniciais Janet Jackson é um bom começo. Especialmente quando a canção é "Miss You Much" suprassumo das rádios no ano de 1989. O filme define o tom de um dia de verão nas ruas de Chicago no fim da década de 80. A trama retrata o primeiro encontro de Michelle e Barack Obama através da lente de algo semelhante à trilogia de "Antes do Amanhecer" do diretor Richard Linklater.
A magia de como estranhos perfeitos podem se conectar tão intimamente durante um curto período de tempo. A trama analisa esse sentimento indescritível que cria um laço forte e confiante entre essas duas pessoas - um vínculo que inevitavelmente se transformará em amor e uma parceria de sucesso resultando em Presidente e Primeira Dama. É político, sem ser sobre político. É romântico, sem ser melodramático. Não é perfeito, mas dentro de sua proposta é um sucesso.
Barry
3.1 85 Assista AgoraEste é um olhar interessante sobre Barrack Obama e se você puder pôr suas opiniões políticas de lado, apreciará esta compreensão humana do ex-presidente norte-americano.
Não se trata de uma biografia convencional de um homem destinado a ser um vencedor. É sobre a busca de um homem tentando pertencer a algo, e encontrar-se na grande cidade de Nova York. Acompanhamos esta busca de autoconhecimento em uma América ainda divisiva racialmente no qual o jovem Obama tenta cautelosamente colocar a ponta dos pés, mas tropeça em um romance inter-racial instantaneamente condenado que serve como a espinha dorsal da trama.
Às vezes, a trama luta para externalizar a crise de identidade de seu protagonista de uma maneira que é genuína, e outras vezes nem tanto, contudo, é um olhar suficientemente perspicaz no estado de ser um "Outsider" em uma sociedade que tenta à qualquer custo nos categorizar.
A Luta de Steve
4.4 16O documentário segue o ex-jogador da NFL Steve Gleason desde seu diagnóstico de Esclerose Lateral Amiotrófica (ELA) - coincidindo em questão de semanas com a descoberta que sua esposa está grávida. Acompanhamos de forma gradual a deterioração de suas habilidades físicas, mas o tempo é apenas uma parte das ambições deste espetacular documentário.
O diretor transforma seus assuntos principais em personagens ricos e complexos: Steve, um ex-atleta tentando fazer as pazes com seu novo corpo, e sua esposa uma mulher de espírito livre lutando com seu novo papel de "cuidadora" tanto do marido quanto para o seu filho pequeno.
É um documentário que dedica-se a problemas de pais e filhos ao longo de três gerações, como Steve tenta fazer as pazes com seu próprio pai. E de sua construção de relacionamento com o seu filho que inadvertidamente não poderá vê-lo crescer. É difícil imaginar um retrato mais sentimental que este. Esse desconforto voyeurístico é o que torna o documentário tão espetacular. Ou melhor, a intimidade que este desconforto oferece. No meio do filme eu senti como se tivesse visto esta família atravessando o inferno. Mas, é acima de tudo uma família confrontando a tragédia com dignidade, em cenas cheias de amor, dor e esperança.
Docinho da América
3.5 215 Assista AgoraA trama examina uma fatia da percepção da cultura americana como um todo. Da necessidade constante de novas experiência até a individualidade. Disseca a juventude, seus relacionamentos e suas respectivas localidades. Tudo isso é visto através dos olhos nunca descansados de uma adolescente curiosa, cuja insaciável sede de novas experiências a motivam a viver na corda bamba.
O filme de Andrea Arnold reflete a mentalidade de uma juventude desesperada para ser parte de algo e dispostos a assumir riscos para chegar lá, mas que talvez subconscientemente querem adiar essa ideia de crescer para o maior tempo possível. Quem precisa do futuro quando o presente é tão presente?
É uma viagem com pano de fundo repleto de canções populares de gêneros diferentes: Country, Rap, Pop e R&B todos reunidos em diferentes tons que se misturam para se apropriar dos "sons" da América moderna. Talvez, seja este pequeno toque doce para a produção que faz do filme uma das melhores desconstruções modernas da cultura americana. É ao mesmo tempo esperançoso e desesperançoso, a diferença entre a adolescência moderna e a vida adulta tornou-se um abismo onde a maioria não consegue dar o salto.
The Land
3.5 3Skate é um dos esportes mais associados com a marginalização. A trama retrata um grupo de 04 jovens skatistas em uma área suburbana e pobre dos E.U.A. Enquanto, muitos filmes confundem suas histórias com melodramas exagerados ou proselitismo social, esta trama se atreve a ser sombria, contando uma história angustiante sobre a natureza cíclica e geracional da violência política e econômica da periferia.
Não concordamos com as escolhas desses anti-heróis que são sempre claras em sua verdade e consequência, e por qualquer motivo estão sempre presos em escolhas erradas nos momentos errados. O espectador realmente se importa com esses 'caras' e sentimos por eles a inevitabilidade das situações de risco as quais estão inseridos.
O diretor explora a subcultura do Hip-Hop / Skate de Cleveland através de uma câmera invasiva que povoa estes personagens fascinantes com momentos vividos; é um filme cuja autenticidade é tão marcante quanto seu estilo, mesmo que em seu momento final se entrega a tudo aquilo que condena no início, mais contraditório impossível. Mesmo com falhas vale ser conhecido.
O Amanhã
3.4 14Há uma excelente e ousada premissa neste drama sueco. Um jovem adolescente do sexo masculino é solto de uma instituição correcional por um crime hediondo. O espectador não tem conhecimento do crime, e de quem volta para casa, onde a família e a pequena cidade não estão certos quanto sua libertação. Inicialmente, o público é viciado em saber que ele é culpado, e de como as pessoas na cidade são abertamente desdenhosas em relação a sua presença.
A dúvida permanece até o fim. É um adolescente incompreendido que cometeu um erro terrível em um ataque de raiva ou um sociopata incapaz de forjar apegos duradouros e sentir emoções genuínas?
A trama permite ao público vislumbrar tanto os lados claros quanto os escuros do personagem principal, enquanto ele carrega a cruz da vida que tomou para si. É um filme com uma ressonância moral através do qual a luta do perdão e o desejo de seguir em frente são motivações compreensíveis.
O Holofote Não é Para Todos
3.5 28 Assista AgoraUm filme que se sente como um olhar verdadeiramente relevante na vida da nova geração de comediantes. A correlação entre a arte da improvisação e a vida dessas pessoas é inconfundível e eficaz.
O diretor faz um excelente trabalho de fazer a comédia servir o drama e vice-versa, este é um esforço bem escrito que não deixa qualquer um dos seus personagens fora do gancho. Consegue encontrar drama em momentos de silêncio, sinceridade no insincero e comédia no que é supostamente sem graça.
Muito Amadas
3.6 22 Assista AgoraUm tema ousado considerando o país de origem. Não justifica a repercussão que o filme teve em seu lançamento em Cannes, esperava um conteúdo mais forte e um tratamento mais profundo, mesmo se tratando de olhar muçulmano ao tema da prostituição.
A câmera gasta muito tempo em objetivar as mulheres, favorecendo seu desempenho em festas e sexo que atendem aos interesses libidinosos dos homens. É um olhar masculino não filtrado sobre a temática. Este é o filme de um homem. Gostaria de ver como seria se tivesse sido dirigido por uma mulher, ou se as mulheres tivessem mais a dizer.
Horizonte Profundo: Desastre no Golfo
3.5 330 Assista AgoraEste é o primeiro grande filme de Hollywood sobre o maior derramamento de petróleo nos E.U.A, e suas repercussões catastróficas são mencionadas nos créditos finais. É um filme desastre formulaico preocupado em criar tensão e mostrar efeitos especiais. Dentro de sua proposta é um sucesso.
Eva & Leon
3.4 6Uma fábula de um encontro casual que gira em torno do relacionamento inesperado de uma mulher e um menino que foge de um internato. Eles passam a compartilhar experiências como se estivessem separados do mundo e de todas as suas mágoas.
O grande problema é que o roteiro tenta construir uma ponte de coerência entre o que é da imaginação, e o que é da realidade com um resultado um tanto quanto questionável. É talvez excessivamente ambicioso em sua proposta e acaba deixando a totalidade da história pendurada em um fio de plausibilidade a mercê do espectador. Confesso que não gostei.
Inferno
3.2 832 Assista AgoraÉ um filme perdido em seu próprio labirinto. Os seus piores crimes são os mistérios que não existem, as ações desorientadoras que levam a reviravoltas e conclusões ridículas. A série não tem mais salvação.
A Autópsia
3.3 1,0K Assista AgoraO roteiro não tem certeza de onde ir depois de um início promissor e salta para convenções de horror e revelações óbvias. Apesar de alguns contratempos é um filme de terror que vai agradar os fãs do gênero.
Spa Night
3.3 15Um retrato de uma identidade cultural e sexual. De certa forma, este filme vai além do clichê, representa com precisão o tormento interno de um jovem imigrante coreano em Los Angeles, lidando com as pressões dos pais e suas próprias lutas de identidade pessoal. Uma trama que não está preocupada com respostas ou um encerramento.
All We Had
3.4 29 Assista AgoraInfelizmente, o filme sofre de um roteiro ruim, enquanto Katie Holmes é esforçada e conduz com segurança a sua estreia como diretora. O filme se sente como uma colcha de retalhos de centenas de outros ‘Road Movies’ melhores.
Rogue One: Uma História Star Wars
4.2 1,7K Assista AgoraO filme tem uma missão importante: Contar uma história vital no Universo Star Wars. A Missão é cumprida. A trama aproveita todas as possibilidades para honrar as raízes e as influências que ajudaram a formar a ópera espacial de George Lucas em uma franquia de sucesso.
A trama é uma busca de herói em uma escala menor, mais pessoal que se concentra em uma única protagonista e seu grupo de diversos aliados, as ações da protagonista podem servir a galáxia em geral, mas sua história, e a de seus amigos, é de significado pessoal, interno e familiar. É refrescante a mudança de escopo para uma série que é grandiloquente.
O elemento mais forte da narrativa são seus personagens e, embora não sejam todos idealmente desenvolvidos, esses personagens imbuem o filme de um vivo senso de si mesmo. É uma odisséia cinematográfica explosivamente divertida e completamente satisfatória.
The Fits
3.6 25Negociar o início da adolescência pode ser uma coisa complicada - para as crianças, obviamente, se revela uma tarefa ainda mais difícil. A trama é um exame da adolescência como um pesadelo prestes a se concretizar. É também a transição difícil de tentar se encaixar primeiramente na família para tentar se encaixar na sociedade e como podemos nos definir por aquilo que não somos tanto quanto pelo que de fato somos.
É uma narrativa feminina, e muitos de seus temas falam especificamente para as experiências das mulheres jovens. Este é o lugar onde a metáfora dos ajustes realmente entra em jogo, sendo este rito de passagem incomum e assustador ao mesmo tempo. Captura a aproximação da adolescência pelo que realmente é: uma experiência fora do corpo. É uma pequena Obra-prima que merece ser descoberta.